¿Por qué murió?

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Me lo preguntaron muchas veces antes y la respuesta se mantuvo firme durante mis primeros años en la beatlemanía mexicana: “Mi canción favorita beatlera es For No One”.

Lo cierto es que no se si mi respuesta se debía, en gran parte, a lo interesante que resultó ser la grabación original de esta composición de Paul, llevada a cabo los días 9, 16 y 19 de mayo de 1966. Mire usted: dos Beatles (Paul y Ringo), un cornista clásico (Alan Civil), un ingeniero de sonido (Geoff Emerick) y un productor (George Martin). Y párale de contar; las grandes piezas no necesitan de más para resultar ser una obra de arte.

Tampoco se si mi declaración se debía a los pocos y suficientes instrumentos que se usaron; bajo, piano y clavicordio por parte de Paul, batería, pandero y maracas de Ringo y el magnífico corno francés de Mr. Civil. Y nuevamente le paramos de contar, ¿acaso se necesita más para dar un resultado que ha conmovido a millones de personas a nivel mundial desde hace más de 50 años?

Lo que sí se es que esta canción asignada a Lennon/McCartney, titulada inicialmente Why did it die? y concebida por Paul en un viaje a Suiza con su novia de varios años Jane Asher, me dio a mí, su beatlera de confianza, en toditita la mother cuando entendí su letra (ustedes perdonarán la forma de decir estas cosas pero puedo no ser formal cuando hablo de canciones que me mueven tanto).

Y es que una le puede mentir al mundo cuando tiene el corazón roto y parecer como si nada pasara, como si nada afectara y como si estuvieras feliz de ser libre de nuevo. Puedes inclusive engañarte a ti misma si gustas pero, en el fondo y sobre todo cuando sabes que esa relación amorosa valía la pena, lo que te desgarra es aquello que ya no se pudo lograr.

Dicho en otras palabras, lo que te permea y te conmueve a nivel de lágrimas no fue lo que sucedió con la persona amada sino el potencial de lo que sí pudo haber sucedido. ¿Y para quién fue todo el amor, la pasión, interés, lealtad, fidelidad y esfuerzo de tanto tiempo? For No One.

Sí, hace 15 años decía que mi canción favorita beatlera era For No One y coincidía, precisamente, con el estado de mi corazón.

Ya no lo es. Descanse en paz.

Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

La historia de una canción: Strawberry Fields Forever.

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Sin duda alguna  Strawberry Fields Forever es una de las canciones míticas de The Beatles. Una composición que John Lennon escribió durante su estancia en España en 1966 y que marcó el inicio de una nueva etapa del cuarteto de Liverpool. Strawberry Fields Forever fue incluida en un sencillo junto con Penny Lane, una pieza de Paul McCartney, y fue el primer single del grupo que no llegó al primer lugar en las listas de popularidad en Inglaterra.

Conoce un poco más acerca de este estupendo tema:

 

Desde el 2011 hasta la fecha, se desempeña como asesor publicitario de diversas empresas y negocios. Actualmente tiene al aire su propio programa radial llamado B-Side: La otra cara de la música (la historia de los grandes cantantes y bandas de todos los tiempos); primero en Éxitos 89.7 FM y, desde el 2017, en Clásicos 100.5 FM, ambas emisoras ubicadas en Maracaibo, Venezuela.

John Lennon, una parte de su vida… de Antología.

El 9 de octubre de 1940 nació en Liverpool, Inglaterra, John Lennon, uno de los artistas más importantes e influyentes que dio el siglo pasado y que en la actualidad sigue vigente. De él se puede hablar de la importancia de su música, de sus letras, de sus libros, incluso de su obra pictórica. John Lennon fue un personaje, muchas veces polémico, que nunca tuvo miedo de decir lo que sentía, de expresarlo en sus canciones, en su creación artística o en las declaraciones que daba a la prensa. Celebremos la vida de John Lennon con algunas anécdotas de su juventud, previas al éxito mundial de The Beatles, que la Antología del cuarteto de Liverpool incluyó en su edición en libro.

Fred y Julia Lennon, los padres de John, se separaron y él se fue a vivir con su tía Mimi a la casa ubicada en el 251 de Menlove Avenue en Woolton.

“Mi madre era ama de casa, supongo. Era comedianta y cantante. No profesional, pero solía cantar en pubs y sitios así. Tenía buena voz. Se sabía Kay Starr. La oía entonar esa cancioncilla cuando yo tenía uno o dos años. Era de una película de Disney. Mi madre y mi padre se separaron cuando yo tenía cuatro años y me fui a vivir con mi tía Mimí”.

Muchos sabemos que John Lennon de niño era travieso en la escuela, pero tenía una inclinación hacia las artes. Asistió a la primaria Dovedale.

“Un profesor de matemáticas escribió: “Si sigue así, va de cabeza al fracaso” A casi todos les caía mal, porque siempre estaba deseando recordarles los increíblemente perspicaces que eran. Pero siempre había un profesor en cada colegio, normalmente de arte o de lengua o de literatura inglesa. Si tenía algo que ver con el arte o la escritura no había problema, pero si la cosa iba de ciencias o matemáticas estaba perdido”.

En su adolescencia ingresó a la Quarry Bank High School en donde Lennon persistía en su actitud rebelde; su carisma lo convirtió en líder de una banda de jóvenes semidelincuentes quienes se metían en muchos problemas.

“En el colegio me tenían por duro pero lo cierto es que me lo montaba para parecer más duro de lo que era. Solía meterme en líos. Me vestía de matón como un teddy boy. Claro que sí iba a los barrios bajos y me tropezaba con otros teddy boys, corría peligro. En el colegio era más fácil, porque podía ejercer control psicológico para pasar por duro. O sea, robábamos en las tiendas y ese tipo de cosas, pero nada muy fuerte”.

Y agregó.

La banda que yo capitaneaba se dedicaba a robar en las tiendas, bajarles las bragas a las chicas, y cosas por el estilo. Cuando estallaba la bomba y pillaban a todo el mundo, yo siempre me libraba”.

Su inquietud por las artes lo llevó hacia la música y en 1955 descubrió ese nuevo sonido que llegó de los Estados Unidos llamado Rock and Roll y a uno de sus principales exponentes: Elvis Presley.

“De niños conocíamos las canciones folk, porque nos parecían muy de clase media. La era Bill Haley no me afectó demasiado. Un tipo que conocía llamado Don Beatty me enseñó el nombre de Elvis Presley en el New Musical Express y me dijo que era genial. Era “Heartbreak Hotel”, pensé que sonaba un poco forzado. Las revistas de música decían que Presley era fantástico, y al principio esperaba algo como Perry Como o Sinatra. “Heartbreak Hotel” me parecía un titulo sensiblero y en aquellos tiempos sonaba raro. Pero después de que lo oí, casi me muero. Lo escuché por primera vez en Radio Luxemburgo. Me pareció fantástico. Recuerdo que volví a casa corriendo con el disco y dije: ¡Suena como Frankie Laine, Johnnie Ray y Tennessee Ernie Ford juntos!
“Soy tan fan de Elvis porque en realidad fue Elvis quien me sacó de Liverpool”.

Las influencias musicales que tuvo Lennon  de joven fueron las de los rocanroleros norteamericanos de mediados de los cincuentas.

“Buddy Holly eras fabuloso y llevaba gafas, lo cual me hacía gracia, aunque yo pasé años y años sin ponérmelas en público. Pero Buddy Holly fue el primero que destacó realmente en Inglaterra. Tocando y cantando al mismo tiempo. No sólo rasgueaba, sino que hacía punteos. No lo conocí, yo era demasiado joven. Tampoco lo vi en directo. Vi a Eddie Cochran, a Gene Vincent y a Little Richard, pero los conocí más tarde. Eddie Cochran fue el único a cuyo concierto asistí como fan sentado entre el público”.

Su mamá le compró una guitarra de marca Gallotone en 1956. Ella le prestó la cantidad de 5 libras y 10 chelines con la condición de que el instrumento se quedará en su casa y no en la de su tía.

“Cuando tenía dieciséis años, mi madre me enseñó música. Primero me enseñó a tocar acordes de banjo y de ahí pasé a la guitarra. Al principio utilizaba una guitarra prestada. No sabía tocar pero mi madre me compró una de una casa de ventas por catálogo. Era bastante mala, pero yo la tocaba sin parar y adquirí mucha práctica. Tocaba la guitarra como un bajo sin usar la sexta cuerda”.

El 6 de julio de 1957 sucede el encuentro entre dos jóvenes que harían historia en la música, John Lennon y Paul McCartney. Un amigo en común, Ivan Vaughan, los presentó mientras el grupo de John, The Quarry Men, ofrecía una presentación en la iglesia de St. Peter en Woolton.

“Lo conocí a través de Ivan. Y un día que estábamos tocando en Woolton lo trajo. The Quarry Men actuaban encima de una tarima y había mucha gente porque hacía un día caluroso y soleado. Hablamos después de la actuación y vi que tenía talento. Se puso a tocar la guitarra detrás del escenario e interpretó “Twenty Flight Rock” de Eddie Cochran. Paul sabía tocar la guitarra, la trompeta y el piano. Me dijo que los acordes que yo estaba tocando, en realidad no eran acordes. Me impresionó mucho ver a Paul tocando la guitarra. Así que valía la pena tenerlo. Además se parecía a Elvis. Me cayó bien”.

Paul McCartney le presentó a otro amigo, uno más jovencito, pero con un enorme talento para la guitarra, su nombre era George Harrison.

“George entró a través de Paul. Paul me presentó a George y yo tuve que decidir si lo dejaba entrar. Le oí tocar y le dije “toca Raunchy” . Le pedimos a George que entrara porque sabía más acordes, muchos más que nosotros”.

El 15 de julio de 1958, su madre Julia falleció debido a un trágico accidente.

“La mató un policía borracho fuera de servicio, cuando ella volvía de casa de mi tía, donde yo vivía. Yo no estaba allí en aquel momento. Estaba en la parada del autobús y el tipo la atropelló con el coche. Fue lo peor que me había pasado nunca. Fue un gran trauma. La perdí dos veces: una cuando me llevaron a vivir con mi tía y otra vez a los diecisiete, cuando murió físicamente”.

Después de perseverar y no darse por vencido, John Lennon y sus amigos, que se hacían llamar The Beatles, lograron, en 1962, obtener un contrato de grabación con el sello discográfico Parlophone y llegaron a convertirse en todo un suceso comercial y cultural en todo el mundo.

“Leíamos artículos en las revistas de fans americanas que decían: “Esos chicos salieron de los barrios bajos”. Yo siempre iba bien vestido, bien alimentado e iba a colegios, y me crié como buen chico inglés de clase media baja. Eso hacía distintos a The Beatles, el que George, Paul y John fueran chicos con estudios. Paul podría haber ido a la universidad. Siempre fue un buen chico. Aprobaba los exámenes. Podría haber llegado a ser, no sé… el doctor McCartney. Yo mismo lo hubiera logrado si hubiera estudiado un poco. Nunca estudié.

Y sobre su estancia en The Beatles, John Lennon, finalmente, agregó.

The Beatles eran mis únicos amigos. Estaban The Beatles y unos tres tipos a los que me sentía muy unido. Estuvimos juntos mucho más tiempo del que el público no conoció. No me arrepiento de nada de lo que he hecho, excepto de haber hecho daño a otras personas. No me lo hubiera perdido por nada del mundo.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Los BeatleComerciales

¿Eres cineasta? ¿Productor de teatro? ¿Fabricas artesanías? ¿El sueño de tu vida es usar una canción de The Beatles en el anuncio de tu producto o servicio?

Olvídalo, no es posible. Si bien en 2008 Sony/ATV Music Publishing abrió al uso comercial 259 canciones de The Beatles, si se acepta tu solicitud de uso para un anuncio, la canción deberá ser interpretada por alguien más. No por Paul ni por John ni por George ni por Ringo ni por los cuatro juntos… Por alguien más.

El todavía CEO de Sony/ATV Music, Martin Bandier, al respecto ha dejado claro que sólo se considera a marcas fuertes para el uso de las mismas y que, además, siente la obligación moral de consultar primero con Paul McCartney, Ringo Starr, Yoko Ono y Olivia Harrison cualquier intención seria de compra de una canción para ser usada en un anuncio. Léase que no es fácil anunciar tu producto o servicio con esa rola que amas tanto.

En 1985, el primer comercial para la televisión norteamericana que incluyó una canción beatlera fue de Ford y la canción usada fue la versión original de Help! No pasó mucho tiempo para que Apple Corps. emitiera un comunicado de prensa en donde se afirmó que las grabaciones oficiales del grupo no podrían ser usados en comerciales.

Dos años después, la versión original en sencillo de Revolution fue utilizada como parte de una campaña de siete millones de dólares para la venta de los tenis Nike. De acuerdo a versiones extraoficiales, la Sra. Yoko Ono fue la que otorgó su permiso ya que “esto acerca la música de John a las nuevas generaciones”. De paso, recolectó el medio milloncito de dólares que la compañía pagó por los derechos de su uso. Sin embargo, sus compañeros directivos de Apple Corps. no estuvieron de acuerdo y rápidamente demandaron a la compañía por 15 millones de dólares. Y también criticaron pública y ampliamente a Michael Jackson por permitir que su catálogo se abaratara y vulgarizara.

De esta manera, en julio de 1987, Apple Corps. emitió un segundo comunicado al respecto. Tajantemente contenía lo siguiente: “La posición de The Beatles es que no cantan jingles para vender zapatos deportivos, cerveza, medias para dama o ninguna otra cosa. Su posición es que compusieron y grabaron esas canciones como artistas y no como promotores comerciales de un producto”.

Si se permite que suceda, cada canción de The Beatles grabada anunciará ropa interior de dama y salchichas. Debemos poner un alto a esto para sentar un precedente. De otra manera, será una rebatinga. Si estuviéramos muertos sería otra cosa, ¡pero seguimos aquí! No sienten ningún respeto por el hecho de que compusimos y grabamos esas canciones y que eran parte de nuestras vidas. – George Harrison, noviembre de 1987

Pero la cuestión más difícil es si debes usar esas canciones para comerciales. Todavía no me he decidido al respecto. En general no me gusta, particularmente con todo lo de The Beatles. En veinte años tal vez estemos en un ámbito en donde esté bien permitirlo. – Paul McCartney, febrero de 1988

Sin embargo, mi madre diría que “poderoso caballero es Don Dinero” y la realidad es que con el mismo, el can se mueve rítmicamente y hasta esos cuatro directivos de la empresa de la manzana (la original) hicieron algunas excepciones posteriores… o muchas.

Aquí algunos ejemplos de esas excepciones:

Instant Karma (original) – Frituras Walkers Chips – 1999
Come Together – Nortel Networks – 1999
Getting Better – Philips Electronics – 1999
With A Little Help From My Friends – Gateway Computers – 2000
Taxman – Despacho de Contadores H&R Block – 2002
When I’m Sixty Four – Aseguradora Allstate – 2002

Y podría seguir un buen rato enlistando los comerciales que nos han hecho sonreír sólo por presentar esa música que amamos pero mejor les muestro algunos de ellos, dejando claro que el favorito de su beatlera de confianza es el de Budweiser. Tampoco se pierdan el de Pizza Hut con Ringo en donde dice que ya llegó el momento en el que los muchachos se reúnan de nuevo y resultan ser los muchachos equivocados.

¡Disfruten!

Target – Hello Goodbye

Nike – Revolution

Visa – Paul

Allstate – When I’m Sixty Four (voz Julian Lennon)

Budweiser – All Together Now

Pizza Hut – Ringo

Luvs – All You Need Is Love

Blackberry – All You Need Is Love

Citroën DS 3 – John Lennon

John Lewis – From Me To You


Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

Usen los oídos y no los ojos; la entrevista a Geoff Emerick

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Geoff Emerick murió el 2 de octubre de 2018, un día después de la publicación de esta entrevista.

GRACIAS POR TODO, GEOFF

Geoff Emerick (Londres, 1946 – Los Angeles, 2018) inició su vida laboral a los quince años como ingeniero asistente en los Estudios Abbey Road. En ese 1962 le tocó ver a una nueva banda llamada The Beatles grabar sus primeras canciones. Trabajó con ellos en la grabación de los sencillos She Loves You y I Want To Hold Your Hand.

Dos años después fue testigo de la transformación de ese grupo de jóvenes de Liverpool en músico profesionales. En 1966 y con sólo 19 años de edad, Emerick se convirtió en el ingeniero de sonido en jefe de The Beatles, la persona responsable de su distintivo sonido y de las innovaciones que el grupo presentó a partir de su álbum Revolver. También se encargó de los grandes productos: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Abbey Road. Ambos le acreditaron dos Grammys y le llevaron al primer nivel mundial en el medio de la ingeniería de sonido.

Después de la separación de The Beatles, Emerick trabajó con Paul McCartney, Elvis Costello, Badfinger, Art Garfunkel, America, Supertramp, Cheap Trick y Jeff Beck, entre otros muchos más.

En 2006 publicó Here, There, and Everywhere: My Life Recording the Music of The Beatles (Gotham Books, ISBN 1-59240-179-1) en co-autoría con Howard Massey, en donde revela el proceso creativo de The Beatles en el estudio y describe las técnicas que aplicó para lograr los sonidos de sus canciones más famosas.

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Geoff Emerick llegó a México acompañado por Howard Massey hace casi diez años para dar una conferencia y promocionar su libro.

A los periodistas e invitados especiales al evento se nos dijo insistentemente que no concedería más de cinco minutos a cada medio de comunicación para contestar preguntas. Representando a El Círculo Beatle y acompañada por Julio César Jiménez Alarcón, del Grupo seis69nueve, en lo personal esos 300 segundos significaban el mundo completo y durante muchos días preparé cuidadosamente dos preguntas (con una tercera opcional) que fueran lo suficientemente buenas como para llamar su atención y para obtener una primicia beatlera como respuesta.

Lamentablemente, el día del evento las cosas se salieron de control. Tener al ingeniero de sonido de The Beatles en casa hizo que pocos colegas siguieran las reglas aventándose en bandada al podio apenas terminó la conferencia y, para colmo, la persona con la que yo había registrado mis respectivos minutos había decidido no ir a trabajar ese día. ¿Conocen ese sentimiento de frustración que te llena los ojos de lágrimas y te provoca un enojo casi incontrolable? Yo sí. Vaya que lo conozco.

Sin embargo, los Dioses de la Música se manifiestan siempre ante quienes les dedican con pasión su vida completa y, de repente, Howard Massey, co-autor y co-conferencista de Geoff Emerick apareció en el pasillo justo cuando salíamos del lugar. No, no podía acercarnos al Sr. Emerick porque estaba muy cansado y debía llevárselo al hotel pero al día siguiente nos esperaba en el lobby del lugar para concedernos ¡UNA HORA! de entrevista.

La grabación de la misma se encuentra al final de la transcripción traducida al español. Disfruten.

Traducción: Tere Chacón.PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN

Tere Chacón: Muchas gracias por la entrevista. Leí su libro y me sorprendí porque no estaba consciente de que la gente común, la que no está en el negocio de la música, podemos desarrollar la habilidad de aislar sonidos. Y eso fue muy interesante para mí. ¿Me podría platicar de esto?

Geoff Emerick: Eso fue algo que me tuve que enseñar a hacerlo y empecé aislando el sonido del bajo, escuchando a la gente hablar de la línea del bajo dentro de una grabación completa y separar en mi mente todo lo que no es este sonido, sea la guitarra u otro instrumento. Y me tomó dos años poder hacerlo. No sabía como la gente podía hacerlo pero me tomó dos años realizarlo y después, me imagino, lo pude hacer de manera natural y aplicar esta habilidad a cualquier otra situación.

Tere Chacón: Ambos son autores de este libro (Here There And Everywhere), ¿cuándo se publicó?

Geoff Emerick: 2006

Tere Chacón: Howard me acaba de decir que le tomó cinco años escribirlo. ¿Cómo se conocieron? ¿Cómo fue el proceso de escribir el libro?

Geoff Emerick: Cuando yo iba a sesiones de grabación la gente me decía “Deberías escribir un libro” porque siempre me hacían preguntas de The Beatles. Sin embargo, no soy muy bueno para escribir; tomo la pluma y veo el papel pero no sucede nada.

Tere Chacón: ¿Se reunieron en Londres para escribir el libro?

Howard Massey: Nos reunimos en Los Angeles.

Tere Chacón (a Geoff Emerick): ¿Así que usted no vive en Londres?

Geoff Emerick: No. Ya soy ciudadano estadounidense también.

Julio César Jiménez: ¿Está consciente de la importancia de su trabajo en el éxito de The Beatles?

Geoff Emerick: Ahora lo estoy. En el tiempo en el que hacíamos los discos sabíamos que eran especiales pero no sabíamos que serían lo que son hoy, que son un mito o se han vuelto íconos ya que se terminaron en 1969 y no han habido productos de The Beatles desde ese año excepto las canciones de Lennon que hicimos, Free As A Bird y la otra, Real Love. Se volvieron icónicos así que, por supuesto, estoy consciente de su importancia. Y el otro gran aspecto es que han atraído a las nuevas generaciones a convertirse en productores o ingenieros de sonido para seguir adelante con el trabajo.

Tere Chacón: Al ser el ingeniero de sonido de The Beatles, ¿recibió sus copias gratuitas de cada álbum producido?

Geoff Emerick: No tengo copias pero está bien, yo renuncié. En esos días nosotros realmente no existíamos. No nos daban crédito en los álbumes; los tipos que tomaban la foto de la portada recibían su crédito pero nosotros no. Y nunca nos daban un álbum ni los discos. De hecho, cuando obtuve un Grammy por mi trabajo en el álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band el gerente de las oficinas de los Estudios Abbey Road pensó que debería ser de él sólo porque ahí se había grabado el álbum.

Tere Chacón: Nos decía ayer en la conferencia sobre la dificultad de hacer el álbum Revolver. La nueva forma de manejar nuevos sonidos, ¿sentó un precedente en su trabajo posterior?

Geoff Emerick: Si porque siempre buscábamos algo mejor a lo que habíamos incluido en el álbum previo; cada canción que era creada tenía que salir mejor que la que se había grabado anteriormente. Y cada vez era más difícil conforme avanzaban los álbumes y ese fue el caso de la canción Strawberry Fields, que después fue complicado hacer aún mejores las canciones que vinieron después. Pero fue divertido, era un trabajo duro pero divertido al mismo tiempo. Nosotros no nada más nos quedábamos sentados cinco horas en lo que The Beatles decidían cómo iba a salir la canción; en esas cinco horas estábamos ideando al mismo tiempo la manera en que sería presentada y grabada y, al final, cómo sonaría.

Tere Chacón: ¿Quién tomaba la decisión del orden de cada canción en un disco?

Geoff Emerick: Todos aunque yo no estaba involucrado en eso. A veces me preguntaban pero esa era una decisión de George Martin y The Beatles. Si se atoraban con algo, yo decía lo que pensaba.

Tere Chacón: ¿Y eso se basaba en qué? ¿En el impacto de la canción?

Geoff Emerick: En esos días se basaba en dos cosas. El primero era el tono de las canciones, el tono relacionado de las primeras canciones. La primera estaba en un tono y la siguiente estaba en el siguiente tono y ambos se relacionaban. Así era la manera en la que se estructuraban; era más agradable al oído.

Howard Massey: Ese proceso se llama secuenciación. En los días de los vinilos, usualmente se empezaba cada lado de un disco con una canción fuerte y se terminaba igual y se dejaban las canciones más débiles en medio.

Tere Chacón: Su libro incluye una descripción del día en el cual John fue asesinado y ese día usted trabajó en el estudio con Paul McCartney, ¿me podría hablar de ese día?

Geoff Emerick: Así es, estábamos trabajando juntos. Él estaba en shock. De hecho, pensamos que se iba a cancelar la sesión porque Paul llegaba a Londres en tren y pasaban por él a la estación de trenes pero supongo que decidió llevarla a cabo de todas maneras lo que, obviamente, hizo.

Tere Chacón: Usted ya había escuchado la noticia en el radio, ¿correcto?

Geoff Emerick: Sí, alguien me llamó y yo no sabía qué esperar pero la sesión seguía en pie. Empezamos a trabajar en algunas de las canciones de Paul y a los 10 minutos él llegó al cuarto de controles a buscar algo. Ahí empezamos a hablar durante al menos una hora de los días de The Beatles y después se regresó a trabajar y eso se repitió durante el día. Lo que había sucedido estaba en su mente, estaba en shock. Obviamente, todos los estábamos, toma un tiempo aceptar lo que pasó.

Tere Chacón: ¿Lo vio llorar?

Geoff Emerick: No en el estudio pero probablemente lloró en su casa, no lo se.

Tere Chacón: Su libro dice que para usted la música es como pintar un cuadro con sonidos.

Geoff Emerick: Así es.

Tere Chacón: ¿Usted asocia colores con sonidos?

Geoff Emerick: Sí, porque lo que pasa es un tipo de proceso de trabajo. Es porque estás con la orquesta o con la banda o con quien esté ensayando en el estudio y caminas, lo escuchas y después algo llama tu atención y eso se vuelve el color dominante. Y entonces construyes tu mezcla o tu cuadro en tu mente basado en ese color o en ese instrumento. Y así se mezcla el todo, ves los amarillos y los rojos y ubicas si son más fuertes o más dulces y así sucesivamente. El resultado es que ves ese cuadro que, obviamente, es un cuadro abstracto.

Howard Massey: Creo que esto es muy interesante. Lo que Geoff está describiendo se llama sinestesia en donde los sentidos cruzan sus límites. Hay personas que huelen algo e inmediatamente ven una imagen o escuchan un sonido y la sinestesia particular de Geoff es que escucha algo y, enseguida, ve un color; asocia sonidos con colores. Muy pocas personas cuentan con esta habilidad, menos del 1% pero pienso que en el caso de los ingenieros de sonido, el porcentaje sería de 10% así que creo que esto es algo con lo que se nace.

Geoff Emerick: Y esto es lo que estoy intentando enseñar a las nuevas generaciones, el asociar un brochazo individual para esa imagen, pintar por números y convertirlo en algo único. Todos están haciendo el mismo sonido; cada disco suena igual; ya no hay brochazos individuales debido a los métodos actuales de trabajo.

Tere Chacón: En su libro usted también dijo: “Un estudio de grabación es otro instrumento más para el ingeniero de sonido” y eso entonces lo convierte en un artista también.

Geoff Emerick: Sí, es totalmente artístico, yo no soy un técnico, lo que hago es puramente artístico; no tiene nada que ver con la tecnología. Cuando inició la tecnología moderna, todo lo que yo podía pensar era mezclar estas tonalidades, no quería ninguna distracción que viniera de teclas de manejo de volumen, botones y números… sólo me distraían. Eso se lo dejo a mi segundo ingeniero, yo ni pienso en eso. Así es para mí.

Tere Chacón: Los músicos indios trabajan sin partituras.

Geoff Emerick: La canción Within You Without You fue nuestra primera experiencia trabajando con músicos de la India.

Tere Chacón: ¿Fue diferente debido a que trabajan sin partituras?

Geoff Emerick: Su ritmo musical se basa en 16 tiempos. Lo que pasó en Within You Without You fue que había un intervalo después de la sección del solo y cuando trabajamos en ella, ese intervalo de 16 tiempos lo sentimos demasiado extenso así que le cortamos un poco, un par de tiempos o uno solo. Y cuando los músicos indios intentaron tocar Within You Without You, cuando llegaron a ese punto nunca se dieron cuenta de lo que habíamos hecho. Aparentemente es insultante para ellos el interferir con esos 16 tiempos y yo no lo sabía sino hasta recientemente pero sí, es divertido trabajar con músicos indios.

Julio César Jiménez: ¿Había problemas con Yoko Ono porque siempre estaba en el estudio? ¿Le molestaba a usted?

Geoff Emerick: A mí no de manera personal, se que a ella le asignan mucha culpa de la separación pero ésta fue básicamente por el hecho de que había ya muchos problemas con la situación de la compañía. Había problemas, problemas tremendos y, al menos desde mi punto de vista, su presencia no hacía diferencia alguna, ella realmente era como un mueble… (espacio en donde hubo risas). No, digo, no es un insulto, ella sólo era parte de lo que nos rodeaba. Sin embargo, sí era molesto para los miembros restantes de la banda tenerla en el estudio mientras ellos intentaban grabar.

Tere Chacón: Entiendo que John fue el que lo retó a usted para que desarrollara sonidos diferentes y que Paul era el que más conocimientos musicales tenía…

Geoff Emerick: Sí, Paul era el músico entre músicos y siempre buscaba obtener el 101% de todo mientras John se detenía en el 95%. Porque todas esas canciones originales, que son buenas al 99%, son tomas completas. Si el grupo se equivocaba dos compases antes del final no poníamos parches sino que regresábamos y volvíamos a grabar desde el principio hasta que saliera perfecto en una sola toma y eso era el anhelo de Paul y lo que siempre buscaba. Sin embargo, John decía algo así como “déjenlo como está”. Así que Paul era la fuerza musical que estaba detrás de la banda.

Tere Chacón: ¿Cómo fue trabajar con George y Ringo?

Geoff Emerick: Ringo era el baterista más increíble porque era el ritmo de esas canciones. Y frecuentemente terminábamos las sesiones a la mitad de la noche y el suelo alrededor de su batería estaba lleno de astillas de madera de sus baquetas porque había estado tocando durante 5 ó 6 horas de manera ininterrumpida… Bueno, tal vez exageré pero al menos eran 4 ó 5 horas. Y el final de cada sesión venía cuando Ringo se paraba, se ponía su abrigo y se empezaba a ir. Ese era el final de la sesión, no se podía ni negociar porque él ya no podía más.

George luchó mucho. Desde el álbum Revolver empezó a progresar. En ese entonces estábamos ya todos en las grabaciones al revés y solos de guitarra más complicados y a George le tomó tiempo sacar adelante eso. Necesitaba algún tipo de salida para lo que se convirtió en un trabajo demasiado pesado para él y de ahí surgió su interés en la música india. Lo que terminó pasando es que se convirtió en un gran artista de la música india, un gran compositor después y, a la larga, un guitarrista increíble. Pero George sabía lo que quería, obviamente. Le tomó un poco de tiempo desarrollar el talento que necesitaba para construir lo que hizo y era joven; era el más joven.

Tere Chacón: ¿Cuál sería un buen mensaje suyo para las nuevas generaciones?

Geoff Emerick: Que usen los oídos y no los ojos y eso es lo que están haciendo en la situación actual: no están escuchando música sino viendo una pantalla. Se que no todos lo hacen pero a la mayoría es así como se les enseñó, así es como piensan que se puede hacer música. Digo, sí se puede hacer música así pero cuando tratas de hacer algo diferente y trascendente no es así como se hace…

Tere Chacón: En su libro usted dice que la música de The Beatles tiene personalidad porque si cometían un error lo dejaban para que sonara con carácter.

Geoff Emerick: Si había un error, construíamos alrededor de éste a veces. Si había un error, no notas sueltas sino un cambio de ritmo sabíamos que a ellos les podía gustar y trabajamos en ese cambio.

Tere Chacón: ¿Disfrutan ambos dar estas conferencias?

Geoff Emerick: Es bueno porque me permite conocer todo tipo de personas y especialmente yo disfruto dar conferencias en México porque aquí hay mucha energía que no veo en los Estados Unidos.

Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

Andy White, el baterista de estudio que grabó con Los Beatles

En noviembre de 2015 murió Andy White, uno de los bateristas de sesión más reconocidos dentro del medio, tal vez para muchos un simple desconocido pero para los que hemos estudiado el fenómeno beatle, sabemos que a White se le atribuye su participación con Los Beatles en canciones como “Love Me Do”, “PS I Love You” y se cree que en “Please Please Me”.

La participación de Andy White fue breve pero a la vez quedó marcado para la historia ya que fue quien sustituyó a Pete Best en el estudio de grabación cuando Paul, George y John decidieron prescindir de sus servicios en la batería mientras llegaba Ringo Starr quien en la Antología narra que George Martin , productor del cuarteto de Liverpool, decidió que el sencillo de “Love me do” fuera tocado por Andy White.

Según la historia, George Martin decidió que volvieran a grabar “Love Me Do” como su primer single, les puso varias trabas en el camino, ya que ni Pete Best ni Ringo Starr habían logrado llamar su atención en la batería y les dijo a los muchachos que la única opción que tenía era utilizar un baterista de sesión y dejar la canción lista para ser publicada.

El 11 de Septiembre de ese histórico 1962 fue la fecha exacta en que The Beatles grabaron de manera definitiva “Love Me Do”. En esa fría mañana Los Beatles llegaron al estudio y notaron que la batería que usaba Ringo estaba a un costado desarmada y en el centro del escenario se encontraba un joven desconocido armando otra y probando cada platillo, timbal y bombo. Luego bajó George a hablar con el muchacho, para luego presentarle a la banda. “Su nombre es Andy White, y tocará la batería en su nuevo sencillo” declaró el productor frente a los muchachos.

No pasó ni un minuto, nadie dijo nada, quizás ya lo tenían asumido o quizás no tenían ni idea, pero Paul, George y John tomaron sus instrumentos afinaron y empezaron a grabar el que sería su nuevo single. Ringo estaba algo confundido, no sabía que pensar y tuvo que pasar el acto tocando el pandero al lado del baterista escocés que lo estaba reemplazando en esta ocasión.

“Me sentía desvastado, no podía creer que George Martin tuviera dudas sobre mi ejecución. Recuerdo que bajé del autobús listo para entrar a grabar y me encuentro con la sorpresa de George al decir -Tenemos un baterista profesional-. Con el paso de los años él me ha pedido disculpas varias veces por esa decisión” comentó Ringo en una entrevista.

Como recordó el propio White más tarde, el productor Ron Richards lo llamó en 1962 y le ofreció un trabajo de una sesión de tres horas para el sello EMI : “Eso es todo lo que sabía al respecto. Para entonces ya había escuchado a Los Beatles, porque mi primera esposa Lynne era de Liverpool y los había mencionado, pero no sabía mucho de ellos”, contó al diario Britain’s Daily Record en una entrevista en 2012.

Andy White también participó con músicos como Herman’s Hermits y Tom Jones; además de colaborar junto a la cantante y actriz Marlene Dietrich para espectáculos de cabaret. A principios de los años 1960, vivió en Londres pero ya estaba familiarizado con la escena musical estadounidense cuando cruzó el Atlántico para tocar con grandes artistas como Chuck Berry y Bill Haley and the Comets.

A sus 85 años, Andy dejó de existir el lunes 9 de noviembre de 2015 después de haber sufrido un derrame cerebral unos días antes; sus últimos años se dedicó a dar clases de batería y hacer compañía a su esposa Thea en su casa en Caldwell.

LOVE ME DO  VERSIÓN ANDY WHITE/1962

Licenciado en comunicación con maestría en televisión educativa y duranguense de nacimiento, Geraldo Rosales ha sido creador de los programas de Radio como “Viaje Mágico y Misterioso” y “La Caverna de Liverpool”, se desempeñó por más de 11 años en el periódico Contexto de Durango como jefe de la sección de cultura y espectáculos .Actualmente imparte conferencias con temática de los Beatles y es el conductor del programa “El submarino Amarillo” que se transmite por TV UJED.

Las casas de Paul McCartney

Con 76 años de vida y casi 60 siendo exitoso y disponiendo del dinero suficiente para adquirir cualquier bien inmueble que desee, Paul McCartney ha comprado un número alto de propiedades a lo largo de su vida.

Aquí te presento las más representativas, siendo la primera aquella en donde vive con su esposa Nancy actualmente.

Departamento en el Upper East Side de Nueva York

Departamento triplex en la Quinta Avenida, Manhattan, Nueva York, adquirido a finales de 2014.

Incluye cinco recámaras, cinco y medio baños, un vestíbulo con techo a doble piso, una biblioteca, terraza y vista a Central Park.


Residencia en Amagansett, East Hampton afuera de la Ciudad de Nueva York

Casa de descanso en Nueva York. Nancy cuenta también con otra propiedad dentro del área


Waterfall Estate en Peasmarsh, East Sussex

Ésta es una granja de 160 acres que Paul y Linda le compraron a Jim Higgs en 1978. Ubicada cerca de la villa de Peasmarsh, la granja fue demolida por la pareja en 1982 y, en su lugar, mandaron construir una casa de cinco recámaras. También cuenta con alberca, establos y un prado para sus caballos.


Rancho en Tanque Verde, Tucson Arizona.

De 151 acres, comprada por Paul y Linda en 1979. Fue visitado por la familia McCartney durante las vacaciones de verano y de invierno a lo largo de 19 años consecutivos. Cuenta con un helipuerto.

Aquí murió Linda McCartney el 17 de abril de 1998. Paul no ha regresado desde entonces pero MPL, su compañía, continúa pagando el mantenimiento.


Granja de High Park, Machrihanish, Campbelltown, Kintyre en Escocia

En 1965, Jane Asher le recomendó a Paul que invirtiera en una granja en donde pudieran refugiarse del agitado ambiente londinense. De esta manera, la pareja visitó Campbelltown en junio de 1966 y Paul terminó comprando esta propiedad de 200 acres en Escocia y a 130 millas de Irlanda.

Aquí fue a donde llegó con Linda después del rompimiento con The Beatles.


7 Cavendish Avenue, St. John’s Wood en Londres.

Adquirida el 13 de abril de 1965 por 40 mil libras, actualmente es la residencia oficial de Paul y Nancy en Inglaterra.

Inicialmente Paul la compró con el fin de ofrecerle a su novia Jane Asher un lugar independiente donde vivir. La pareja empezó su vida en común aquí en 1966. Lamentablemente, sus objetivos de vida eran distintos y Jane terminó abandonando el lugar y el 20 de julio de 1968 anunció en el programa Dee Time de la BBC que su compromiso con Paul había terminado.


Rembrandt House

Ésta fue la propiedad que Paul adquirió en Wirral para regalársela a su padre Jim con el fin de protegerlo de las constantes visitas de sus seguidoras así como para darle más comodidad mientras batallaba contra la artritis aguda que lo aquejaba.


Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

Los discos número uno en Billboard de The Beatles como solistas.

Cuando John Lennon, Paul McCartney, George Harrison y Ringo Starr formaron parte de The Beatles establecieron muchos logros con sus canciones a nivel comercial. Al momento de llegar a las listas de popularidad de los Estados Unidos con el sencillo I Want to Hold Your Hand, en 1964, se convirtieron en todo un fenómeno de ventas en el nuevo continente, porque la mayoría de sus canciones y discos ocuparon casi siempre el primer lugar en las listas de Billboard, pero una vez que ellos se separaron, la situación cambió y como solistas les costó mucho obtener ese sitio privilegiado que es la cima de una lista de popularidad en la Unión Americana. Aquí revisaremos solamente los discos, sin ocuparnos de los sencillos, que han ocupado el primer lugar en esta importante lista.

la lista de popularidad Billboard en Estados Unidos es la más importante porque hace la medición de los gustos del público que consume música en sus diferentes géneros y la manera de hacerlo es a través de la información que reciben de las ventas de discos a lo largo y ancho del país. Por una parte el listado Billboard 100 se encarga de ennumerar los sencillos y Billboard 200 es en donde entran los álbumes y EPs que se publican cada semana. En la actualidad también agregan las compras en linea y por supuesto los streaming, con lo cual le da mucha variedad a las opciones musicales que llegan a las listas.

Hace algunos días atrás se dio la noticia de que Paul McCartney obtuvo un primer lugar en las listas de popularidad, en este caso en Billboard 200, en los Estados Unidos. Tuvieron que pasar 36 años para que el exBeatle lograra de nueva cuenta llegar a la cima del listado con su nueva producción Egypt Station. Fue en 1982 cuando el álbum Tug Of War logró esta hazaña. Todo esto nos indica que discos como Pipes Of Peace (1983), Flowers In The Dirt (1989), Off The Ground (1993), Flaming Pie (1997) o Chaos and Creation In the Backyard (2005), por decir algunas obras, no consiguieron llegar a ese privilegiado sitio, pese a ser buenos productos discográficos.

Y no solamente McCartney volvió al primer lugar en las listas de popularidad, sino que además es su primer disco que tiene el merito de debutar, en su semana de estreno, en esa posición de honor, es decir no tuvo que escalar peldaños. Dos producciones del músico solamente habían debutado como segundo lugar los cuales fueron Flaming Pie en 1997 y Wingspan: Hits and History del 2001, pero jamás alcanzaron el primer lugar ni con el correr de las semanas.

Desde el primer momento en que Egypt Station fue puesto a la venta, el 7 de septiembre, el álbum pisó la posición privilegiada del número uno. En su sitio de internet, Billboard aclara que el listado al que denomina Billboard 200 es muy importante porque presenta la clasificación de los álbumes populares en cuanto a ventas en Estados Unidos, las cuales se cuantifican en transacciones tradicionales y los streamings por obra completa o por track por track. Lo que llama la atención. acorde con la página, es que en la semana en la cual debutó el disco, de las 153 mil unidades comercializadas (que le dieron el primer lugar), 147 mil se vendieron de manera tradicional, es decir en formato físico, ya sea adquiridas personalmente en tiendas y establecimientos musicales o por pedidos online. Lo que deja 6 mil que se comercializaron a través de streaming (ya sea en venta de álbum completo o track por track). Con lo cual Paul McCartney logró, apenas, su octavo número uno, en Billboard 200, en 48 años de carrera solista.

Billboard apunta que Paul McCartney supo hacer una buena campaña de marketing para presentar el disco, lo cual incluyó “el canje de entradas para sus conciertos con la venta del disco, más los paquetes de mercancía que se incorporaron con el álbum a través del sitio web oficial del artista”. Sin olvidar que, previo al lanzamiento y en la primer semana del estreno del álbum, el exBeatle se presentó en televisión con el Carpool Karaoke en Liverpool con James Corden, asimismo sus presentaciones en Abbey Road, The Cavern y Grand Central Station en Nueva York (el mismo día que se lanzó Egypt Station y que fue transmitido en Youtube) sin olvidar las entrevistas que ofreció a Jimmy Fallon para su late show, la charla que tuvo con Howard Stern para SiriusXM, el podcast WTF con Marc Maron y las conversaciones otorgadas a Mojo Magazine, Q Magazine y NME entre otras. Todo esto sirvió para que Paul estuviera presente en los medios de comunicación presentado su producto, el cual además resultó ser bueno.

Los otros discos de Paul McCartney, tanto en solitario como con Wings, que lograron colocarse en el primer lugar de Billboard fueron:
 1. McCartney (1970)
2. Red Rose Speedway (1973)
3. Band on The Run (1973)
4. Venus and Mars (1975)
5. Wings At The Speed Of Sound (1976)
6. Wings Over America (1976)
7. Tug Of War (1982)

Es de notar que la mayoría de los discos de Paul que alcanzaron la posición uno en Billboard pertenecen a la década de los setentas y tan sólo uno en los ochentas. El caso de John Lennon como solista es diferente (de acuerdo con el libro Who is Who in Rock and Roll editado por John Tobler) porque sólo logró alcanzar la posición número uno, en Billboard, en tres ocasiones que fueron con:
1. Imagine (1971).
2. Walls and Bridges (1974).
3. Double Fantasy (1980).

Recordemos que Lennon sólo estuvo activo, durante los setentas, hasta 1975 y se retiró por cinco años hasta que en 1980 decidió regresar con el álbum Double Fantasy que es su última producción discográfica en vida. Lennon también, cuando publicaba algún disco, tenía una presencia mediática, pero no le fue suficiente para obtener, a veces, un número uno por ventas en Estados Unidos. Pero si somos justos de siete discos publicados entre 1970 y 1980, la cantidad de tres álbumes, colocados en el primer sitio de Billboard, no es mala.

Mientras que George Harrison obtiene el número uno en Billboard con su primer disco como solista All Things Must Pass en 1970, posteriormente con Living in The Material World logró una vez más la cima. Si revisamos las listas de popularidad norteamericana nos encontramos que, por ejemplo, un álbum como The Concert For Bangladesh solamente alcanzó el lugar número dos y el afamado Cloud Nine (1987) tan solo llegó a la posición ocho. Al igual que Lennon, McCartney o Starr, Harrison promovía sus discos con breves apariciones en los medios de comunicación, pero los gustos de los consumidores llegan a ser volubles, incluso, con artistas de la talla de los exBeatles.

Por otra parte Ringo Starr no tiene un lugar número uno, su álbum Ringo de 1973 es lo más cercano a esa posición al colocarse en la segunda posición del listado. Sus álbumes más recientes, los cuales muchas veces son alabados por la crítica especializada en música, no llegan a conectar con el público consumidor y sus producciones discográficas se ubican en los listados en posiciones por debajo de la posición 100.

Cabe aclarar que aunque los exBeatles no hayan alcanzado, muchas veces, la posición de honor en la lista Billboard no implica que sus discografía sea mala. La lista sólo nos muestra los gustos del público consumidor norteamericano en un momento en específico. Hay artistas como David Bowie quienes llegaron a la cima en muy pocas ocasiones o el caso de Tom Petty que con toda una brillante carrera sólo lo logró una vez con su último álbum de estudio Hypnotic Eye del 2014. El listado de Billboard no deja se ser importante, en Estados Unidos, y es muy loable que tanto John Lennon, George Harrison y Paul McCartney como solistas hayan estado o estén presentes, más allá de The Beatles, en los gustos de los consumidores musicales de Norteamérica.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

¡Hola, John! Las palabras de Mimi Smith

NOTA DE LA AUTORA: Presenté por primera ocasión este texto, traducido por mí y adicionalmente con la investigación que realicé sobre Les Latimer Film Associates y la enfermera Varcoe en el año 2009. Nuevamente someto a su consideración esta conmovedora perspectiva de las palabras de Mimi Smith en 1981 así como las últimas que dijo en su vida. LAMENTABLEMENTE, abundan en la red personas jóvenes (que comúnmente muestran un nulo respeto hacia el trabajo ajeno tal vez por evitarse el esfuerzo propio de presentarle a los Beatlefans del mundo la mejor calidad informativa original) que sin problema alguno copian la información que les llama la atención y la presentan como suya.

Reitero que TODOS los contenidos de este sitio web están protegidos por una licencia Creative Commons que no sólo me ampara a mí sino a todos los autores que aumentan la calidad de los textos presentados aquí. RESPETO POR EL ESFUERZO Y LAS CREACIONES AJENAS.


Pocos meses después de la muerte de John, la compañía fílmica independiente Les Latimer Film Associates se acercó a quien fue su segunda madre y responsable de su educación, Mimi Smith.

A continuación la entrevista que ésta concedió:

Traducción: Tere Chacón.PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN

Entrevistador: Aquí hay dos fotos de un pequeño tomadas del álbum de la familia. A esta edad no había nada que lo distinguiera de cualquier otro niño pero el destino después lo ubicaría entre los más grandes artistas de este siglo. Este es el maestro John Lennon.

Se han dicho millones de palabras sobre el fenómeno de The Beatles y, en particular, de la imagen pública y la vida privada de John Lennon. Sin embargo, existió otro lado de este hombre tan complejo y comúnmente malinterpretado.

Ahora, por primera vez, su tía Mimi Smith ha abierto la puerta de su casa en Dorset para hablar sobre la amistad extraordinaria que existió entre ambos y que siguió hasta su muerte, hace un año. John Lennon compró esta casa con vista a la Bahía de Sandbanks para su Tía Mimi hace 16 años. Este era su enlace con la realidad y, sobre todo, con su tía. Aquí, lejos de los ojos observadores de sus seguidoras, escapaba de las presiones de la fama y fortuna y hablaba con la persona que, según decía, siempre lo entendía: su Tía Mimi.

Lo que ella conserva, ahora que John se ha ido, es un cúmulo de recuerdos en forma de las cartas, fotografías, regalos y llamadas telefónicas que van más allá de cualquier precio para ella. Estos recuerdos pintan una historia totalmente diferente de aquella que divulgan los periódicos.

Mimi cuidó a John después de la separación de sus padres cuando él era apenas un bebé. Se mantuvo como la figura materna de su vida hasta la muerte de él, cuando fue asesinado a tiros afuera de su departamento de Nueva York en diciembre pasado.

A pesar de la angustia que le provocó el asesinato de John, los recuerdos de Mimi son felices. Recuerda, por ejemplo, el haberle comprado su primera guitarra.

Mimi: Bueno, luché contra hacerlo durante mucho tiempo.

Entrevistador: ¿Por qué?

Mimi: No quería que perdiera el tiempo que dedicaba a su escuela porque seguro iba a perderlo tocando la guitarra. No sabía si esta moda iba a durar porque estas cosas van y vienen. Todo el mundo la tocaba durante una semana y después desaparecía la moda y yo no quería que cumpliera 21 años y no estuviera calificado para hacer nada.

Entrevistador: ¿Puede recordar el día en el que obtuvo su guitarra? ¿Recuerda su reacción?

Mimi: Bueno, pues estaba sobrio. Pasó por mí, me besó y me dijo: “¿Podría yo tener una guitarra?”. Y no tenía dinero para comprarla y sólo yo podía comprarle una. Recuerdo que fuimos a Liverpool a una tienda de guitarras. Yo no sabía nada de guitarras así que el escogió una. ¡Y costó 17 libras!

Entrevistador: ¿Qué tanto le sorprendió que The Beatles obtuvieran fama y éxito mundial?

Mimi: Sabía que tenían algo aunque nadie esperaba lo que sucedió. ¡Fue una sorpresa para ellos también!

Entrevistador: Y cuando ya era famoso, ¿qué tan seguido lo veía aquí en Escocia?

Mimi: A veces los fines de semana pero, en realidad, nunca podías decir porque llegaba en cualquier momento pero esto fue antes de que la presión sobre él aumentara. Venía solo, sin compañía. Hasta que un día, cuando ya era famoso, llegaron también las cámaras de televisión. Yo me enojé y él me dijo: “¡Oh, Mimi! No debes enojarte sólo por esto”.

Entrevistador: Cuando John se fue a los Estados Unidos, ustedes se mantuvieron en contacto por teléfono, ¿de qué hablaban?

Mimi: A veces hablábamos de asuntos del momento, de cómo subía y bajaba la libra y de lo que estaba sucediendo. En otras ocasiones a él le gustaba hablar de los recuerdos de su niñez y de todas las cosas agradables que le sucedieron. ¡Y en otras ocasiones no se podía explicar cómo sabía yo lo que estaba haciendo!

Entrevistador: ¿Qué hay de sus famosas actividades con Yoko Ono como el bed-in? ¿Le habló de esto a John?

Mimi: Por supuesto que lo hice. Le dije por teléfono: “¡Es suficiente! Gracias. Hemos tenido suficiente. Mantén ese amor en el salón de la música”. Y así terminó.

Entrevistador: Así que sí la escuchó.

Mimi: Bueno sí aunque se rebeló. Me dijo: “No haré lo que me dices”. Siempre me lo decía.

Entrevistador: ¿Que opina de su esposa Yoko Ono? ¿La conoció?

Mimi: Oh, sí. La conocí en Londres y también aquí. Eso fue en los viejos tiempos cuando la trajo. Bueno, yo no sabía de qué se trataba o quién era ella. Le pregunté: “¿Quién es ella?” y él contestó: “Es Yoko”. Yo no me fijé mucho en ella aunque sí le pregunté a qué se dedicaba. Ella contestó: “Soy una artista”. Yo le dije: “Eso está raro, nunca he oído hablar de ti”.

Entrevistador: ¿Cómo le llamaba John?

Mimi: Me decía Mimi. Mi nombre es Mary Elizabeth pero nunca me han dicho de otra manera que no sea Mimi. Pero cuando John se portaba mal yo le decía, “No me hagas ir por ti” y él me contestaba: “Sólo estás de gruñona”. Y cuando eso sucedía por teléfono, John esperaba media hora y me volvía a marcar diciéndome: “¡Hola! ¿Eres tú, gruñona?”.

Entrevistador: ¿Le compró muchos regalos?

Mimi: Sólo vea. El lugar está lleno de sus regalos. ¡Vea estas perlas, todo! Y pude haber tenido cualquier cosa en el mundo pero soy de esas personas que los ladrones perdonan.

Entrevistador: El quería que usted viviera con él en los Estados Unidos…

Mimi: Sí.

Entrevistador: ¿Lamenta no haber ido?

Mimi: No. Yo no podría vivir ahí. En realidad, él se había ido hacia tanto y me llamaba desde siempre una vez a la semana y, a veces, en dos ocasiones a la semana y la llamada sonaba tan clara que yo sentía que, en realidad, nunca se había ido del todo. Era tan bueno como verlo.

Entrevistador: ¿Qué opina de todas esas historias que se han publicado de John Lennon desde su muerte?

Mimi: ¿Quiere decir esas declaraciones escandalosas?

Entrevistador: Hablo de todas esas historias de su vida privada, de su vida sexual.

Mimi: Nunca he leído nada de eso en mi vida. ¿Por qué no salieron a la luz cuando él estaba vivo para que se defendiera él mismo? ¿Por qué esperar a que muriera? Creo que fueron escritas por depravados, obsesionados por sexo que, además, buscan atención.

Entrevistador: ¿Cuándo fue la última vez que John le habló por teléfono?

Mimi: Una noche antes de su asesinato, hablamos durante dos horas. Y me dijo: “Te veré pronto, Mimi, no puedo esperar ya para verte”. Y la noticia llegó a las 5 de la mañana el día siguiente con las noticias del otro lado del Atlántico. Y honestamente, si pensé que estaba muerto no creo que lo haya entendido totalmente.

Entrevistador: De todas las canciones que John compuso y cantó, ¿hubo una favorita que usted disfrutaba?

Mimi: No se. Creo que A Hard Day’s Night no es tan mala actualmente…

Mimi Smith murió el 6 de diciembre de 1991 en la casa ubicada en el número 126 de la calle Panorama Road, Poole, Dorset, Inglaterra, que recibió en 1965 como uno de los muchos regalos que John le hizo a lo largo de su vida.

De acuerdo a Lynn Varcoe, la cuidadora de Varcoe Nursing Agency contratada por Yoko Ono que estuvo con ella durante sus últimos meses de su vida, Mimi se desplomó en el baño de su casa antes de fallecer.

Sus últimas palabras fueron “Hello, John”.

Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

The Beatles en bootlegs, una introducción.

Dentro de los discos bootlegs, aquellos álbumes que contienen esas canciones inéditas (ya sean obtenidas de los estudios de grabación o de conciertos en estadios, teatros, arenas o programas de radio y televisión) también existen artistas que son de los más pirateados. En esa lista podemos encontrar a grupos y solistas como The Rolling Stones, The Who, Led Zeppelin, U2, Bruce Springsteen, Bob Dylan, Eric Clapton, Metallica y por supuesto The Beatles. Tratar de cuantificar el material no oficial del cuarteto de Liverpool es un trabajo muy arduo que muchos sitios de internet se han encargado de hacer y los listados generados son muy grandes, porque no solamente tenemos el material de John, Ringo, George y Paul dentro del grupo, sino también se incluyen sus trabajos como solistas.

Coleccionar bootlegs de The Beatles es para muchos fans todo un placer, un placer que no es barato y más si se adquieren los discos, ya sean en vinil o disco compacto, en “original” de esas marcas que presentan ediciones muy bien hechas, con portadas excelentemente diseñadas (aunque unas no tanto) que son un deleite en lo visual y mucho de este tipo de material se encuentra en los famosos Beatles Fest que se llevan a cabo en diferentes partes de mundo. Pero como estamos ante un producto musical que básicamente es ilegal, bajo este régimen surgen muchas “empresas” que han creado sus propias ediciones. Con esto podemos encontrar, por ejemplo, los conciertos del Hollywood Bowl en diferentes presentaciones de distintos “sellos discográficos”, con lo que aquí aplica el famoso dicho ladrón que roba a ladrón, tiene cien años de perdón. Aunque hace muchos años atrás surgió un sello llamado Purple Chick que se ha encargado de remasterizar bootlegs y colocarlos para su descarga en digital (con todo y el diseño de portadas, inserts y contraportadas listas para imprimir) de manera gratuita, es decir de fans para fans.

Para solamente hablaremos de la discografía no oficial de The Beatles -sin ocuparnos de ellos en solitario- la cual nos ha presentado bastantes joyas musicales del grupo, aunque varias ya han aparecido de manera legal en las colecciones Anthology, Live at BBC e incluso Let It Be Naked es una respuesta a todos esos bootlegs que han circulado con ese material de las sesiones del Get Back a lo largo de todos estos años.

Históricamente se menciona que fue el plato Kum Back el primer bootleg de la banda en salir a la luz. Kum Back nos presentó canciones que fueron producto de las famosas sesiones del mal logrado proyecto Get Back. Se prensaron un par de discos bajo la supervisión del afamado productor Glyn Johns (famoso por trabajar con The Rolling Stones y The Who) y se llevaron en 1969 a Estados Unidos para promover en algunas estaciones de radio las nuevas canciones del grupo (las cuales saldrían hasta el siguiente año bajo el nombre oficial Let It Be). También se ha dicho que el mismo Lennon llevó una copia e ingenuamente la entregó a un periodista en Canadá. La estación de radio de Boston WBCN fue la primera en difundir lo nuevo de The Beatles sin que hubiera un disco oficial (por cierto también hay un bootleg de esas transmisión radial). Finalmente se grabaron las canciones de la emisión de radio (mientras que otros se adueñaron directamente de esos discos promocionales y los copiaron) y Kum Back abrió las puertas a todo lo que vendría después con respecto al material musical ilegal del grupo.

En septiembre de 1976 la publicación mexicana Rock Poster, en su número 142, difundió una nota, sin firma, en la que daban una cifra total de los discos piratas de The Beatles. En esa época en la que aún no existían los compact disc, ni mucho menos los formatos digitales, ellos dieron la cantidad de 41 unidades no oficiales del grupo, en la que obviamente aparecía Kum Back y títulos como Yellow Matter Custard (que contiene grabaciones de la BBC), Vancouver 64, Soldier Of Love (del cual no había escuchado y hasta la fecha no tengo referencias de este disco), Tokyo 66, Some Other Guy, Studio Sessions (en sus dos volúmenes) y muchos más. Para ese momento para la gran mayoría que tuvimos la oportunidad de leer esta lista, todos esos álbumes eran completamente desconocidos, fue como tener ante nosotros un menú de música que difícilmente podríamos disfrutar en esa década setentera, por lo poco accesibles que era. Incluso la misma revista señalaba que los precios de los discos “variaban entre los tres y diez dólares” y que el mercado lo manejaban comerciantes de “Nueva York, Los Angeles y Boston”.

Aquí cabría preguntarnos si esos 41 discos que menciona Rock Poster son la base de todos los bootlegs que abundan en la actualidad bajo diferentes ediciones y marcas como Yellow Dog, Yellow Cat, Vigotone, T.M.Q (Trade Mark of Quality), Teddy Bear y muchas otras, además de toda la discografía que están disponibles en sitios de bootlegs como The Ultimate Bootleg Experience que a la fecha cuenta con 72 títulos disponibles entre audio y video. A los que podemos agregar los 85 de Paul McCartney, los 21 de John Lennon, los 36 de George Harrison y sólo 4 de Ringo Starr (aunque hay otras páginas en donde podemos encontrar mucho más del baterista). Mientras que en el sitio Bootlegpedia tenemos 444 objetos registrados, entre discos y dvds, de The Beatles.

El periodista de rock Clinton Heylin entre su top 100 de bootlegs escogió a los discos Get Back and 12 other songs, Complete BBC Sessions, Ultra Rare Trax (ocho volúmenes) y Unsurpassed Masters (del volumen 1 al 7) como sus favoritos. Curiosamente no elige ningún álbum registrado en concierto. Aunque existen varios que son rescatables como los del Shea Stadium 65 en su versión completa y mejorada que además incluye el recital del Hollywood Bowl del 29 de agosto de 1965. También está el Blackpool 66, Paris 1964, Live in Japan 1966 (también aparecido con el nombre Banzai que nos presentaba un empaque metálico muy bien diseñado) o el aparecido bajo el nombre The Sam Houston Colosseum que contiene los dos shows que The Beatles ofrecieron el 19 de agosto de 1965.

Cuando somos unos imberbes seguidores del grupo y descubrimos estas grabaciones nos encontramos ante algo parecido al Santo Grial; el poder escuchar la evolución de las canciones dentro del estudio, con la voz de George Martin dando el conteo inicial es toda una experiencia, no importa si escuchamos varias tomas de Misery o I Saw Her Standing There.

Al momento de salir a la venta las Antologías muchos ya conocíamos casi todo el material que se presentó ahí, claro que hubo cosas que si fueron nuevas, y muchos seguidores del grupo no estuvieron satisfechos porque varios de los temas que se incluyeron pasaron por una edición que les quitó parte de esa crudeza con las que las conocíamos previamente.

Hablar de los diversos discos bootlegs de The Beatles es meternos en un universo complejo, al que poco a poco nos iremos adentrando y revisaremos varios de los discos que se han publicado en el llamado mercado negro (aunque el internet prácticamente sepultó a este mercado), álbumes que hay que destacar por lo que nos presentan, ya sean con los outtakes provenientes de las consola de los estudios EMI o de los conciertos que llegan a tener una muy buena calidad de audio y que nos dan una idea clara de cómo se escuchaba el grupo en vivo ante una escandalosa audiencia. Además Paul McCartney y Ringo Starr siguen activos lo que puede generar aún más bootlegs que estaremos, sin duda, escuchando.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.