Usen los oídos y no los ojos; la entrevista a Geoff Emerick

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Geoff Emerick murió el 2 de octubre de 2018, un día después de la publicación de esta entrevista.

GRACIAS POR TODO, GEOFF

Geoff Emerick (Londres, 1946 – Los Angeles, 2018) inició su vida laboral a los quince años como ingeniero asistente en los Estudios Abbey Road. En ese 1962 le tocó ver a una nueva banda llamada The Beatles grabar sus primeras canciones. Trabajó con ellos en la grabación de los sencillos She Loves You y I Want To Hold Your Hand.

Dos años después fue testigo de la transformación de ese grupo de jóvenes de Liverpool en músico profesionales. En 1966 y con sólo 19 años de edad, Emerick se convirtió en el ingeniero de sonido en jefe de The Beatles, la persona responsable de su distintivo sonido y de las innovaciones que el grupo presentó a partir de su álbum Revolver. También se encargó de los grandes productos: Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band y Abbey Road. Ambos le acreditaron dos Grammys y le llevaron al primer nivel mundial en el medio de la ingeniería de sonido.

Después de la separación de The Beatles, Emerick trabajó con Paul McCartney, Elvis Costello, Badfinger, Art Garfunkel, America, Supertramp, Cheap Trick y Jeff Beck, entre otros muchos más.

En 2006 publicó Here, There, and Everywhere: My Life Recording the Music of The Beatles (Gotham Books, ISBN 1-59240-179-1) en co-autoría con Howard Massey, en donde revela el proceso creativo de The Beatles en el estudio y describe las técnicas que aplicó para lograr los sonidos de sus canciones más famosas.

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Geoff Emerick llegó a México acompañado por Howard Massey hace casi diez años para dar una conferencia y promocionar su libro.

A los periodistas e invitados especiales al evento se nos dijo insistentemente que no concedería más de cinco minutos a cada medio de comunicación para contestar preguntas. Representando a El Círculo Beatle y acompañada por Julio César Jiménez Alarcón, del Grupo seis69nueve, en lo personal esos 300 segundos significaban el mundo completo y durante muchos días preparé cuidadosamente dos preguntas (con una tercera opcional) que fueran lo suficientemente buenas como para llamar su atención y para obtener una primicia beatlera como respuesta.

Lamentablemente, el día del evento las cosas se salieron de control. Tener al ingeniero de sonido de The Beatles en casa hizo que pocos colegas siguieran las reglas aventándose en bandada al podio apenas terminó la conferencia y, para colmo, la persona con la que yo había registrado mis respectivos minutos había decidido no ir a trabajar ese día. ¿Conocen ese sentimiento de frustración que te llena los ojos de lágrimas y te provoca un enojo casi incontrolable? Yo sí. Vaya que lo conozco.

Sin embargo, los Dioses de la Música se manifiestan siempre ante quienes les dedican con pasión su vida completa y, de repente, Howard Massey, co-autor y co-conferencista de Geoff Emerick apareció en el pasillo justo cuando salíamos del lugar. No, no podía acercarnos al Sr. Emerick porque estaba muy cansado y debía llevárselo al hotel pero al día siguiente nos esperaba en el lobby del lugar para concedernos ¡UNA HORA! de entrevista.

La grabación de la misma se encuentra al final de la transcripción traducida al español. Disfruten.

Traducción: Tere Chacón.PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN

Tere Chacón: Muchas gracias por la entrevista. Leí su libro y me sorprendí porque no estaba consciente de que la gente común, la que no está en el negocio de la música, podemos desarrollar la habilidad de aislar sonidos. Y eso fue muy interesante para mí. ¿Me podría platicar de esto?

Geoff Emerick: Eso fue algo que me tuve que enseñar a hacerlo y empecé aislando el sonido del bajo, escuchando a la gente hablar de la línea del bajo dentro de una grabación completa y separar en mi mente todo lo que no es este sonido, sea la guitarra u otro instrumento. Y me tomó dos años poder hacerlo. No sabía como la gente podía hacerlo pero me tomó dos años realizarlo y después, me imagino, lo pude hacer de manera natural y aplicar esta habilidad a cualquier otra situación.

Tere Chacón: Ambos son autores de este libro (Here There And Everywhere), ¿cuándo se publicó?

Geoff Emerick: 2006

Tere Chacón: Howard me acaba de decir que le tomó cinco años escribirlo. ¿Cómo se conocieron? ¿Cómo fue el proceso de escribir el libro?

Geoff Emerick: Cuando yo iba a sesiones de grabación la gente me decía “Deberías escribir un libro” porque siempre me hacían preguntas de The Beatles. Sin embargo, no soy muy bueno para escribir; tomo la pluma y veo el papel pero no sucede nada.

Tere Chacón: ¿Se reunieron en Londres para escribir el libro?

Howard Massey: Nos reunimos en Los Angeles.

Tere Chacón (a Geoff Emerick): ¿Así que usted no vive en Londres?

Geoff Emerick: No. Ya soy ciudadano estadounidense también.

Julio César Jiménez: ¿Está consciente de la importancia de su trabajo en el éxito de The Beatles?

Geoff Emerick: Ahora lo estoy. En el tiempo en el que hacíamos los discos sabíamos que eran especiales pero no sabíamos que serían lo que son hoy, que son un mito o se han vuelto íconos ya que se terminaron en 1969 y no han habido productos de The Beatles desde ese año excepto las canciones de Lennon que hicimos, Free As A Bird y la otra, Real Love. Se volvieron icónicos así que, por supuesto, estoy consciente de su importancia. Y el otro gran aspecto es que han atraído a las nuevas generaciones a convertirse en productores o ingenieros de sonido para seguir adelante con el trabajo.

Tere Chacón: Al ser el ingeniero de sonido de The Beatles, ¿recibió sus copias gratuitas de cada álbum producido?

Geoff Emerick: No tengo copias pero está bien, yo renuncié. En esos días nosotros realmente no existíamos. No nos daban crédito en los álbumes; los tipos que tomaban la foto de la portada recibían su crédito pero nosotros no. Y nunca nos daban un álbum ni los discos. De hecho, cuando obtuve un Grammy por mi trabajo en el álbum Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band el gerente de las oficinas de los Estudios Abbey Road pensó que debería ser de él sólo porque ahí se había grabado el álbum.

Tere Chacón: Nos decía ayer en la conferencia sobre la dificultad de hacer el álbum Revolver. La nueva forma de manejar nuevos sonidos, ¿sentó un precedente en su trabajo posterior?

Geoff Emerick: Si porque siempre buscábamos algo mejor a lo que habíamos incluido en el álbum previo; cada canción que era creada tenía que salir mejor que la que se había grabado anteriormente. Y cada vez era más difícil conforme avanzaban los álbumes y ese fue el caso de la canción Strawberry Fields, que después fue complicado hacer aún mejores las canciones que vinieron después. Pero fue divertido, era un trabajo duro pero divertido al mismo tiempo. Nosotros no nada más nos quedábamos sentados cinco horas en lo que The Beatles decidían cómo iba a salir la canción; en esas cinco horas estábamos ideando al mismo tiempo la manera en que sería presentada y grabada y, al final, cómo sonaría.

Tere Chacón: ¿Quién tomaba la decisión del orden de cada canción en un disco?

Geoff Emerick: Todos aunque yo no estaba involucrado en eso. A veces me preguntaban pero esa era una decisión de George Martin y The Beatles. Si se atoraban con algo, yo decía lo que pensaba.

Tere Chacón: ¿Y eso se basaba en qué? ¿En el impacto de la canción?

Geoff Emerick: En esos días se basaba en dos cosas. El primero era el tono de las canciones, el tono relacionado de las primeras canciones. La primera estaba en un tono y la siguiente estaba en el siguiente tono y ambos se relacionaban. Así era la manera en la que se estructuraban; era más agradable al oído.

Howard Massey: Ese proceso se llama secuenciación. En los días de los vinilos, usualmente se empezaba cada lado de un disco con una canción fuerte y se terminaba igual y se dejaban las canciones más débiles en medio.

Tere Chacón: Su libro incluye una descripción del día en el cual John fue asesinado y ese día usted trabajó en el estudio con Paul McCartney, ¿me podría hablar de ese día?

Geoff Emerick: Así es, estábamos trabajando juntos. Él estaba en shock. De hecho, pensamos que se iba a cancelar la sesión porque Paul llegaba a Londres en tren y pasaban por él a la estación de trenes pero supongo que decidió llevarla a cabo de todas maneras lo que, obviamente, hizo.

Tere Chacón: Usted ya había escuchado la noticia en el radio, ¿correcto?

Geoff Emerick: Sí, alguien me llamó y yo no sabía qué esperar pero la sesión seguía en pie. Empezamos a trabajar en algunas de las canciones de Paul y a los 10 minutos él llegó al cuarto de controles a buscar algo. Ahí empezamos a hablar durante al menos una hora de los días de The Beatles y después se regresó a trabajar y eso se repitió durante el día. Lo que había sucedido estaba en su mente, estaba en shock. Obviamente, todos los estábamos, toma un tiempo aceptar lo que pasó.

Tere Chacón: ¿Lo vio llorar?

Geoff Emerick: No en el estudio pero probablemente lloró en su casa, no lo se.

Tere Chacón: Su libro dice que para usted la música es como pintar un cuadro con sonidos.

Geoff Emerick: Así es.

Tere Chacón: ¿Usted asocia colores con sonidos?

Geoff Emerick: Sí, porque lo que pasa es un tipo de proceso de trabajo. Es porque estás con la orquesta o con la banda o con quien esté ensayando en el estudio y caminas, lo escuchas y después algo llama tu atención y eso se vuelve el color dominante. Y entonces construyes tu mezcla o tu cuadro en tu mente basado en ese color o en ese instrumento. Y así se mezcla el todo, ves los amarillos y los rojos y ubicas si son más fuertes o más dulces y así sucesivamente. El resultado es que ves ese cuadro que, obviamente, es un cuadro abstracto.

Howard Massey: Creo que esto es muy interesante. Lo que Geoff está describiendo se llama sinestesia en donde los sentidos cruzan sus límites. Hay personas que huelen algo e inmediatamente ven una imagen o escuchan un sonido y la sinestesia particular de Geoff es que escucha algo y, enseguida, ve un color; asocia sonidos con colores. Muy pocas personas cuentan con esta habilidad, menos del 1% pero pienso que en el caso de los ingenieros de sonido, el porcentaje sería de 10% así que creo que esto es algo con lo que se nace.

Geoff Emerick: Y esto es lo que estoy intentando enseñar a las nuevas generaciones, el asociar un brochazo individual para esa imagen, pintar por números y convertirlo en algo único. Todos están haciendo el mismo sonido; cada disco suena igual; ya no hay brochazos individuales debido a los métodos actuales de trabajo.

Tere Chacón: En su libro usted también dijo: “Un estudio de grabación es otro instrumento más para el ingeniero de sonido” y eso entonces lo convierte en un artista también.

Geoff Emerick: Sí, es totalmente artístico, yo no soy un técnico, lo que hago es puramente artístico; no tiene nada que ver con la tecnología. Cuando inició la tecnología moderna, todo lo que yo podía pensar era mezclar estas tonalidades, no quería ninguna distracción que viniera de teclas de manejo de volumen, botones y números… sólo me distraían. Eso se lo dejo a mi segundo ingeniero, yo ni pienso en eso. Así es para mí.

Tere Chacón: Los músicos indios trabajan sin partituras.

Geoff Emerick: La canción Within You Without You fue nuestra primera experiencia trabajando con músicos de la India.

Tere Chacón: ¿Fue diferente debido a que trabajan sin partituras?

Geoff Emerick: Su ritmo musical se basa en 16 tiempos. Lo que pasó en Within You Without You fue que había un intervalo después de la sección del solo y cuando trabajamos en ella, ese intervalo de 16 tiempos lo sentimos demasiado extenso así que le cortamos un poco, un par de tiempos o uno solo. Y cuando los músicos indios intentaron tocar Within You Without You, cuando llegaron a ese punto nunca se dieron cuenta de lo que habíamos hecho. Aparentemente es insultante para ellos el interferir con esos 16 tiempos y yo no lo sabía sino hasta recientemente pero sí, es divertido trabajar con músicos indios.

Julio César Jiménez: ¿Había problemas con Yoko Ono porque siempre estaba en el estudio? ¿Le molestaba a usted?

Geoff Emerick: A mí no de manera personal, se que a ella le asignan mucha culpa de la separación pero ésta fue básicamente por el hecho de que había ya muchos problemas con la situación de la compañía. Había problemas, problemas tremendos y, al menos desde mi punto de vista, su presencia no hacía diferencia alguna, ella realmente era como un mueble… (espacio en donde hubo risas). No, digo, no es un insulto, ella sólo era parte de lo que nos rodeaba. Sin embargo, sí era molesto para los miembros restantes de la banda tenerla en el estudio mientras ellos intentaban grabar.

Tere Chacón: Entiendo que John fue el que lo retó a usted para que desarrollara sonidos diferentes y que Paul era el que más conocimientos musicales tenía…

Geoff Emerick: Sí, Paul era el músico entre músicos y siempre buscaba obtener el 101% de todo mientras John se detenía en el 95%. Porque todas esas canciones originales, que son buenas al 99%, son tomas completas. Si el grupo se equivocaba dos compases antes del final no poníamos parches sino que regresábamos y volvíamos a grabar desde el principio hasta que saliera perfecto en una sola toma y eso era el anhelo de Paul y lo que siempre buscaba. Sin embargo, John decía algo así como “déjenlo como está”. Así que Paul era la fuerza musical que estaba detrás de la banda.

Tere Chacón: ¿Cómo fue trabajar con George y Ringo?

Geoff Emerick: Ringo era el baterista más increíble porque era el ritmo de esas canciones. Y frecuentemente terminábamos las sesiones a la mitad de la noche y el suelo alrededor de su batería estaba lleno de astillas de madera de sus baquetas porque había estado tocando durante 5 ó 6 horas de manera ininterrumpida… Bueno, tal vez exageré pero al menos eran 4 ó 5 horas. Y el final de cada sesión venía cuando Ringo se paraba, se ponía su abrigo y se empezaba a ir. Ese era el final de la sesión, no se podía ni negociar porque él ya no podía más.

George luchó mucho. Desde el álbum Revolver empezó a progresar. En ese entonces estábamos ya todos en las grabaciones al revés y solos de guitarra más complicados y a George le tomó tiempo sacar adelante eso. Necesitaba algún tipo de salida para lo que se convirtió en un trabajo demasiado pesado para él y de ahí surgió su interés en la música india. Lo que terminó pasando es que se convirtió en un gran artista de la música india, un gran compositor después y, a la larga, un guitarrista increíble. Pero George sabía lo que quería, obviamente. Le tomó un poco de tiempo desarrollar el talento que necesitaba para construir lo que hizo y era joven; era el más joven.

Tere Chacón: ¿Cuál sería un buen mensaje suyo para las nuevas generaciones?

Geoff Emerick: Que usen los oídos y no los ojos y eso es lo que están haciendo en la situación actual: no están escuchando música sino viendo una pantalla. Se que no todos lo hacen pero a la mayoría es así como se les enseñó, así es como piensan que se puede hacer música. Digo, sí se puede hacer música así pero cuando tratas de hacer algo diferente y trascendente no es así como se hace…

Tere Chacón: En su libro usted dice que la música de The Beatles tiene personalidad porque si cometían un error lo dejaban para que sonara con carácter.

Geoff Emerick: Si había un error, construíamos alrededor de éste a veces. Si había un error, no notas sueltas sino un cambio de ritmo sabíamos que a ellos les podía gustar y trabajamos en ese cambio.

Tere Chacón: ¿Disfrutan ambos dar estas conferencias?

Geoff Emerick: Es bueno porque me permite conocer todo tipo de personas y especialmente yo disfruto dar conferencias en México porque aquí hay mucha energía que no veo en los Estados Unidos.

Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

Mi encuentro con Tony Sheridan aquel 2006

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Cualquier documental o biografía de Los Beatles, ya sea en video  o por escrito, menciona a Tony Sheridan como parte fundamental  de la primera etapa de la banda, con quienes grabó algunos temas además  de tocar con ellos en el Top Ten en Hamburgo, Alemania, e incluso él  mismo contaba que en  alguna ocasión lo invitaron a forma parte de la agrupación a lo que declinó  porque siempre se vio como solista.

Sus biógrafos dicen que nació en Inglaterra, Tony Sheridan creció en una casa fuertemente influenciada por la música clásica, aprendió a tocar el violín a una temprana edad. Dejó su escuela de gramática para estudiar artes y cambió su violín por una guitarra. En 1956 formó su primer grupo, visitando Londres a finales de 1957 y finalmente se mudó a Soho en 1958,  después de eso se convirtió en músico de sesión acompañando a artistas como Conway Twitty, Gene Vincent y Eddie Cochran, en 1958 tocó la guitarra solista con los Vince Taylor´s Playboys.

En junio de 1960, Tony and the Jets fueron a Hamburgo, para presentarse en el “Kaiserkeller”. Poco tiempo después Sheridan empezó a presentarse en el Top Ten Club. Aquí él estaba acompañado por varios grupos como Gerry & the Pacemakers y Los Beatles con los que vivió un rato, tiempo en el que Paul, John y George aprendieron mucho, por eso nombraron a Tony Sheridan “Teacher”; en principio, tuvieron que alterar su nombre,  en alemán, Beatles se pronuncia casi igual que la palabra que alude al órgano sexual masculino, por esto, el grupo de Lennon, McCartney, Harrison y  todavía Pete Best, fueron conocidos como The Beat Brothers.

Invitado por el productor Bert Kaempfert al estudio, Tony Sheridan y The Beatles grabaron algunas canciones para Polydor, después de esto Tony Sheridan grabó más canciones para Polydor y aceptó una gira por Australia, a mediados de los sesenta, su estilo musical sufrió una transformación abrupta, se alejó del rock and roll y llegó un blues o el jazz más orientado.

 

A pesar de que estas grabaciones fueron elogiadas por algunos, muchos fans de sus primeros trabajos se sintieron decepcionados. Este cambio se hizo evidente en su álbum de 1964 Just A Little Bit Of Tony Sheridan en donde se muestra un estilo parecido al jazz en lugar de rock. Tony Sheridan vivía  en Seestermühe, un pueblo al norte de Hamburgo, además de la música, estaba interesado en la heráldica y en el diseño de escudos, Tony Sheridan, el músico que a principios de la década de los 60 compartió escenario y estudios de grabación con  los Beatles murió en Hamburgo a los 72 años. Su familia ha informado  que Sheridan falleció el sábado 16 de Febrero de 2013 tras una larga enfermedad.

-El encuentro en  “BeatleFest” en la ciudad de Monterrey

 

Era el año 2006  cuando  tenía mi programa de radio  y televisión “ La Caverna” en Stereo Lobo y TV Lobo  cuando me llegó  la invitación para asistir al “BeatleFest” en la ciudad de Monterrey por parte de los buenos amigos admirados y respetados  beatlemanos  Humberto Sánchez y   Rolando Escamilla, en donde tendrían como plato  fuerte la presencia de Tony Sheridan,  arribé  a la ciudad  de Monterrey el 23 de septiembre de ese mismo año y después de establecerme en el hotel me fui rumbo al Parque  Fundidora, donde la fiesta comenzaba desde la entrada con mantas,  figuras de Los Beatles sentadas en las bancas y John , Paul, George y Ringo,  hechos botarga me saludaban, más adentro los expositores y  grupos musicales ambientaban la ocasión.

 

Los minutos avanzaban y  la emoción por ver cantar a Sheridan se acrecentaba,  pude disfrutar de la música  de grupos de gran fama como “Los Reno”  quienes interpretaron música de Los Beatles, de su estepa inicial, en covers al español y así luego de varias horas por fin se anunciaba la llegada de Tony Sheridan al Centro de las Artes  en las inmediaciones del Parque Fundidora,  gracias a mis buenos amigos Rolando y Humberto  tuve la fortuna  de estar  atrás del escenario de donde Tony Sheridan iba ofrecer su concierto.

 

Lo vi a pasar cerca de mí con su guitarra mientras se alistaba para salir al escenario acompañado de la banda  “Yellow Sub Band”,  (excelente banda norteña que siento no ha sido valorada como se merece y que acompañó a Tony en su concierto…no cualquiera) yo  traía mi cámara para grabar el concierto y me coloqué  justo  del lado derecho ; había una persona que cuidaba esa parte del escenario  y de repente se dejaron venir más  personas  con cámaras, el cuidador  les dijo que no podían estar de ese lado, yo empecé  desmontar mi cámara y el señor muy amable me dijo “usted se puede quedar” , a lo que le agradecí  enormemente, así que tomas de ese concierto y de ese ángulo puedo presumir que solo las tengo yo.

 

Al término de su concierto  y gracias al apoyo de los organizadores pude estar con Sheridan unos minutos, me presentaron mientras le decían  yo  que venía de Durango y que tenía (en ese entonces)  un programa de radio y televisión  llamado “La Caverna”… ¡“Oh Caverna, Very  good”!  exclamó mientras  me autografiaba un LP  y me tomaba una foto con él, Tony sonreía  y como todo músico bebía cerveza, recuerdo, estaba feliz por el aprecio y cariño de sus fans mexicanos.

 

 

Licenciado en comunicación con maestría en televisión educativa y duranguense de nacimiento, Geraldo Rosales ha sido creador de los programas de Radio como “Viaje Mágico y Misterioso” y “La Caverna de Liverpool”, se desempeñó por más de 11 años en el periódico Contexto de Durango como jefe de la sección de cultura y espectáculos .Actualmente imparte conferencias con temática de los Beatles y es el conductor del programa “El submarino Amarillo” que se transmite por TV UJED.

El cielo está llorando

S.R.V 1954-1983

 

Algo tiene esa tierra fértil de donde han surgido los exponentes de blues más trepidantes y creativos del género: Blind Lemon Jefferson,  Albert Collins, Lightnin’ Hopkins, la inolvidable Big Mama Thornton, Johnny Winter, Albert King, Freddie King; por citar algunas figuras trascendentales. Algo tiene esa zona para producir estrellas del calibre de Stevie Ray Vaughan.

 

De la tierra de bluesmen, Texas; adolescente blanco quien inspirado por su hermano Jimmie, a los 16 años comenzó a rolar por los antros locales de su ciudad, acompañado de su guitarra y sorprendiendo a todo el que le escuchaba. Ese mismo muchacho blanco jamás se imaginó que revitalizaría el género musical nacido de los campos de algodón, siguiendo los pasos del maestro albino Johnny Winter, otro paisano que abrió las puertas a los guitarrista blancos. No imaginó tampoco que un día Eric Clapton le cedería su lugar reservado en un helicóptero y, que debido a eso encontraría la muerte.

Stevie fue un superdotado. Las rondas nocturnas en bares lo tenían cabeceando de día y no le quedó otro camino más que abandonar la escuela. En 1970 participó en su primera grabación con el grupo A Cast of Thousands.

En 1978 surge Double Trouble grupo legendario, con Stevie a la cabeza.

El gran mérito de S.R.V fue el acercar el blues a una nueva generación, a una nueva audiencia. Arropado por Chris Layton (percusiones), Tommy Shannon (bajo), y eventualmente Reese Wynans (en los teclados), el grupo comenzó a despegar meteóricamente. El grupo comenzó a abrir el espectáculo para Muddy Waters y otras personalidades del blues.

 

” Aunque Stevie puede ser el guitarrista más grande que haya existido, no llegará a los cuarenta años si no deja ese polvo blanco”. Muddy Waters.

La participación en el festival de Montreux del 82 fue una plataforma estupenda para su música; todo el mundo volteó a ver al chico blanco tejano que incendió el escenario con su guitarra. El reconocido productor John H. Hammond  ayuda al grupo a conseguir su primer contrato de grabación. Su fama comenzó a crecer y la figura de Stevie como un guitarrista superdotado que en el escenario liberaba toda su energía, corrió como la pólvora.

En 1983 David Bowie siempre ávido de enrolar en sus filas talento extraordinario, lo llamó para tocar en el álbum Let´s Dance. Los solos de S.R.V. en Cat People, China Girl y obviamente la canción que dio título al disco, son espectaculares. El guitarrista de Texas estaría un año en tour con el duque blanco, sin embargo también estaba la víspera del lanzamiento de Texas Flood. La cosa terminaría muy bien para Stevie, ya que alcanzaría la libertad no sin antes ser lanzado del autobús de la gira de Bowie. Sus cosas quedaron en la carretera y Stevie sentiría el olor de la libertad. En el disco pirata Dallas Moonlight, podemos escuchar en vivo el poderoso sonido de Stevie en la obra de Bowie. Un disco fenomenal.

” A decir verdad no estaba muy familiarizado con la música de David Bowie cuando me pidió tocar en las sesiones…..platicamos por horas acerca de las raíces del blues de Texas…me sorprendió lo interesado que estaba”.

S.R.V.

La música de S.R.V comienza a inundar Texas y el mundo. La primera grabación vende 100 mil unidades en Francia y Canadá. Se convierte en doble platino en Estados Unidos. Comenzó así la legión de fieles seguidores.

Después llega Couldn’t Stand The Weather (1984), obra de factura impresionante. Stevie rinde homenaje a sus guitarristas preferidos; versiona piezas de Hendrix y Freddie King. Su versión de Hide Away tiene sabor tejano con cambios rítmicos interesantes, haciendo una versión única.

Soul to Soul como su nombre indica, tiene un toque más soul y rockabilly sin dejar la bandera del blues. Es sorprendente la voz de Stevie. Las composiciones propias lo consolidan como compositor.

In Step encierra en su título el mensaje de une Stevie que está sobrio y de pie después de luchar contra las adicciones. Con este álbum gana un Grammy.

The Sky Is Crying muestra muchas de las influencias en el estilo del músico tejano. Es la última grabación en estudio de Stevie. La versión de Little Wing, del clásico de Hendrix es formidable.

 

Como parte de su recuperación a las adicciones, Stevie Ray Vaughan comenzó a leer algunos libros para niños y adolescentes. Estuvo muy ocupado en su infancia y adolescencia en ser un guitarrista por lo que perdió gran parte de su vida”. (*)

 

El 25 y 26 de Agosto de 1990, Vaughan y Double Trouble tocaron junto a Clapton en el Teatro de Música Alpine Valley en Wisconsin. También cerraron el acto Jimmie Vaughan, Buddy Guy y Robert Cray. Al acabar el acto, Stevie Ray Vaughan se subió a un helicóptero cuyo asiento estaba apartado por el manager de Eric Clapton, este le cedió su lugar. La densa niebla y el mal clima contribuyeron al desplome de la nave que chocó primero con una saliente. Stevie murió inmediatamente. A Clapton y a Jimmie Vaughan les tocó la penosa tarea de reconocer el cuerpo de S.R.V.

Un día antes del accidente Stevie contó a sus asistentes que había soñado con su propia muerte, y que aparecía rodeado por gran cantidad de personas vestidas de luto. Las fuerzas de la naturaleza que derribaron la nave regresaron por un músico que era precisamente eso: una poderosa fuerza de la naturaleza en la guitarra eléctrica. INOLVIDABLE.

 

 

 

 

(*)Entrevista con S.R.V publicada en The Dallas Morning News en junio 6, de 1990, por Diane Jennings.

 

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

Un tiburón urbano y tropical

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Noches de luna en Xalapa.

“Apenas comenzábamos a hablar y ya trabajábamos, vendí dulces, chicles, pan; también trabajé en el campo, luego fui obrero textil, entre otros muchos trabajos”. Mike Laure.

A inicios de los sesenta su música fue el emblema de un México que se urbanizaba rápidamente y accedía al desarrollo, pero que aún tenía nostalgia por la costa y las palmeras. Su música es urbana pero al mismo tiempo es tremendamente tropical.

Él comenzó tocando rock pero la vida lo llevó a internarse en la música costeña.

Aquí algunos de los logros de este singular músico mexicano:

76 Álbumes

102 Éxitos

Reconocido a nivel continental.

 

 

Amaba el rock, particularmente a Bill Haley and his Comets, por eso empuñó la guitarra como su ídolo y le robó el nombre de sus acompañantes; se llamaría Mike Laure y sus Cometas. Tomó una canción de Fats Domino: Ain´t it a Shame, una pieza fundamental del rock, y la convirtió en el Estudiante del Rock, -con una letra inenarrable- alcanzando un relativo éxito. Debutó el 3 de septiembre de 1957 en Chapala. Su popularidad en Jalisco fue gigante. Después, el estrellato.

 

En el país reinaban los boleros, las rancheras, danzón, cha·cha·chá, guarachas, sones, mambo, cumbias, rock incipiente y demás.

Mike Laure creó una amalgama musical inédita. Su novedoso estilo incorporó el rock, con guaracha, cumbia y más sonidos caribeños. Una mezcla improbable, pero funcional. Saxos, guitarras eléctricas, tumbadora, batería, trompeta, bajo, acordeón, teclados, coro femenino y una voz realmente sabrosa en cuyo eco, los boleros mexicanos tomaron nuevas dimensiones. Por si fuese poco, su música es bailable y rítmica. Él es el padre de la cumbia a la mexicana.

 

Dame un beso una versión de la clásica de Buddy Holly, Love is Strange, dio paso a Tiburón a la Vista, La Rajita de Canela, Tabaco Mascao, No Lores, Quiero Amanecer, Cero 39, Cumbia Buena, Mazatlán…y muchos boleros del cancionero nacional que en sus manos tomaron otra dimensión. Infortunadamente el estilo que amalgamó no fue seguido por otros exponentes quienes se quedaron con la cumbia fácil, repetitiva pero altamente comercializable.

 

A casi 20 años de su muerte, en El Círculo Beatle recordamos a este músico mexicano innovador y de gran arraigo popular.

Dedicada para la hermanita de Patricia. A bailar se ha dicho…..

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

Respeto a la Reina

La niña que se negaba a volar

 

Detroit, la tierra de los motores es también la tierra donde ha rugido la música por muchos años. La ciudad de las armadoras fue la cuna donde se armó el sonido Motown, todo un movimiento con el que el soul conquistó el mundo. Detroit vio crecer a la niña Aretha, -quien realmente nació en Tennessee-, y la vio triunfar. Hija de un predicador, la niña mostró sus increíbles dotes desde temprana edad.

 

La reina del soul sería a la postre una de las personalidades de raza negra más influyentes de la historia del soul. Siempre luchó a favor de los derechos raciales; siempre en pro del feminismo. A los catorce años hizo su primera grabación y concibió su primer retoño. Quizás ya se imaginaba esta pequeña que ganaría 18 reconocimientos Grammy. También se imaginó, estoy seguro, que sería la primer mujer en entrar al salón de la fama del rock, porque ella sabía lo que quería desde pequeña. De más grande firmó con el sello Columbia para grabar nueve discos, pero su consagración llega en el sello Atlantic y en el 67 graba el potente I’ve never loved a man, que la catapulta internacionalmente. Respect escrita por Otis Redding se convierte inmediatamente en su himno.

Lo que deseas nene, lo tengo.

Lo que necesitas, tú sabes que lo tengo.

Todo lo que te pido

es un poco de respeto cuando llegues a casa

Estoy a punto de darte todo mi dinero,

y todo lo que te pido a cambio, cariño

es que me respetes.

RESPECT!

Después siguieron Aretha Arrives, Take a Look, Lady Soul y Aretha Now, estos dos últimos con certificación de discos de oro en Estados Unidos. Young, Gifted and Black de 1972, Sparkle de 1975, Jump to It de 1982, Who Is Zooming Who de 1985, Aretha del 86 y A Rose Is Still A Rose del 98, todos también de oro; este fue el nivel de la Reina del Soul. Su carrera fue de más de cuarenta discos.

 

En enero de este año la Reina anunció que ya había elegido a la actriz Jennifer Hudson para protagonizar la serie biográfica de su vida.

Es inconmensurable  la influencia estilística de Aretha en la mayoría de las cantantes de los últimos cincuenta años.

La explosión de su voz quedará resonando en muchísimos corazones. La reina que se negaba a tomar un avión, ya ha despegado.

Descanse en paz.

En 2015 nos dio una muestra de cómo debe cantarse en directo y nos enseñó que la pasión nos lleva a hacer cosas extraordinarias.

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

Esquivel, el cerebro que se nos fugó

Su música pinta un futuro espacial, romántico y relajado; su universo es ingenuo pero al mismo tiempo exótico. Esquivel captura el espíritu de la primera época de la televisión. ECB

Es como escuchar un disco de Duke Ellington, pero desde un estado alterado. Anónimo.

El space-age-pop del genio de Tampico.

Su música no puede ser más ecléctica: tambores extraños y harpas, platillos chinos, teclados Fender Rhodes-que apenas se implementaban en esa época-; sonidos de Theremin, coros con vocalizaciones tipo “scat”, (con sonidos articulados que a mí me refieren inmediatamenta a los cómics), música de las grandes bandas, marimbas eléctricas, mariachi, ritmos latinos, efectos de sonido propios de comerciales de radio de los cincuenta; sonidos futuristas, y un amplio uso de la estereofonía. (En algunos casos llegó a grabar con dos orquestas, una por canal).

Oriundo de Tampico (1918), este gran mexicano a los diez años ya tocaba el piano de manera sorprendente. Fue entonces cuando sus padres lo traen a la capital. Estudió ingeniería en el Instituto Politécnico Nacional. Nunca estudió música, siempre fue autodidacta, -aunque por ahí un historiador de su obra afirma que sí estudió en el conservatorio-.

A los 16 años ya tenía su propia orquesta en la afamada XEW donde acompañaba a los grandes artistas de la época y también hacía la música en vivo para los comerciales de ese entonces. Compuso y acompañó para los grandes de la época como Pedro Vargas, Silvia Pinal (su musa en los inicios), María Victoria y muchos artistas más.

En 1956 hace la música para la película La locura del rock’n roll en la que también actúa.

En 1959 la firma RCA Victor se lo llevó a estados unidos como director musical. También se sabe que firmó un contrato millonario para tocar seis meses con su maravillosa orquesta en el conocido hotel Stardust, de la unión americana. Muchos recuerdan que llegaba a Las Vegas en su Cadillac rojo. Esquivel tuvo grandes amigos en esa época; uno de ellos y su principal fan: Frank Sinatra. Otras personalidades que asistieron a sus conciertos fueron Disney y Hitchcock.

 

En los estudios de grabación de RCA, se dice que llegó con los arreglos y partituras tan perfectas, que la sesión de grabación para su primer disco duró muy poco. Sorprendió a los músicos y directivos por sus capacidades fuera de serie.

Es precisamente con este disco, Other Worlds, Other Sounds que alcanzó la fama definitiva en Estados Unidos y en el mundo. Después llegaron Exploring New Sounds in Hi-Fi, Strings Aflame y Latin-Esque. Ya en la disquera de Sinatra graba More of Other Worlds and Other Sounds. Tiempo después lo llaman de Universal.

Aquí algunos de los admiradores de Esquivel: The Kronos Quartet, Henri Mancini, John Zorn, Fred Schneider (de los B-52’s), Combustable Edison y Tarantino, Steven Brown de Tuxedomoon entre otros. Siempre he pensado que su música es de las primeras manifestaciones biculturales entre México y el país del norte. Es la fusión perfecta entre el mood de las orquestas gringas, con los sonidos latinos, más un toque futurista propio de la era espacial.

Con su composición titulada Mini Skirt, Esquivel llega al punto más alto de su obra: él hasta la fecha es el padrino de la música Lounge, a nivel mundial. Su música ha sido resampleada por muchos músicos contemporáneos, en varios soundtracks y en dibujos animados de todas las épocas. En muchas series de televisión se ha usado su música de manera circunstancial. Subrayo esto porque en internet se habla que compuso los temas de los Picapiedra y la Familia Monster, lo cual es falso. Su arte va mucho más allá que eso. Recientemente en la serie Better Call Saul, fondean con su música. Four Rooms, y The Big Lebowsky, son solo dos ejemplos importantes de películas donde aparece su estilo único.

Cuando regresa a México graba el tema Burbujas (1979), para el programa infantil de Odisea Burbujas, que increíblemente tuvo muy buenas ventas.

Muere en nuestro país en el 2002, después de estar postrado debido a un accidente.

Su trabajo mereció la nominación a seis premios Grammy.

 

Screenshot tomado del documental producido por canal once hace algunos años.

Larga vida al Maestro del Lounge. Una muestra más de los cerebros que se fugan de nuestro país.

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

El carnicero, el bife y Sir Paul

Argentina, año 2015: Pablo Arana, un cordobés que hoy tiene 38 años, abrió su negocio de carnicería entre las calles de Hipólito Yrigoyen y Alvear. Después de una reunión familiar donde se barajaron varios nombres para el negocio cárnico, Pablo llegó a un nombre muy particular.

«Estábamos buscando uno con gancho y salió así. Dijimos: Paul es vegetariano… pero ni se va a enterar», Pablo Arana, dueño de la hoy, célebre carnicería.

El nombre es ingenioso y no tiene nada que ver con los hábitos alimenticios de Paul…

Paul Mac Carne

Un amigo de Paul le mandó la foto del negocio lo que causó empatía en el músico. Como era de esperarse la foto del negocio se hizo viral en ese año.

«La gente viene al negocio, toman fotos del nombre y compran ». Pablo Arana.

Cuando en 1966 se lanzó el disco “The Beatles Yesterday and Today” en estados unidos, Paul McCartney jamás se imaginó tres cosas que iban a suceder: que la portada sería prohibida; que casi diez años después se convertiría en vegetariano y que paradójicamente una carnicería llevaría su nombre.

Paul es vegetariano desde 1975 y no se cansa de propagar su decisión. Célebres son su campañas para PETA (Gente pro el tratamiento ético a los animales). Su campaña de Glass Walls generó un impacto tremendo en los medios. Contiene escenas muy fuertes del maltrato animal en las granjas.

https://www.youtube.com/watch?v=ql8xkSYvwJs

El más reciente esfuerzo de Paul es la campaña “Un día sin comer productos animales”.

“Me gusta comer carne, pero mucho más me gusta nuestro planeta, por lo que me uniré a esta campaña y dejaré de comer carne al menos un día a la semana”.

Richard Branson.

“Así como lo mejor de la música tiene nombre, la carne también”.

“Si el verdadero Paul come nuestra carne, seguro deja el veganismo”, Pablo Arana.

Datos más allá del bistec en chile pasilla:

La cantidad de agua y de energía necesarias para producir un kilogramo de carne son disparatadas. Hasta 2,500 galones de agua para una libra de carne de primera. (De acuerdo a Earth Day Network). Lo cierto es que un día sin carne, no es tan mala idea sobre todo si tomamos en cuenta los beneficios al medio ambiente y a nuestro bolsillo.

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

Cinco canciones de José Alfredo Jiménez en películas de Pedro Infante.

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Cuando hablamos de las películas de Pedro Infante tenemos que mencionar, sin duda alguna, la calidad y el éxito que en su momento alcanzaron en México y en algunos países de Centro y Sudamérica, éxito que aún siguen vigente en la actualidad. Los filmes del sinaloense van de un género a otro, pueden ser melodramas, tragicomedias y comedias en donde se demuestra el carisma y lo buen actor que resultaba ser el cantante. Pero además sus películas eran un excelente vehículo para promover sus canciones las cuales aún a la fecha muchos seguimos recordando y cantando.

Por alguna razón, la cual se tiene que estudiar a fondo, dentro de la llamada Época de Oro del Cine Mexicano, en la mayoría de las obras fílmicas los protagonistas muchas veces sin motivo alguno, dentro de la ficción, siempre encontraban un motivo para deleitarnos con su voz. Cabe destacar que a estas películas no podemos clasificarlas dentro del género musical porque no lo son. Simplemente el personaje se encontraba de manera fortuita con una guitarra, un mariachi o una orquesta y se ponía a cantar sin que ello afectara a la trama. De ahí que muchos intérpretes de música ranchera (y de otros estilos musicales) fueran las estrellas de dichas cintas. Nombres como el de Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís, Pedro Vargas y Lola Beltrán, entre muchos otros, llegaron a convertirse en figuras que atraían al público a las salas de exhibición.

En el caso de Pedro Infante, la mayoría de sus películas poseen momentos que se han convertido en objeto culto. Recordemos aquella escena de la cinta Ustedes los Ricos (Rodríguez, 1948) en donde el personaje de Pepe el Toro llora a su pequeño hijo que ha muerto a consecuencia de un incendio, provocado por una venganza. Pero así como existen estos momentos melodramáticos, también están esos que son plenamente musicales los cuales forman parte del folclore nacional y de muchas de nuestras referencias culturales.

Pedro Infante, dentro de su carrera musical, interpretó temas de compositores importantes tales como Chucho Monge, Cuco Sánchez, Tomás Méndez y Rubén Fuentes por mencionar algunos. Pero al hablar de todos estos autores a los que Infante les dio su voz, no podemos dejar pasar a José Alfredo Jiménez, un prolífico compositor y cantante, nacido en Dolores Hidalgo, Guanajuato, que se volvió una figura de la música tradicional mexicana y por supuesto también del séptimo arte, con temas famosos que en muchos casos hablan y  representan la idiosincrasia del mexicano. Pedro Infante fue interprete de varias de sus canciones las cuales también formaron parte de varios momentos musicales dentro de su filmografía y de ellos sólo tomaremos algunos ejemplos.

PALOMA QUERIDA.

Ahí Viene Martín Corona es una película dirigida por Miguel Zacarías, con fotografía de Gabriel Figueroa y exhibida en el año de 1952, la cual está basada en una radio serie que fue muy exitosa por aquella época. La cinta trata acerca de un joven temerario, de nombre Martín Corona (Pedro Infante) que es acompañado de su fiel “escudero” Piporro (Eulalio González) los cuales se encargan de ajusticiar a los malandrines del pueblo y sus alrededores por lo que son una especie de héroes locales. Un buen día llega una mujer procedente de España llamada Rosario Medina (Sara Montiel) a recibir una herencia de un tío fallecido y obviamente el personaje principal se enamorará de ella por lo que pasaran un sinfín de aventuras.

En un momento dentro del filme, unos caballeros apelan a la buena voz de Martín Corona y le recuerdan la promesa que hizo de llevarle serenata a unas damas, el personaje se niega pero al final acaba por llevarles gallo. Cabe destacar que entre el grupo que acompaña a Pedro Infante se encuentra el mismísimo autor de Paloma Querida, José Alfredo Jiménez; también hay que mencionar que él es quien escribió y cantó, dentro de la película, el tema Del Mero Norte corrido a Martín Corona.

ELLA.

El Gavilán Pollero dirigida por Rogelio A. González, con fotografía de Gabriel Figueroa del año 1951, nos presenta a una pareja de ladrones y estafadores que van de pueblo en pueblo cometiendo fechorías. José Inocencio (Pedro Infante) y Antonia (Lilia Prado) alias La Gela, un buen día debido a las constantes infidelidades por parte de él, ella decide vengarse y abandonarlo a su suerte. Al ir a buscarla se encontrará en su camino a otro pillo sinvergüenza, Luis Lepe (Antonio Badú), nacerá una amistad entre ellos y juntos viajaran a la Ciudad de México en busca de La Gela.

En esta comedia podemos ver el contraste entre la vida de la provincia y la de la ciudad, además del triangulo amoroso que se presentará. Hacía la parte final de la película observamos al personaje de Pedro Infante en una cantina, triste y borracho por la decepción de no poder  recuperar a su mujer (me cansé de rogarle, me cansé de decirle que yo sin ella de pena muero), pero veremos que la amistad con el personaje de Antonio Badú se mantendrá firme y todo ello acompañado con la canción Ella de José Alfredo Jiménez.

CAMINO DE GUANAJUATO.

Con la película La Vida No Vale Nada de 1955, dirigida por Rogelio A. González, Pedro Infante ganó un premio Ariel como mejor actor. En esta obra el cantante interpreta el papel de Pablo, un hombre que viaja de un lugar a otro huyendo de la responsabilidad. Un personaje borrachín que se niega a madurar y no soporta el que su vida vaya bien en algún momento. Al principio lo veremos tratando de estabilizare con una guapa viuda citadina (Rosario Granados) a la cual abandonará. Llegará a un poblado en donde conocerá a una prostituta (Magda Guzmán) a quien le promete sacarla de esa vida (y decepcionará también) por lo que retomará su antiguo trabajo de panadero. Regresará a su pueblo natal en donde su madre vive en la miseria y viajará a buscar a su adultero padre (Domingo Soler) quien se ha mudado a la costa con una joven mujer (Lilia Prado), sin faltar la tensión sexual que se presentará entre Infante y Prado.

El personaje de Pablo se emborracha (una vez más) en una cantina para buscar olvidar el acoso del cual ha sido victima por parte de la amante de su papá y canta Camino de Guanajuato, previo al desenlace de este culebrón melodramático.

SERENATA HUASTECA.

Cuidado con el Amor es una divertida comedia dirigida por Miguel Zacarías del año 1954. Aquí Pedro Infante interpreta a Salvador Allende un joven que decide irse de su  pueblo para buscar fortuna y diversión por lo que su padre le recomienda que encuentre a dos muchachos llamados Felipe Ochoa (Eulalio González “Piporro”) y Serafín Estrada (Oscar Pulido) para acompañarlo en sus andanzas. El trío pasará varias aventuras al buscar un tesoro en una casa de la que es propietaria la guapa Ana María (Elsa Aguirre) de quien se enamorará el personaje principal.

Serenata Huasteca de José Alfredo Jiménez se hace presente durante la escena de la kermés pueblerina en la cual Pedro Infante buscará darle picones (celos) a Elsa Aguirre que quiere comprometerse con un viejo médico. Una escena llena de festividad sin duda alguna.

UN DÍA NUBLADO.

Cuando una película tiene un éxito avasallador se filma su secuela, en el caso de las obras de Pedro Infante varías de sus películas tienen su segunda parte y hasta su tercera como en el caso de Pepe El Toro (Rodríguez, 1953).

El Enamorado (1952), es la continuación de Ahí Viene Martín Corona, con Miguel Zacarías nuevamente como director. En esta nueva historia Martín Corona (Pedro Infante) está casado con Rosario (Sara Montiel) a quien ha prometido ya no poner su vida en peligro y más cuando ellos tienen gemelos. En un escena a Rosario la invaden los celos hacia su esposo por ser el objeto del deseo y admiración de varias jóvenes mujeres (en donde podemos ver a Irma Dorantes entre ellas) que están presentes en una fiesta. La pareja pelea y Martín con una copas de más le lleva serenata para reconciliarse. En esta escena Pedro Infante canta dos temas, el segundo de ellos es Un Día Nublado de José Alfredo Jiménez (Ya mis canciones no son alegres, ya mis canciones tristeza son). Y con semejante canción la pareja termina nuevamente junta

Y como estos momentos musicales existen muchos mas en las películas de Pedro Infante, con canciones de otros autores, los cuales seguirán estando en nuestros recuerdos y gustos musicales.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Se vale mezclar

Mezcla de razas, una mezcla musical.

El amor no sabe de colores. Los Blaxicans-como les llaman en la ciudad de Los Ángeles a los hijos de negros con mexicanos-, demuestran que a las fronteras geográficas no las respeta el corazón.

En 1958, Mildred y Richard despuntaron como la primer pareja interracial en contraer matrimonio en la Unión Americana. Fueron condenados a un año de cárcel debido a las leyes antimestizaje del país del norte. Dos años después Sammy Davies Jr. y la actriz rubia May Britt, también se casaron y vivieron rodeados de desaires y comentarios racistas que afectaron su unión.

La disparidad de recursos económicos entre los países y los problemas políticos han generado el éxodo de millones de personas a nivel global. El ser humano a través de la historia ha demostrado fuerza de voluntad, al sobreponerse a circunstancias adversas. El supremacismo y sus ideólogos se han enfrentado a dos variantes tremendamente humanas: el amor y la atracción.

A continuación, les presento una breve lista de personajes destacados de la música, producto del encuentro de razas diferentes.

El insuperable Jimi Hendrix. Su madre Lucille Jeter fue afroamericana y su padre Al Hendrix, de sangre cherokee.
Slash, hijo de madre negra con un inglés.
Norah Jones, por cierto hija de Ravi Shankar con una mujer caucásica.

La extraordinaria cantante Etta James, fue hija de una afroamericana con un padre de tez blanca.

El inmenso Bob Marley. Su madre, Cedella Booker era afro-jamaicana y su padre, Norval Sinclair Marley, era caucásico-jamaicano con ascendencia inglesa y siria.

Sade: su madre Anne Hayes es británica caucásica y su padre, Adebisi Adu, nigeriano.
Lenny Kravitz es una mezcla de sangre africana, americana, rusa y judía.

Alicia Keys, sangre escocesa, italiana, irlandesa y afroamericana.

La talentosa y extrañada Amy Winehouse, hija de padres judíos con ancestros rusos y polacos.

Ben Harper, de madre judía y padre afroamericano.

 

La gran Ana Lila Downs Sánchez. De madre mixteca  y padre norteamericano.

 

La ideología de raza pura lleva inevitablemente a mecanismos de dominio, control económico y hasta exterminio, como las limpiezas étnicas.

Se nos olvida con facilidad lo que nos ha enseñado la historia; se nos olvida también que somos una especie única, dando vueltas en un planeta único en el espacio sideral.

Me despido con un verdadero himno atiracista; la clásica de Bob Marley: War.

(Fragmento)..hasta que dejen de existir
ciudadanos de primera y segunda clase
en una nación;
hasta que el color de la piel de un hombre
no tenga mayor relevancia que
el color de sus ojos; hasta que los derechos humanos básicos
sean garantizados por igual a todos,
sin excepción de razas,
hasta ese día,
el sueño de paz duradera,
la ciudadanía mundial y las leyes de la
moralidad internacional
seguirán siendo nada más que una ilusión
efímera para pedir, pero nunca obtener… habrá guerra…todo será guerra en todas partes….

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

La furia negra del funk

“James Brown en el Providence Civic Center. Fue el mejor concierto que había visto en la vida.”

David Byrne.

“Uno de los 100 artistas más influyentes de todos los tiempos”.

Revista Rolling Stone.

Con Brown, la música de raíces africanas llegó a su nivel más alto e importante.

ECB.

Cuando murió, “dejó 14 hijos, 16 nietos, 8 madres, muchas amantes, 13 abogados….y hasta una hermana-que no era precisamente su hermana-, pero que se hacía llamar la hermana espiritual del Soul.”

Sean Flynn, revista GQ.

“Su música funk es la representacion rítmica y bailable del acto sexual”.

 ECB.

Otra vez detenido. Esta vez el joven negro de 16 años pasaría tres años en prisión por robo a mano armada. Mientras lo transportaban en patrulla al penal, esposado y golpeado, pasaría por su mente el temprano abandono de su madre, las riñas callejeras, la segregación racial y la más fiel de sus compañeras: la miseria.

Nació en Carolina en 1933 pero creció en Augusta, Georgia.

James Brown, mientras lustraba zapatos frente a una estación de radio, jamás se imaginó que terminaría comprándola. Jamás se imaginó que su huida final, perseguido por muchas patrullas se transmitiría en casi tiempo real por la radio y la televisión.

El pequeño James fue recogido por su tía, quien regenteaba un burdel. El muy joven muchacho sería el cuidador del antro. Ahí recibiría sus primeras palizas de mano de los proxenetas y vividores. Se dice que James Brown tenía un buen izquierdazo y que era hábil para el arte del pugilato callejero. Se dedicó por muy poco tiempo al box semiprofesional.

James se cambió a Nueva York donde se las pasó muy negras, vagando por las calles. Comenzó a interesarse por la música y ganó un concurso de canto. Después vino lo del encierro. En la celda participó en un grupo de godspell. Ya en libertad se unió al grupo The Flames, que ganó una buena reputación. Little Richard los recomendó para tocar en los conciertos que él, gracias a su popularidad no podía cubrir. Graban un disco demo con la clásica Please, please, please y el resto es historia.

A la lista de éxitos le siguieron Do The Mashed Potatoes, I´ll Go Crazy, y Think. La música de Brown se torna cada vez más compleja y profunda.

En vivo llegó a tocar hasta con cinco baterías. Su fórmula era combinar el soul, el jazz, ritmos latinos, raíces africanas, un estilo sincopado y cadencioso con una voz potente y un baile frenético y sexual. Sus shows le hicieron ganar el apelativo de Mr. Dynamite o el Padrino del soul.

“Tenía el control de todo y de todos los músicos. Si alguien se atrasaba o no entraba a tiempo, era reprendido ahí mismo con una discreta seña…..relativa a descuento de salario.”

El vestuario de él y sus músicos era impecable. Cuando lo detuvieron por última vez por consumo de drogas, iba muy mal vestido. Siempre le gustó la ropa. Con tristeza y nostalgia desde su celda recordó cuando de chiquillo abría los autos para robarse la ropa, una chamarra o un saco; no podía soportar su pobreza.

En realidad se dice que era un tirano.

En medio de una grabación un baterista pidió permiso para orinar, impaciente, James Brown no lo esperó y él mismo tocó el instrumento. Además, amenazó con despedirlo.

Su fama llegó al cielo cuando en el 68 él mismo produce un disco en vivo……el concierto en el Apollo. Esa grabación es mítica. Con la fama llegan las limos y los aviones.

I Got You (I Feel Good), Sex Machine, Papa’s Got a Brand New Bag y Living in America. Éxitos mundiales.

Cuando asesinan a Martin Luther King Jr., la raza negra sale a las calles y comienzan los disturbios. Brown es llamado para tranquilizar a la población y da un concierto que se transmite por televisión.

“Grítalo fuerte: soy negro y estoy orgulloso.”

JAMES BROWN.

“Funky drummer, generó las bases del hip hop al convertirse la batería de Clyde Stubblefield en el sonido más sampleado del género.”

Sergio Marchi.

Detenido una vez más, ahora por violencia doméstica. El exitoso James, que vio mucho por la comunidad negra y que advertía a los jóvenes que no dejasen la escuela para no caer en las drogas, ahora estaba enganchado con el polvo de ángel. No tiene nada de extraño que un hombre que amasó millones, regrese a sus raíces: en 1988 se le acusó de asalto y posteriormente de acoso sexual, por lo que pagó grandes sumas. La historia se repitió en 2004. En la cárcel, el hombre más trabajador del showbiz, recordó cuando ofreció su apoyo a Nixon, quien después lo hizo a un lado. Ahí en el encierro, James se dio cuenta que es muy difícil salir del ghetto aunque cambies de barrio y alcances la fama.

El niño que comenzó lustrando botas murió en el 2006 debido a un ataque de neumonía.

Para mi amigo Nando Bonilla quien amablemente me invitó al concierto de Maceo Parker, miembro original de la banda de James Brown, donde por cierto cantó Martha High, una de las coristas del maestro del Funk. Una noche que no se olvida.

 

Dejo este compilado de los pasitos de Brown. Punto de referencia para Jackson, Prince y demás.

 

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.