Marty Balin: In Memoriam

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“La vida es toda sobre el amor, la felicidad es su divino derecho, nunca dejes de encontrarlo”: Marty Balin.

La escena sesentera estuvo representada por diversos genios musicales que patentaron un sonido alimentado por corrientes como el folk y el rock and roll; además sirvieron como bandera para toda una generación que reconoció en ellos una manera idílica de vivir, Marty Balin fue, es y será uno de ellos.

Balin, uno de los mayores estandartes del Folk Rock, el Acid Rock y el Rock Pop desde los años 60, se adelantó en el camino el pasado 27 de septiembre y se despidió de este mundo terrenal para acceder a otra dimensión. La noticia tomó por sorpresa porque a pesar de haber sido intervenido del corazón en 2016, se sabe que estaba recuperándose y en 2017 lanzó un nuevo disco.

Aquí un pequeño homenaje a quien dejara un gran legado en vertientes como la música y la pintura.

En 1962 lanzó dos temas para el sello Challenge Records: “Nobody But You” y “I Specialize in Love”. Durante su carrera pasó por el cuarteto de folk The Town Criers y por The Gateway Singers.

Formó parte de una de las bandas consentidas de la escena del “Verano del Amor” en San Francisco y por ende del movimiento contracultural de la década de los 60: Jefferson Airplane, la cual formó junto a Paul Kantner, Jack Casady y Jorma Kaukonen en 1965, después llegarían Signe Toly Anderson y Skip Spence para completar el conjunto, mismo que registró su álbum debut “Takes Off” en 1966, un despegue que tenía más tintes de folk-rock.

Debutaron el 13 de agosto de 1965 en The Matrix Nightclub en San Francisco. Esta integración sufrió cambios y el grupo tomó verdadera forma a fines de 1966 con la llegada de Grace Slick y Spencer Dryden, quienes serían parte de la época dorada de la banda.

En 1967 lanzaron su placa histórica “Surrealistic Pillow” que se ha posicionado entre los mejores 500 discos de todos los tiempos. Este álbum también alcanzó disco de oro. Es una carga sensacional de psicodelia pura y delirante. Contenía dos ases bajo la manga, mismos que se colocaron en el primer puesto de las listas y aportados por Grace Slick: “Somebody to Love” y “White Rabbit”.

Balín, verdadero promotor del Peace and Love, fue creador de gran parte de los mayores hits del Aeroplano de Jefferson.

En 1972 se salió del grupo y más tarde, en 1974 Paul Kantner lo mandó llamar para que se uniera al nuevo proyecto que tenían Slick y él: Jefferson Starship, en el que de nuevo marcó una racha de éxitos y donde contribuyó con varios temas emblemáticos.

En 1978 se retiró de este conjunto para emprender una carrera en solitario en la cual dio muestra de un gran talento.

En 1981 lanzó su primer placa en solitario con éxitos como “Hearts” y “Atlanta Lady”.

Músico versátil, que lo mismo tocaba y aportaba al sonido de Jefferson con la guitarra, el pandero o el piano, tuvo visión para dejar un legado potente e indispensable.

En memoria de este gran valor musical, cuya voz de tenor fue una de las más profundas y emotivas del rock de todos los tiempos hacemos un repaso por cinco temas de su autoría.

  1. “I Specialize in Love”: Realizado en 1962 y escrita por un incipiente cantante Marty Balin en coautoría con Harry Collins. Fue reeditada en 1992. Un tema que deja entrever el rango de voz de Balin en toda su expresión.

Fue incluida en el disco “Hard to Get: The Challenge Story, 50 original recordings 1957-1962”, lanzado en agosto de 2014.

  1. “It´s No Secret”. Este tema lanzado en su primer trabajo con Jefferson Airplane en 1966 nos lleva por un sonido que más tarde sería icónico en el argot hippie sólo que fusionado por sonidos de folk, género en el que Marty comenzó su carrera en 1962.

Este tema maravilloso reza entre sus líneas: “No es secreto, no todos saben cómo me siento, no es secreto cuando digo que mi amor es real porque te amo, sí te amo”. Fue lanzado como cara A en sencillo con “Runnin´Round This World” en febrero de 1966.

  1. “Today”. Proveniente de “Surrealistic Pillow”, fue escrito en coautoría con Paul Kantner, se grabó el 2 de noviembre de 1966 y lanzado en 1967 bajo la producción de Rick Jarrard. Una verdadera mezcla de folk rock en toda su expresión.

Balin lanzó una nueva versión en 1999 en su álbum “Marty Balin Greatest Hits”.

Jerry García, guitarra líder de Grateful Dead, tocó el riff en esta joya musical.

Richie Havens y Ricky Lee Jones han realizado remakes a este hit imperecedero.

  1. “Comin Back To me”. Otra cereza de folk rock en el pastel. Marty Balin la escribió tras fumar marihuana de primera calidad, misma que le había proveído el músico y cantante de blues Paul Butterfield.

Se grabó el 1 de noviembre de 1966 y fue lanzada también en “Almohada Surrealística” también bajo la producción de Rick Jarrard, bajo la etiqueta RCA Victor.

Es una canción netamente acústica donde todos los integrantes a excepción de Grace Slick intervienen en las guitarras, además de Jerry García.

Balin lanzaría también otra versión en 1999 en su disco Marty Balin Greatest Hits.

  1. “Miracles”. Ya durante la etapa de Jefferson Starship. Canción que alcanzaría el número 3 de las listas del Billboard Hot 100 durante tres semanas en 1975. Grabada en febrero y liberada en marzo de ese año.

Fue lanzada en el disco “Red Octopus” bajo la etiqueta Grunt/RCA Records y su producción corrió a cargo del grupo y por Larry Cox.

Para que pudiera será emitida en más estaciones su duración se redujo a la mitad, entre otras cosas para retirar un extracto con orientación sexual.

Este corte ha sido considerado como uno de los grandes del rock pop de todos los tiempos. También fue rescatada en Marty Balin Greatest Hits en 1999.

Fue utilizada en la cinta “Crank” de 2006. Fue inspirada en el gurú Sathya Sai Baba, a quien se cree obraba milagros, así como también se dice una parte está influenciada por una mujer de la que estaba enamorado Balin en ese momento.

  1. “Summer of Love”. Un emotivo tema en donde Marty Balin habla de que –“El Verano del Amor de 1967 fue el cielo”-. Se lanzó en el octavo y último larga duración llamado Jefferson Airplane en 1989. Su grabación se registró en el estudio The Record Plant, ubicado en Los Ángeles.

Su producción corrió a cargo de Ron Nelson, Greg Edward y claro, por Jefferson Airplane. Se publicó como sencillo en agosto de 1989.

Sirva este pequeño homenaje para un artista que afianzó su leyenda con su partida … ¡Larga vida a Marty Balin!

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

La Historia de The Traveling Wilburys

Traducción: Tere Chacón.PROHIBIDA SU REPRODUCCIÓN

El nacimiento de The Traveling Wilburys fue un afortunado accidente. El Departamento Internacional de Warner Bros. Records le había pedido a George Harrison que creara un Lado B para This Is Love, un sencillo de su álbum Cloud Nine. En esa época se acostumbraba acompañar a un Lado A con una canción inédita, lo que le daba un valor adicional en ventas a los sencillos.

Esto era a mediados de 1988. Cloud Nine había salido. George, junto con su co-compositor Jeff Lynne y sus amigos Bob Dylan, Tom Petty y Roy Orbison había estado pasando tiempo en el estudio de Dylan. Supongo que George pensó que mientras sus amigos estuvieran a la mano, ¿por qué no usarlos para esta nueva canción?

Un par de días después George llegó a mi oficina para tocar el nuevo Lado B. Fuimos a la oficina de Lenny Waronker, el Director de Artistas y Repertorios de la compañía, para que él pudiera escucharlo también. George puso entonces Handle With Care. Nuestra reacción fue inmediata. Esta era una canción que sabíamos que no podía desperdiciarse en un Lado B. La voz de Roy Orbison era impresionante. Realmente amé la forma de tocar guitarra de George. Le habían dado al clavo. Lenny y yo tartamudeamos y les pedimos: “¿Se podría convertir esto en un álbum?” (también sospechaba que tal vez George tenía ganas de tener otra banda).

Se lo recomendamos firmemente. George sintió la espontaneidad de la música y su fuerza sólida. Siempre tuvo el instinto. Siendo tan inteligente como era, tenía una habilidad sorprendente para juntar a la gente. Piensen en el Concierto para Bangladesh… sólo George Harrison pudo hacer que sucediera.

Una vez que se concretó la idea de un álbum completo, George tomó el liderazgo. Los cinco artistas (Harrison, Lynne, Petty, Dylan y Orbison) decidieron no usar sus nombres reales. George y Jeff habían estado llamando al equipo del estudio (los limitadores y ecualizadores) como “wilburys”. Así que primero le pusieron al nuevo grupo The Trembling Wilburys. Jeff sugirió que se cambiara a “Traveling”. Todos estuvieron de acuerdo.

El grupo nació: cinco tipos con una posición muy sólida ganada por derecho propio pero fue George quien creó este ambiente Wilbury en donde las cinco estrellas pudieron disfrutar de una colaboración que no implicara el ego de nadie. Todos cantaron, todos compusieron, todos produjeron y se divirtieron mucho haciéndolo.

Ustedes podrán escuchar la humildad y la buena naturaleza de George en la música de los Wilbury. En mi opinión, fue la colaboración perfecta. Los cinco eran buenos amigos y se admiraban y respetaban entre sí. Roy Orbison era alguien a quien ellos idolatraban. Por supuesto, también sentían un respeto especial por Dylan. Sin embargo, Bob estaba más cercano a ellos por ser su contemporáneo así que fue Roy quien le dio al proyecto ese brillo especial de los años iniciales del rock ‘n’ roll.

Reflexionando en esto recordé que unos años antes, cuando mi esposa Evelyn y yo estuvimos en Londres, George nos invitó a su casa, Friar Park, para celebrar el cumpleaños de Evelyn. Roy era huésped en su casa en esa época así que tal vez esto fue un indicativo que después llevó a la formación de los Wilbury. También lo pudo haber sido la noche en la que Tom, George y Jeff (Bob no pudo ya que se había lastimado una mano) fueron a cenar a nuestra casa un año antes de Handle With Care. Para nosotros, Tom tocó una nueva canción que no había sido grabada de título Free Fallin’ con el apoyo de dos de sus futuros compañeros Wilbury. Nos gustó tanto a Lenny y a mí que le pedimos a Tom y a los muchachos que la tocaran al menos tres veces esa noche.

Tal vez aún entonces ya todos eran Wilburys. Sólo que todavía no sabían su nombre.

Con el gran éxito internacional -más de cinco millones de copias vendidas- del álbum Traveling Wilburys Volume 1, fue inevitable buscar un seguimiento. George, siendo George, tituló el segundo álbum como The Traveling Wilburys, Volume 3. Tristemente, para este moment Roy había muerto pero todavía había gran emoción cuando visitamos a los Wilbury que estaban grabando en el Wallace Neff, una casa designada en la parte superior del Cañón Coldwater. Estar con ellos en ese lugar fue realmente memorable.

Me alegro que una canción que alguna vez fue destinada a la semi-obscuridad como un Lado B se convirtiera en el catalizador de algo tan duradero y lleno de alegría. La revista Rolling Stone ha incluido a Traveling Wilburys, Volume 1 como uno de los mejores 100 álbumes de todos los tiempos.

Mo Ostin
Presidente Emérito del Consejo de Warner Bros. Records, 2007

Titular de El Círculo Beatle.

Beatlera, podcastera, desarrolladora web, locutora, autora y otras maravillas… Embajadora global de la Beatlemanía por The Beatles Story.

Brian Jones: El legado de una Piedra Rodante

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 “Brian era la persona de aspecto más vanidoso que he conocido. Pero también fue uno de los músicos más convincentes en el escenario”: Ray Davies (The Kinks)

Para junio de 1969 los Rolling Stones dieron un giro de 360 grados a su historia despidiendo a nada menos que a su fundador y primer líder: Brian Jones, aquél joven “dandy” sesentero que aportó el nombre de la banda gracias a la canción “Rolling Stone” de Muddy Waters y que desde sus inicios los proyectó a tocar música en serio. 

Brian Lewis Hopkins Jones sería el “culpable” de que todo diera marcha a fines de 1962, él fue el motor que comenzó la carrera de una de las bandas de rock más exitosas de todos los tiempos.

Pero no todo fue miel sobre hojuelas, Brian Jones fue además del líder del grupo, un personaje que con el tiempo se fue desmoronando y el mismo conjunto al final de sus días no lo tenía precisamente en un pináculo, pero también quizás faltó compresión por parte de sus compañeros.

Mucho se ha dicho sobre que Jones no era bueno escribiendo música y mucho menos canciones completas, pero sólo basta echar un clavado a su trabajo, que con el tiempo y gracias a la tecnología se ha ido descubriendo.

Su pasión desmedida por el blues y en determinado momento la música clásica le permitieron desarrollar su talento nato para ser en primera instancia un músico que dominaba la guitarra slide, el piano, la armónica y cuanto instrumento se le presentara, pero a decir de muchos de sus allegados que pareciera no se ponen de acuerdo, Brian no enseñaba el material que escribía y quizás era porque se sentía menospreciado. 

Muy en el fondo sentía que su material no era comercial porque derivaba en el blues pero quería grabar sus propias canciones argumentando que tenía buena voz para el folk.

Su música y versos eran, a decir de su novia Anita Pallenberg de corte romántico y espiritual del tipo de Donovan.

Una mezcla de timidez y baja autoestima fueron lo que determinaron el lugar de Brian en los Stones dando como resultado que Mike, Keith y el productor Andrew Oldham lo eclipsaran poco a poco.

Ante esto podríamos afirmar que era un gran arreglista e incluso podríamos darle el crédito de compositor ya que la mayoría de las canciones de Jagger y Richards (entre ellas “She’s A Rainbow”, “Play with Fire”, “Child of the Moon”, “Dandelion”, “Ruby Tuesday”, Sittin on a Fence) fueron embellecidas por su aporte de diversos instrumentos como el dulcimer, la flauta, la mandolina, las maracas, el pandero, el oboe, el órgano, el melotrón, entre otros.

Creador además de los riffs en “(I Can´t Get No) Satisfaction”, “Let´s Spend the Night Together” y “The Last Time”.

Aquí una prueba: Lady Jane con Brian Jones en las guitarras acústicas, clavicornio y dulcimer. Del álbum “Aftermath”:

Al final de sus tiempos en la banda consideraba que ya no congeniaba con el estilo pop que habían adoptado e incluso cuando lo “corrieron” lo tomó de forma tranquila porque ya tenía planes de formar otro grupo y participar en varios proyectos con Lennon, Hendrix y hasta con Denny Laine.

Es curioso que a casi un mes de que fuera despedido de las piedras rodantes falleciera de forma trágica ahogado en su alberca, a partir de esto han corrido muchos rumores tales como que fueron Keith Richards y Mike Jagger los que lo mandaron matar, que si el albañil que restauraba su casa lo había liquidado tras alguna discusión, que si fue un paro cardíaco a causa del asma y las drogas o que incluso compuso mucho material que se adjudicaron Mike y Keith como “Ruby Tuesday” y un sinfín de mitos que no se han demostrado totalmente pero que aún levantan eco a 49 años de distancia.

A continuación Backstreet Girl del álbum aparecido en UK “Between the Buttons” y en la placa americana “Flowers”. Aquí Brian contribuyó con el vibráfono, el xilófono, el celeste y el glockenspiel y en algunas fuentes señalan que también ejecutó el acordeón.

Y más extraño es que ni Richards ni Jagger acudieran a su funeral pero sí le dieron un homenaje gratuito en Hyde Park el 5 de julio de 1969.

Sea como sea, en el círculo de Los Rolling Stones no era ya soportado por varios, incluso lo tachan de desagradable, sin embargo es de extrañar que entablara amistades tan especiales con Superstars del momento como John Lennon, George Harrison, Eric Clapton, Jim Morrison, Marianne Faithfull, Bob Dylan o Jimi Hendrix, con algunos de los cuales incluso participó en proyectos musicales.

En “Under my Thumb” Jones deleita con la marimba, piano y guitarras eléctrica y acústica.

“El primer chico blanco que escucho que toca como negro”: Buddy Guy.

Su influjo era y es tal que hasta es mencionado en temas musicales tanto de su tiempo como después de su muerte.

Aquí un ejemplo: Monterey fue el tema emblemático que retrató el primer festival de rock masivo en 1967 donde Brian Jones apadrinó a Jimi Hendrix y en cuya letra es presentado como “His Majesty, Prince Jones smiled”.

Justo también destacar que contribuyó en temas clásicos del rock como “Love Me, Baby” junto al dueto británico Peter and Gordon donde colaboró tocando la armónica, así mismo se destaca su participación también en la armónica con este dúo en “A Mess of Blues” y en “Good Morning Blues”.

“Conocía a Brian bastante bien. Tuvimos posiciones similares en nuestras bandas. Solía verlo en sus momentos difíciles. Era una persona muy amable y eso es lo que debemos recordar que era. No había nada malo con él que una pequeña porción de amor no hubiera resuelto”: George Harrison.

Por otra parte participó con el saxo alto en “You Know my Name”, en los coros de “Yellow Submarine” e hizo gala con el oboe en “Baby Your a Rich Man” de The Beatles.

También ejecutó magistralmente el sitar en “Ain´t Nothing Wrong With That” de Jimi Hendrix.

Como músico independiente podemos rescatar dos célebres proyectos, el primero de 1967 componiendo y produciendo la banda sonora de la cinta alemana “A Degree of Murder” y el disco póstumo “The Pipes Of Pan At Jojouka”.

“No voy a derrotar a nadie más en The Stones, pero Brian fue el verdadero artista en esa banda. (…) Gran parte de su creatividad temprana se debió a él”: Dave Davies (The Kinks)

En resumen The Rolling Stones son una leyenda musical sin embargo es inminente destacar que sin Brian Jones no hubieran sido lo que son, él fue el alma e inspiración y aunque tienen muchos discos interesantes nunca fue lo mismo sin su presencia y talante.

Aquí un pequeño recuerdo para Brian Jones (El Stone Mágico) quien fallecería un día como hoy de 1969 a la corta edad de 27 años.

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

In My Life: Su génesis e influencia

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El 3 de diciembre de 1965 se dio a conocer la sexta placa musical de los Fab Four: Rubber Soul y con él se dio a conocer un trabajo más complejo del cuarteto de Liverpool conteniendo material tan poderoso como “If I Need Is Someone”, “The Word”, “Michelle”, “Think for Yourself”, “Norwegian Wood” e “In my life”, tema emblemático del cual nos ocuparemos el día de hoy.

Esta oda nostálgica deja al descubierto la magia literaria de John Lennon que comenzó escribiendo un poema sobre su infancia y adolescencia, sin embargo consideró que lo que había escrito era un tanto aburrido y largo por lo que dejó la letra por un tiempo y después le dio un giro enfocándose en los amigos y amantes que dejó por las calles que lo vieron crecer.

Paul McCartney le ayudó con parte de la música (aunque en algunas declaraciones él afirma que la música en su totalidad fue su creación al buscar inspiración en un melotrón y bajo la influencia del sonido de Smockey Robinson and The Miracles pero Lennon aseguró que la contribución de su compañero fue la sección del puente y los ocho compases centrales)

También es justo señalar que Sir George Martin tocó el solo de piano donde se aprecia su influencia y formación clásica, pues el resultado derivó en un tono que se logró bajándole la velocidad a la mitad dándole un aire de clavecín y clavicornio.

John en el pandero y la primera voz la cual se dobló para darle más énfasis y sentido nostálgico, Paul y George en los coros bajo y guitarra y Ringo completa la ejecución de forma formidable dando la pauta del ritmo acompasado.

Su grabación se dio en los estudios EMI en Londres y data de los días 18 y 22 de octubre de 1965 bajo el sello Parlophone.

El recorrido de personajes que evoca Lennon pasa por nombres no implícitos en la letra pero sí en su espíritu como Stuart Sutcliffe (primer bajista de The Beatles y fallecido en 1962 debido a un derrame cerebral) Pete Shotton (amigo de la infancia de John) Cinthia Powell (su novia de juventud y esposa por entonces) por supuesto Paul McCartney e incluso podríamos mencionar a su madre Julia, su tía Mimi, su tío George y Brian Esptein.

“Hay lugares que recordaré toda mi vida aunque algunos han cambiado, algunos para siempre, no para mejor algunos se han ido y otros aún permanecen, todos estos lugares tienen su significado con amantes y amigos que aún puedo recordar, algunos están muertos, otros aún viven, en mi vida los ame a todos”

En algún momento Lennon haría referencia a que este pedacito de arte y “This Boy” lo llevaban a la conclusión de que estaba a la altura compositiva de su amigo y colega Paul McCartney.

In my life es un recorrido magno de literatura y música sin precedentes que incluso despierta interés en las nuevas generaciones proclamando incluso que sea el tema con el que se les despida en su funeral.

Esa grandiosa colaboración entre la mejor mancuerna del mundo del rock-pop de todos los tiempos y que fuera reconocida por la revista Rolling Stone en el puesto 23 de las mejores 500 canciones de la historia, así como también por Mojo como la mejor canción de la historia.

En resumen uno de esos temas que son un pedazo de gloria en la tierra y que siempre te deja vagando en un mar de emociones y fue y es de los temas que más aplausos y versiones ha generado en gran parte del orbe.

Aquí la versión original con The Beatles:

Aquí una muy respetable versión interpretada por George Harrison muy a su estilo en vivo en Saint Louis en 1974. Con Billy Preston en los teclados.

Al final de la interpretación Georgie menciona a sus excompañeros Beatles.

La serie “The Wonder Years” protagonizada por Fred Savage y Danica Mckellar tuvo en su capítulo piloto “Recordando los Años Maravillosos” de fondo “In my life” rescatando una de las mejores versiones del tema en voz de la emotiva cantante Judy Collins quien lo grabó en 1966.

Así mismo la cinta “Little Manhattan” (mejor conocida como el ABC del Amor) estrenada en 2005 y estelarizada por Josh Hutcherson y Charlie Ray culmina con una moderna pero sentida interpretación por parte de Matt Scannel.

A continuación algunos de los artistas que se han realizado remake de “In my life”.

1; Bonnie Tyler .

2; Rod Stewart.

3; Crosby Stills and Nash.

4; Stephen Stills.

5; Johnny Cash.

6; Ozzy Osborne.  

7; Bette Middler .

8; Ed Sheeran.

9; Mary Hopkins.

10; Sean Connery (narrada por el actor de James Bond y acompañado al piano por George Martin)

11; Miriam Makeba.

12; Keith Moon.

13; José Feliciano (cuya version le gustaba a Lennon, según dicen por ahí)

14; Marie Osmond.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Seis Canciones Sabrosas de 1968, Vol. 2

“…si tu cuerpo, si tu risa, si ese tiempo pudiera volver…”

                                                                   Manuel Alejandro, 1980

Reiteraré por enésima vez sobre la magia de la nostalgia, y tratándose de un año tan mágico, pues resulta casi lógico que esté lleno de nostalgia agradable; la década de los sesentas fue pródiga en éxitos musicales, que como le llamaría atinadamente el gran escritor José Agustín, sería “La nueva música clásica “, cada fin de semana salía un nuevo hit para la posteridad, y mucha de ella tiene su origen en este año.

Anteriormente les comenté que vivíamos una época muy interesante en cuanto a la música disponible en la radio, pues no estábamos tan sujetos al Hit Parade gringo en demasía, y teníamos al alcance también la música europea -tan variada y de tanta calidad, en ese entonces- así como otras opciones interesantes; quiero basar esta serie de recuerdos en la música que pasaba en la radio en la realidad, para no hacer una reseña que cualquiera con internet y un rato disponible podría obtener. Espero sinceramente lograrlo, y que les agrade.

A guisa de entrada y aperitivo, les comparto cinco anécdotas breves y variadas de 1968, aisladas y lo que quieras, pero que son punto de partida de hechos actuales y establecimiento de situaciones cotidianas de la actualidad, y que quizás alguien de ustedes junto con este loco servidor considere importantes, jajajaja. Me permito enlistarlas as it follows:

1.-En 1968, el día tres de marzo para ser exactos, la UNAM decide nombrar a las escuelas preparatorias con el nombre de algún universitario notable, como ejemplo mis prepas, la 1 sería “Gabino Barreda”, la 9 “Pedro De Alba”, y así por el estilo; la siguiente gran noticia sobre la educación media superior vendría tres años después con la creación de los colegios de ciencias y humanidades, o CeCeHaches.

2.- Algunos programas de televisión que entretenían y apasionaban a nuestros abuelos y padres, éstos son unos cuantos ejemplos: Combate, FBI, La Ley del Revolver, Maya, Daktari; el entretenimiento familiar estaba a cargo de Josefina y Joaquín, pareja de bailarines y su Programa “Baile con Vanart”, los más conservadores disfrutaban de “Noches Tapatías ” y “Las Estrellas y Usted” patrocinado por la marca de maquillajes Max Factor, entre varias opciones más.

3.- Existía el genuino “pesero”, medio de transporte colectivo que te llevaba del Zócalo al Auditorio Nacional por un peso; eran vehículos lanchas (como les decían entonces) modelo sedán como el Chevy Impala, el Ford Galaxie o el Dodge Mónaco, amplios y con cabida hasta de seis pasajeros, diseñado para facilitar y hacer económico el transporte de reporteros que cubrirían el evento olímpico, en su concepto original.

4.- La clase media -entonces más representativa y abundante que en nuestros días- se vio agredida con un impuesto por la tenencia de un vehículo; dicho impuesto ayudaría a financiar el costo gubernamental de la organización de las olimpiadas, y sigue cobrándose hasta la actualidad sin sonrojo alguno. 50 años de esquilmar al contribuyente promedio, que poca vergüenza.

5.- El Club Deportivo Toluca era campeón de la liga mexicana de Fútbol en ese año, así como los Diablos Rojos del México lo fueron en el Beisbol, boxeadores como Mantequilla Nápoles, Vicente Saldívar, el Halimí Gutiérrez y Ultiminio Ramos eran creadores de noticias y afición. En los toros, la gran figura internacional era Manuel Benítez el Cordobés, y aquí en México se hablaba mucho de Eloy Cavazos, Manolo Martínez y Paco Camino.

Encendamos la radio, y sintonicemos nuestra estación favorita en idioma extranjero, apaga la luz, y escucha:

Sono tremendo, Rocky Roberts & I Piranhas

Charles “Rocky” Roberts fue un nativo de Miami FL., nacido en agosto de 1941, que empezó su vida pública como boxeador semi-profesional, hasta que le partieron toda su quijada por un jab muy bien colocado; por alguna extraña situación no aclarada, decide salir de los Estados Unidos con rumbo a la bella Italia. Se nacionaliza italiano, y decide iniciar una carrera como actor y cantante en 1966. Su primer éxito “Stasera mi Butto” (Esta Noche Me Lanzo) le dio cierta notoriedad, que lo lleva a filmar la película del mismo nombre en 1967; ya en 1968, graba esta canción, que sería su éxito más trascendente, y que llegaría al primer lugar de popularidad en Italia, España y Bélgica, lo que trae por consecuencia que grabe en español, italiano y francés su repertorio.

El video que acompaña a la versión en español de “Soy Tremendo” filmado en España, nos muestra una coreografía memorable con algunas chicas que podrían ser confundidas como “angelitas sesenteras ” de belleza natural y candidez como nos podríamos imaginar en esos tiempos; es muy recomendable y digno de análisis del trabajo de un especialista en la creación de videos musicales; un tal Valentino Lazarov, institución en la TVE.

Cover simpático a cargo de los nativos de Balbuena ” La Tropa Loca” que tocaban muy bien, pero su voz principal era, pues, este….medianita. También los Brincos en España hicieron cover, y resulta curioso que la canción ha mantenido popularidad a lo largo del tiempo con covers  impresentables del Grupo Tremendo (aaaaargh) argentinos que pusieron la rola en la mira de los mexicanos Magneto (puaaaagh) y de la Banda Tres Ríos (guácala). La rola original sin duda es la mejor.

Run To Her, The Beeds

Disco sencillo  519 de Team Records, de octubre de 1968 (te dice algo esa fecha?) disco debut de la banda, y que logra gran difusión a lo largo del año 1969 también y todavía más en 1970, cuando es editada en México bajo el sello Buddah, filial de Discos DUSA, tanto en disco sencillo como en Extended Play, llegando a primer lugar de popularidad en el país según el muy cuestionable ranking de popularidad de la revista Notitas Musicales en el mes de agosto; uno de tantos casos clásicos locales de canciones muy famosas y populares aquí, y con muy poca o nula repercusión en las listas de otros países. Y con un desfase poco entendible entre su publicación original y la fecha de popularidad en México; existió un retraso comparable al del final de los años 50’s aquí.

El lado B mexicano “You Don’t Have To” era la canción estrella en la edición gringa, de este grupo musical que se llamaba en el glorioso 1965 The Rhythmlads, después fueron The Cats Meow, para después llamarse The Beeds; el grupo estuvo formado por Jay Klied en la batería, Richie Martinis en la guitarra y voz, Peter Carver en la guitarra líder, y Lester Margolis en el bajo, Jimmy Calvert y Norman Marzano fueron los productores y compositores de la canción. A pesar de publicar el single en un sello subsidiario del de los famosos productores Katzenetz-Katz, culpables del gran auge de la música Bubblegum de la Compañía 1910 y Ohio Express, no tuvieron que ver con el auge de ese subgénero musical tan en boga en 1968-1969, por lo que no están catalogados dentro del mismo.

Rascándole a la publicación de la revista Billboard de noviembre de 1968 encontré un boletín de prensa sobre este disco, que reproduzco a la letra: ” ritmo intrigante y contagioso que asegura éxito de ventas inmediato para este buen grupo nuevo, gran batazo por jardín izquierdo. (referencia beisbolera) al lado B, Corre Tras Ella”

Cover regular a cargo de los Rockin´ Devils en 1970, que no le hace justicia a uno de los mejores Disco Recuerdos de la época; gran hit en la Pantera de la juventud (“con los éxitos de Los Monkees y los Shondells, de Tommy James”,  Radio 590, Laaa Paaanteraaaaa…! así se anunciaban en aquel año, jajajajaja.)

The Last Waltz, Engelbert Humperdinck 

Favor de no confundir con la pieza musical de Robbie Robertson  y The Band, por favor, ambas excelentes pero nada que ver.

Para variar y no perder costumbre, es una de tantas canciones que llegaron tarde al Hit Parade mexicano; teniendo su mejor periodo aquí en enero y febrero de 1968, después de haber sido primer lugar de popularidad en el Reino Unido en septiembre y octubre del 1967, y llegando a un modesto lugar 25 en las listas norteamericanas.

Ahora que el tema de moda es el futbol, cabe mencionar que esta canción se relacionó con los dos últimos equipos que descendieron de categoría en la hoy Premier League en la década de los 60’s, Peterborough FC y Gillingham FC.

Tuvo mucho éxito esta canción en Francia sobre todo, donde le hicieron seis (!) versiones distintas, siendo las más populares a cargo de Petula Clark y la bien lograda por Mireille Mathieu, bajo el nombre de “La Derniere Valse” otra versión muy popular en Europa fue grabada por el austriaco Peter Alexander, con el poco eufónico título de Der Letzte Walzer.

La historia de Engelbert es sin duda merecedora de un artículo completo, pero desde su gran hit de julio de 1967 “Release Me” estuvo en el ojo y oído de todas las chicas – y otras no tanto- de nuestro país y de otros; su popularidad en México fue indiscutible, y podríamos decir con seguridad que es uno de los 10 artistas omnipresentes en todo hogar mexicano con su disco de grandes hits, sobre todo; si lo dudan, hagan la prueba. Siempre que quise revisar las colecciones de discos de vinyl en las casas de mis cuates para tomar información (léase pedir prestados los discos para la eternidad, jajajaja) me encontraba uno que otro LP Peerless-London de este gran cantante. Junto con Tom Jones sería uno de los cantantes masculinos más importantes de este año y de finales de los 60’s en general. Otro gran éxito de este año del patilludo Humperdinck fue ” A Man Without Love” que no era otra más que la muy gustada “Cuando Me Enamoro”. Cover decente a cargo de Héctor Falcón para la CBS, de él no se supo casi nada, de hecho, ni en YouTube está.

Chain Gang, Jackie Wilson

( Nota del autor: La mejor traducción del título es cadena de prisioneros, ya que se acostumbraba hasta épocas relativamente recientes el encadenar a los presos para que cumplieran con sus trabajos forzados bajo la inclemente luz del sol, sobre todo en los estados sureños de Norteamérica.

No crean por favor eso de “Pandilla de Cadeneros” por favor. Es una de tantas desafortunadas traducciones en el título de canciones y películas que tanto se dieron en México. Gracias)

 La versión original de esta súper rola la cantó su autor Sam Cooke en Julio de 1960, y se convirtió en ese entonces en el segundo sencillo más popular, solo después de su número uno de 1957 “You Send Me”. Otro gran artista que inicia su carrera solista en ese año es nada menos que ” Mr. Excitement” o séase Jack Leroy Wilson Jr. nacido en junio de 1934 en Detroit, MI. y fallecido casi cincuenta años después. Considerado uno de los grandes Showmen de la historia musical del siglo XX, podemos decir que fue trascendental para la evolución del R&B al Soul de finales de los 50’s. Con un poco más de 50 discos sencillos, consigue la nada despreciable cantidad de 14 Top 20’s del Billboard, que en esos ayeres era un logro importante, en una época sin secuenciadores, tecnología, Autotune y cosas por el estilo, y que solo se valía de talento para lograrlo; quien pueda ver hoy sus videos verá al antecedente directo del Padrino del Soul James Brown, sus pasos de baile elegantes, su voz de tenor – rango de cuatro octavas, ahí nomás- y rolas memorables como la legendaria ” Lonely Teardrops” “Reet Pettite” o ” Baby Workout” .

Sin embargo, para 1967 su éxito personal estaba un poco disminuido, quizás afectado por problemas con la ley ( como el ataque a un policía que le quitó a una fan de encima en un concierto), acoso sexual a la cantante Pattie LaBelle, y una herida de bala en una querella sentimental; además de problemas fiscales y de payola, aunado a otros incidentes que involucraron a compañeros del sello Brunswick Records, para el que grababa en esos días y que sería tedioso enumerar. Su éxito musical ” Higher and Higher” lo vuelve a llevar al ojo público en un comeback espectacular, como promotor de un baile muy de moda en esos días, llamado Boogaloo, y que solo bailaban los chavos gruesos y muy de onda aquí en México.

En 1968 esta leyenda graba junto con otro inmortal de la música, Count Basie, el LP “Manufacturers of Soul” de donde se desprende esta rola genial, recio blues urbano que es fiel reflejo de la época. Una lástima que no exista más el video de esta canción, para ver al “señor excitaciones” en vivo y en glorioso blanco y negro. Otro sencillo promovido de este álbum fue ” Funky Broadway “, en la campeona Radio Éxitos, Jackie Wilson…!

Identificación de Radio Éxitos:

Jackie Wilson:

Judy In Disguise, John Fred and The Playboys

Publicada en octubre de 1967, llega a primer lugar de popularidad en Norteamérica en enero de 1968, siendo el primer no.1 del año, también llega a ese lugar en Alemania, Suiza y México. Es compuesta por Fred y un compañero de los Playboys, Andrew Bernard, ambos nativos de Louisiana, y se dice que la inspiración fue el compartir un porro de Acapulco Gold al escuchar el Sgt. Pepper’s, en especial el track tres del lado A, ” Lucy In The Sky With Diamonds” intentando hacer una parodia del título con ” Judy In Disguise (With Glasses) con un riff muy bubblegum del bajo en el inicio. Ejemplo clásico de un One-Hit Wonder. Esta rola la recuerdo de Radio Éxitos XERC 790AM. Se imaginan una rola pretendidamente romántica en donde le dices a tu chica ” Lemonade Pie, That’s what You are” ¿que significará eso? ¿Qué habrá querido decirle?  ¿Porque la fumas si no la controlas? Jajajaja.

Interesante lista de covers de esta canción, hay que citar a unos adaptables Hooligans en México, a Los Quandos en España, a Patrick Zabe en Francia ( Les Lunettes) a los Residents en 1975, y en una extraña coincidencia, hasta a Gary Lewis& The Playboys, no los mismos Playboys de John Fred por cierto.

Sixth Avenue Stroll, The Twinn Connexion

 Esta rola yo la conocí en la Premier Orfeón a Go-Go, en un video en donde ellos van caminando entre el tráfico de la 6th Avenue en Nueva York, ya que la Orfeón Videovox había logrado manejar algunas licencias discográficas americanas como Decca, Kapp, Scepter, entre otras, lo cual nos permitió ver videos -hoy muy extrañados- de Dionne Warwick, B.J. Thomas, Jackie Wilson, Thee Prophets y The Foundations, entre otros. He llegado a pensar que dichos videos deben de haber sido producción mexicana, pues no hay huella ni testimonio alguno en la red de ellos. Un maldito y desgraciado terremoto hace 33 años nos arrebató este acervo fílmico musical, así como también un buen porcentaje de las caricaturas de mi infancia con el doblaje mexicano original, que ya nunca volverán. Una desgracia enorme.

Jerry y Jay Hopkins, gemelos idénticos, firman contrato de grabación en Decca Records, para  grabar canciones de Jerry Keller y David Blume a principios del Sixty-Eight, y deciden elegir una canción que publicó como sencillo dos años antes Jerry Keller, “Sixth Avenue Stroll”. Keller tuvo un éxito top 20 en 1963 con ” Here Comes Summer”.

El sub-género musical en el que se ha clasificado a esta canción es ” Sunshine Pop”, lanzada como sencillo mundialmente en agosto y en LP en octubre , incluye su versión  de ” Turn Down Day” un éxito del grupo neoyorquino The Cyrkle.

Nativos de Montana, tuvieron desde su adolescencia su propio show de TV, ” Teen Time Show” en donde hacían comedia, drama y canciones. Nada mal.

De los Disco-Recuerdos más memorables de Radio Capital XEL 1260 AM, en uno de los programas radiofónicos más extrañados de la historia ” Estudiantes 1260″ con la locución del finado, Don César Alejandre Pizano. Nunca sabrás lo feliz que me hiciste al contestar mis llamadas telefónicas a finales de los 70’s, complaciéndome cuando te pedía canciones de Pink Floyd, Love Affair, y Count Five, entre otras. Un recuerdo cariñoso hasta donde estés, y allá nos vemos.

Entrada de Estudiantes 1260:

Twinn Connexion, en Capital:

 

Cuantos recuerdos, cuanta nostalgia, ¿no crees? La verdad, yo era muy pequeño, pero sí recuerdo muchas de estas cosas que hoy les platico, las viví de una u otra manera, y son recuerdos comunes de mi familia, mis hermanos y primos. También estoy incluyendo un par de peticiones convocadas desde la anterior entrega, espero complacer a tan atentas solicitudes. Y así seguiremos, hay más entregas pendientes, y trataré de mantener el tema recurrente ” hace cincuenta años ” pues finalmente, creo que el niño de ese tiempo sigue vivo en mí, sin cambios. Y quiero que salga a retozar y a platicar sus experiencias y recuerdos, ojalá te gusten.

Les pido que me regalen más anécdotas, peticiones o comentarios sobre este año en particular, creo que les gustó la dinámica y la quiero mantener, ¿qué opinas? Quiero tu opinión también acerca de que si preferirías que la siguiente entrega sea de rolas en español, ¿qué te parece? Ya sabes que estoy a tus órdenes en mi correo electrónico marco@elcirculobeatle.com, hazme llegar tus opiniones, nos leemos por acá, ¡hasta pronto!

“…in this world of troubles, my music pulls me through….”

                                                                       John Miles, 1976

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

El lado sexy sesentero.

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Desde sus inicios el rock sirvió para representar diversas emociones e incluso desfogues, desde el inicio con Elvis Presley por ejemplo surgieron nuevas formas de actuar y de dirigirse, para muchos esto no era más que una rebeldía sin sentido y por ende se le satanizó hostigando a todo aquél que tuviera nexos con el género.

El mismo Elvis fue señalado por bailar sugerentemente, más tarde los mismos Rolling Stones serían considerados un peligro para las chicas, ellos y un largo etcétera tendrían un efecto similar en la sociedad mayor, que veían en el rock una forma de emancipación peligrosa.

Desde luego hubo temas con temática sensual, a veces hasta sexual, pero no todo lo que se llamaba rock seguía el mismo rumbo. Aquí un pequeño enlace sobre cortes en los cuales quedó manifestado el tabú de lo sensual en la corriente más importante (para muchos) del siglo XX.

1.-Unchained Melody. Una referencia clara de lo que es amar apasionadamente con tintes y referencias directas a un contacto más íntimo, pero sin caer en lo excesivo. La multiversionada canción fue escrita para la banda sonora de la cinta “Unchained” en 1955 por Hy Zaret y Alex North y estuvo nominada al Óscar el cual le fue arrebatado por “Love Is a Many Splendored Thing”.

Desde su nacimiento fue tan popular que en la misma semana se grabaron varias versiones, mismas que entraron al Top 30 de las listas, sin embargo en esta ocasión mencionaremos la versión de The Righteous Brothers lanzada en julio de 1965 y que se convirtió en todo un clásico de la época. Esta versión fue producida por el prominente productor Phil Spector y alcanzó los primeros lugares del Top Ten. Cobró un nuevo auge en 1990 tras ser utilizada como el tema principal de la película “Ghost” en 1990.

 

                                                                    Oh mi amor, mi querida, he deseado tanto tus caricias

                                                                                       Durante un largo, solitario tiempo.

 

2. Whola Lotta LoveLed Zeppelin. Robert Plant y compañía con una referencia sensual a todo lo que da desde el famoso riff de Jimmie Page hasta los candentes gemidos de Plant, sumándole una de las letras más sugerentes de la historia del rock, que dicho sea de paso también fue parte de un sonado plagio a “You need love” de Willie Dixon, el cual fallaría a su favor.

 

    Muy en el fondo mujer, necesitas amor.

                                                             Muévete para mí chica, quiero ser tu amante secreto.

Esta poderosa entrega de blues rock y efectos de jazz,  se grabó en Nueva York y en Los Angeles para el álbum “Led Zeppelin II” y su edición se terminó en Los Olympic Studios de Londres en 1969. Page tocó el icónico solo con una Les Paul Standard modelo “Sunburst 1958”.

3. Ball and Chain. En este breve conteo no podemos dejar de lado a la “Bruja Cósmica”, quien se entregaba por completo no sólo a su público sino a todo lo que cantaba, realmente vivía a flor de piel cada nota que pasaba por su garganta y como ella misma lo decía – Cada noche le hago el amor a 25 mil personas, después me voy sola a casa-.

Una referencia que da muestra de la fogosidad de Janis Joplin es el tema “Ball and Chain” escrita y cantada originalmente por la intérprete de blues Big Mama Thornton, sin embargo y a pesar de su extrtaordinaria vocalización fue la versión de la chica originaria de Port Arthur en 1967 en el Festival Monterey Pop y su posteriormente grabación la que encumbraron a las listas de éxitos. Janis era una fiel admiradora de Thornton y esta última reconocería en 1972 que se le permitió a Joplin interpretar su canción y recibir regalías por él. La letra habla sobre la necesidad de forma erótioca acompasada por acordes de blues que van desfazando el deseo de una mujer por probar el amor de un hombre.

  Cariño sólo porque tengo la necesidad, la necesidad, necesito tu amor

                                                                        yo quiero la oportunidad de probar, intentan, intentar, intentar. 

En realidad esto sólo fue una pequeña salpicada de los muchos, en verdad muchos cortes sensuales que se escribieron o interpretaron en los años 60. Finalmente les dejo una pequeña lista con otros temas que tuvieron cierta referencia al erotismo.

  1. Somebody to love – Jefferson Airplane (1967)
  2. I want you – The Beatles (1969)
  3. I need man to love – Janis Joplin (1968)
  4. Girl – The Beatles (1965)
  5. Let’s Spend the Night Together – The Rolling Stones (1967)
  6. Try -Janis Joplin (1969)
  7. Foxy Lady – Jimi Hendrix (1967)
  8. Lemon song – Led Zeppelin (1969)

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la sicodelia parte 2

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En el anterior artículo sobre esta lista de canciones que impulsaron la sicodelia, mencionamos bandas tan prominentes y respetadas como The Beatles o The Byrds quienes realmente fueron hilos conductores para esta vertiente que explotó en plena segunda mitad sesentera.

Era el tiempo del LSD, los hongos alucinógenos y las drogas psicotrópicas que en determinado momento dieron rienda suelta a estados de la conciencia más profundos y pocas veces explorados y el resultado se marca en varios temas, entre ellos, los que a continuación expondremos.

1. California Dreamin – The Mamas and The Papas. Escrita en 1963 por Michelle y John Phillips a raíz de la nostalgia que la joven cantante sentía por la costa oeste y grabada en 1965 bajo la producción de Lou Adler para Dunhill Records, este tema es uno de los emblemas de la década sesentera. Se publicó entre noviembre y diciembre de 1965 y fue el primer gran éxito del grupo metiéndose en el número 4 de las listas y manteniéndose en ese sitio por 17 semanas consecutivas.

Primero fue grabada por los New Journeymen donde ambos cantantes participaban, pero su fama estaba escrita para inmortalizarse bajo el nombre de “The Mamas and The Papas”.

La fuerza vocal del cuarteto fue desde el primer momento una carga explosiva para el público que los acogió junto a este corte como uno de los referentes no sólo del  “Flower Power” sino de toda la historia musical y para muestra las múltiples versiones que se han realizado por diversos artistas entre ellos José Feliciano, The Beach Boys y ¿Por qué no? Hasta Mocedades, así mismo Los Tijuana Five y Los Juniors realizaron en México sus respectivas versiones dejando clara la influencia de “Los Papás y Las Mamás” por estos lares.

2. Good Vibrations – The Beach Boys. Para 1966 Brian Wilson escribió junto con su primo Mike Love esta canción que fue inspirada por su madre, quien le hablaba cuando era niño sobre las vibraciones que los perros perciben con las personas, llevando al genio musical a componer algo al respecto basándose también en la percepción sensorial y desde luego en su experiencia con el ácido lisérgico.

Aclamada por críticos y conocedores como una de las mejores canciones pop sicodélicas de todos los tiempos, “Good Vibrations” surgió durante las grabaciones del álbum “Pet Sounds” sin embargo no se incluyó aunque sí se contempló para ser parte de él y se lanzó en sencillo junto con “Let´s Go Away For Awhile” que sí venía en la placa. Se consideró para el proyecto truncado “Smile” y finalmente se registró para el Long Play “Smiley Smile” de 1967.

La popularidad de la letra y sus acordes cobran fuerza día con día posicionándose entre conteos especiales entre los primeros lugares de popularidad. Se grabó entre febrero y septiembre de 1966, lanzada el 10 de octubre y se posicionó en el primer lugar en Reino Unido el 17 de noviembre, para asumir el mismo puesto el 10 de diciembre en Estados Unidos. Fue interpretada magistralmente por Carl Wilson quien sustituyó a Dennis Wilson tras sufrir un cuadro de laringitis. Brian y Mike Love participan en los coros.

Aquí una versión un poco distinta a la dada conocer oficialmente.

Considerada por el publicista de la banda, Derek Taylor como “una sinfonía de bolsillo” por la gama de instrumentos inusuales que incluía, ha sido hasta ahora la canción más cara de la historia del rock ya que entre su creación y producción pasaron varios meses en los que Brian Wilson se involucró en ella. Ante esto el compositor ha indicado que el sonido del violonchelo en el estribillo fue influenciado por “Da Doo Ron Ron” de Phil Spector.

Capitol tuvo dudas de su lanzamiento por su clara influencia psicodélica pero Wilson se salió con la suya una vez más y reclutó a varios de los mejores músicos de sesión, en su mayoría los famosos “The Wrecking Crew” para que participaran en la grabación e incluso se permitió experimentar con instrumentos como arpa o clavecín, órgano Hammond, arpa de boca y violonchelo.

3. I’m a Man- Spencer Davies Group. Entre los temas que eran sumamente populares en la meca hippie se puede contar este blues-rock compuesto por el cantante y organista Steve Winwood y el productor Jimmy Miller.   

Su éxito fue inmediato, de hecho se cuenta que fue el último sencillo de gran fama del cuarteto antes de la partida de los hermanos Steve y Muff Winwood. Aunque no se define muy bien si su fecha de grabación fue a fines de 1966, mucho se apunta que se dio a conocer entre enero y marzo de 1967 bajo la etiqueta Fontana Records.

Su influencia continúa hasta nuestros días dando como resultado versiones de bandas como Chicago y en la cual se puede escuchar a Terry Kath en la voz principal durante el primer verso, esto en 1970.

4. The Word – The Beatles. Para cerrar esta segunda parte de temas que forjaron la etapa psicodélica sesentera aparecen de nuevo los melenudos de Liverpool con este tema aparecido en el álbum “Rubber Soul” y grabado el 10 de noviembre de 1965.

Aunque pocas veces es citado como un tema psicodélico su estructura con armonio (ejecutado por George Martin) y la letra hablando abstractamente sobre el amor darían la pauta a lo que muchos grupos realizarían en adelante ya que prácticamente el “peace and love” eran los principales ideales de la generación Acuario, así también el órgano predominaba en la mayoría de los temas representativos de esa época.

Fue escrita principalmente por John Lennon aunque hay ayuda de McCartney quien declararía que era de ese tipo de canciones que les gustaba componer a John y a él basado en un solo acorde. Es cantada principalmente por Lennon en las frases principales y es perfectamente acompañado en los coros por Paul y George.

De esos temas Beatle poco valorados quizá pero que sin duda es un entrañable viaje musical. Todo en su lugar, el rasgueo de George y el ritmo excelentemente acompasado por Paul y Ringo.

Con esto damos fin a esta segunda parte a un conteo que se vislumbra un poco extenso, pero interesante. Es posible que por ahí haya algunos temas que tal vez no son muy recordados, pero fueron parte relevante en el inicio, desarrollo y clímax de una de las vertientes más asombrosas y experimentales de todos los tiempos.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

La canción Beatle que nunca lo fue: The Knickerbockers, Lies

 “….Lies, that’s all I ever get from you…”

                                                                       Byrd- Robinson, 1965

 

Cuántas veces escuchamos a los más viejos de la comarca -yo mero incluido-después de la traumática separación de The Beatles, el clásico ” este grupo son los Beatles con un seudónimo” . Recuerdo haber oído este tipo de rollos desde 1970, con bandas como Badfinger y Klaatu por ejemplo; también tenía que ver que nos comíamos enteritos los rollos de aquellos locutores de La Pantera, Radio Éxitos y Radio Juventud (XERPM, 660 AM, la que transmitió Avándaro, ni más ni menos) cuyos míticos locutores como Sergio Rod, Bolívar Domínguez o Agustín Meza de la Peña- quien por cierto, era hermano del actor Lalo el Mimo- alimentaban mis fantasías infantiles con la mínima posibilidad de una reunión de los cuatro de Liverpool, aunque solo fuera un disco sencillo. La verdad es que quizás ellos estaban solo un poco menos desorientados que los niños de mi generación en general.

Pero la historia que les voy a contar es la de un grupo originario del oscuro pueblo de Bergenfield, New Jersey, formado por los hermanos Beau y John Charles, Buddy Randell ( ex- saxofonista de The Royal Teens, aquellos de “Short Shorts”) y Jimmy Walker, quienes toman el nombre de una calle que atravesaba de orilla a orilla su ciudad, el rimbombante mote de Knickerbocker; estos chicos fueron reclutados para Challenge Records por el legendario compositor Jerry Fuller ( Travelin’ Man, Over You, Woman Woman) en 1962, quien se los lleva a Los Angeles, con todos los gastos pagados.  Pasaron tres años y varios sencillos grabados con imitaciones varias a grupos como The Four Seasons y algunos otros intentos de copiar sonidos ya probados, hasta que la suerte les empieza a sonreír a principios de 1964, con “All I Need Is You”.

En 1965, y con todo el tren de la Beatlemanía rodando, graban en el single 45 RPM Challenge # 59321 (en el lado B “The Coming Generation”)  una composición de Byrd y Robinson, intitulada “Lies” que empieza como sus anteriores discos sencillos, bastante floja en las listas de éxitos, pero que un olvidado locutor de Passaic, NY.  empieza a anunciar por un descuido como el nuevo sencillo de The Beatles; esto, que de suyo hubiera quedado como anecdótico solamente, provocó en esta ciudad y en la cercana Hoboken, NY. -cuna de Mr. Frank Sinatra- un fenómeno curioso de ventas de discos y de súbito interés por una banda que tocaba igual a los de Liverpool. De ahí parecía que iba a suceder una de las clásicas historias de cenicienta de grupo musical gringo, aparecer en los programas de televisión de la época, como Hollywood a Go-Go, Shindig y el pariente cercano de American Bandstand, Where The Action Is, del ubicuo Dick Clark, en la cadena ABC, donde eran la banda de casa. Su carrera musical se consolida con la canción “One Track Mind” que llega al lugar 45 de Billboard también en 1965. “Lies” llegó al Top 20 de la misma lista.

En 1966, aparecen en la película “Out of Sight” cuyo título se refiere al slang de aquellos años, con significado equivalente a lo “Groovy” de finales de los 60’s, lo “Prendido” de los 80’s, o lo “Cool” de estos días, algo tan bueno que solo se podía describir con esa frase. Su participación en dicho film fue, meramente hablando, testimonial.

Numerosos cambios de personal a partir de 1967 y la ineptitud de su marca disquera para promocionarlos de forma adecuada provocan el declive del grupo, el cual sucede de forma definitiva en 1970. También muchos intentos de reunión y reencuentro de la banda original, los cuales terminan en definitiva en 1998, con la muerte del baterista Buddy Randell.

Y para no variar, les platico que en México tuvimos covers a estas rolas, “Mentiras” a cargo de un grupo muy bueno llamado Los Jets originarios de Nogales, Son. Que empezó grabando para la mítica Discos Tambora, de Mazatlán, buenos Covers como ” La Ola Nueve” ( The Ninth Wave, Ventures) y “Un Mundo Sin Amor”( a World Without Love, Peter& Gordon) con el recordado Quito Monteón a la batería, fallecido en 2017; y “Algo Ha Pasado” -One Track Mind-a cargo de los célebres 4 Mosqueteros, grupo de excelente nivel que formaron el ex – Hooligan Johnny Ortega y Víctor Constantino, fino y rocanrolero guitarrista de pasado Loud Jets y Playboys. Ambos fueron grabados para Discos Capitol de México en 1966, y como la gran mayoría de los covers de esa marca, bien producidos, bien grabados y fieles al original; ya hubieran querido, por tomar el ejemplo más a la mano, en Orfeón Videovox haber tenido tan buenos grupos de covers como la Capitol, por culpa de algunos grupos chafones de la disquera de Avenida Universidad, propiedad de Rogerio Azcárraga, es por lo que se tiene en general tan mala imagen de los covers sesenteros  mexicanos. Intentaré ir publicando algunos covers que quiten aunque sea en poca medida, esa mala impresión.

Otras versiones interesantes de esta canción por cuenta y cargo de Linda Ronstadt, Styx, y recientemente los Grip Weeds, en una versión muy cercana a la original.

La historia de The Knickerbockers, como la de cantidad de grupos americanos de mediados de los 60’s, se ve fielmente reflejada en la película “That Thing You Do” de 1996, dirigida por el célebre Tom Hanks, de la cual les prometo una reseña completa en próxima ocasión, ya que es memorable (la recomiendo a morir) y nos ayuda a entender fenómenos menores como el relatado; si te estás preguntando por qué se llegó a pensar esto de esta banda americana, te invito a conocer la canción “Lies”, primero en su versión original, en el segundo video un ingenioso Lip-Sync como si los Beatles la hubiesen interpretado,  el cover de Los Jets, y al final, una backing track, que nos muestra el estilo musical de la banda, y como lograron un sonido tan influenciado por los Fab Four.

Lies, The Knickerbockers:

Si The Beatles hubieran cantado Lies:

Backing Track:

Mentiras, con los Jets:

Ojalá y les guste, y leo sus comentarios aquí en el sitio web o a mi correo marco@elcirculobeatle.com ¡hasta la próxima!

“….Someday I’m gonna be happy/ But I don’t know when just now…Lies, A-breakin’ my heart….”

                                                                                                                                  Byrd- Robinson, 1965

 

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Grandes temas que impulsaron la psicodelia parte 1

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Con el surgimiento del “Verano del amor” todo en el ambiente musical rockero y popero de la segunda mitad de los años 60 vibraba en medio de notas de amor, paz, flores y colores en prácticamente todo el mundo. A partir de 1965 la escena del rock estaría fijándose y desarrollándose básicamente en San Francisco y Gran Bretaña.

La mayoría de los grupos ya consagrados entraban al nuevo norte musical creando temas aunados a la nueva moda y las bandas que surgían traían ya consigo la influencia y se bautizaban con los nombres más largos y extraños posibles. En muchos casos la inspiración para escribir la música y las letras estaba influenciada por drogas como el LSD, el peyote o los hongos alucinógenos. A continuación la primera de varias partes dedicadas a importantes cortes psicodélicos.

1; “Eight miles high”.

The Byrds dieron mucho de qué hablar con una composición de Gene Clark, Jim McGuinn y David Crosby. Se lanzó como sencillo el 14 de marzo de 1966  tras ser grabada a fines de enero de 1966 en los Columbia Studios ubicados en Hollywood. Se incluyó en la tercera placa del grupo “Fifth Dimension” dado a conocer en julio de 1966,  llegando al Top 20 de los Billboard Hot 100 y en el Top 30 de UK chart.
Los orígenes de la canción no están muy bien definidos ya que mientras Gene Clark, fallecido en 1991, aseguraba que era prácticamente idea suya, Jim McGuinn perjura que es casi cien por ciento su creación. Sin embargo hay datos y fuentes que aseguran que Gene Clark recibió más ayuda de David Crosby, quien cooperó más en el tema realizando y aportando ideas a los arreglos musicales que el mismo McGuinn, incluso por ahí se cuenta que también el Stone Brian Jones participó en la génesis de dicho tema.

“Eight miles high” tuvo repercusión en la radio y la prensa local siendo atacada como referencia a las drogas, pero The Byrds aseguran que todo estuvo relacionado a un viaje durante una gira donde Clark le preguntó a McGuinn sobre a qué altura de la tierra volaban, a lo que Jim le contestó que a seis (Gene Clark tenía pánico a volar en avión) por lo que comenzó a crear la historia, misma que le cambió a “Ocho millas” en el título debido a que en ese momento The Beatles copaban las listas con “Eight days a Week”.

2; “White Rabbit”.

Entre los grupos que fueron claves en el inicio y desarrollo del rock ácido y portavoces del sonido San Francisco se encuentra Jefferson Airplane, quinteto formado en 1965 en la ciudad del sol y comandados por Marty Balin, Paul Kantner, Jack Casady, Grace Slick como voz femenina y Spencer Dryden en la batería, su éxito se catapulta con el excelso larga duración “Surrealistic Pillow” que contenía “White Rabbit”  un tema que hace referencia a “Alicia en el País de las Maravillas” y “Alicia a través del Espejo” del escritor Lewis Caroll y por supuesto al LSD.

“Conejo Blanco” fue escrito por Slick entre 1965 y 1966 para la que en ese entonces era su banda, The Great Society, sin embargo no la utilizó sino hasta octubre de 1966 cuando ingresó a Jefferson Airplane, lo cual supondría uno de los dos número 1 del grupo junto a otra composición de ella: “Somebody to love”.

Entre tanto “White Rabbit” es considerada una obra magna no sólo por especialistas y seguidores del grupo sino también por el líder de Jefferson Airplane, Marty Balin, que piensa que es una obra maestra. Se grabó en noviembre de 1966 y su publicación se dio el 24 de junio de 1967 en single junto a “Plastic Fantastic Lover”, precisamente creada por Balin, bajo el sello RCA Victor. Es sin duda un viaje eléctrico introspectivo digno de rememorarse.

3; “Paper Sun”.

Como parte del sonido psicodélico de la época y con avasallante estilo, el joven británico, pero ya reconocido Steve Winwood y su entonces agrupación Traffic, debutaron con el fulgurante single “Paper Sun” en mayo de 1967.

Fue compuesta por Jim Capaldi y el mismo Steve Winwood. Entre lo más recordado de este tema está el riff con sitar creado magistralmente por Dave Mason y su mezcla de sonidos vibrantes. Se situó en la casilla 5 en Reino Unido y en Estados Unidos llegó a la posición 70 de la lista Cash Box Top 100.

La influencia de la época y la capacidad interpretativa de la banda británica permitió que este y todos sus siguientes temas se colaran en el gusto y preferencia del público, apuntalando a un joven Winwood de 19 años hacia la gloria musical.

4; “A day in the life”.

Para cerrar con broche de oro esta primera parte de un recorrido sobre temas relacionados con el acid -rock y la psicodelia, no podemos dejar de lado a The Beatles, quienes siempre tienen un tema –podría decirse- que creado especialmente para cada ocasión y en el terreno de la psicodelia no se quedaron atrás, más bien fueron de los principales creadores del sonido y vanguardias que tanto identificaron a la década sesentera.

En 1967 The Beatles sorprendieron al mundo al dar a conocer el álbum que para muchos es su obra maestra: “Sargent Peppers Loney Hearts Club Band”, coronándose una vez más como los dueños y señores del rock-pop.

Grabada del 19 de enero al 22 de febrero de 1967 en los Estudios EMI en Londres, “A day in the life” es la cumbre del disco, con el que cierra uno de los viajes sonoros más emblemáticos de ese tiempo. Escrita en un 60 por ciento por John Lennon y en un 40 por ciento por Paul McCartney, une relatos sobre hoyos negros y un accidente automovilístico que provenían del periódico. Paul McCartney aportaría al tema la frase “Id love to turn you on” que da paso a la parte que enchina los sentidos: el crescendo de 24 compases interpretado por una orquesta de 40 músicos dirigidos por McCartney el 10 de febrero del mismo año. George Martin indicaría en su momento que fue su idea incluir el crescendo para causar la sensación de que iba a explotar en cualquier momento.

Entre las curiosidades destaca que durante su grabación se vio desfilar a estrellas del momento como Mike Nesmith de The Monkees, Mike Jagger, Marianne Faithfull, Donovan y Keith Richards. La BBC la prohibió por considerarla una inducción a las drogas. Durante el lanzamiento del “Sargento Pimienta” en el sur de Asia, Malasia y Hong Kong fueron excluidas “With a Little Help From my Friends”, “Lucy in the Sky with Diamonds” y el tema que nos ocupa por supuestas referencias a las drogas.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Elton John anuncia: “No más giras”

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Por ahí se dice que todos venimos a un fin determinado a la tierra, que tenemos una misión que a nadie más se le asignó y quizás sea por eso y muchas cosas más que el tiempo es sumamente valioso. Y como reza en el Eclesiastés: “Todo tiene su tiempo”, “Tiempo de plantar y tiempo de arrancar lo plantado” y para Sir Elton John ha llegado el momento. El autor de “Candle in the wind” (el segundo single más vendido de todos los tiempos) anunció que se retirará de las giras para dedicarles más tiempo a sus dos hijos y a su esposo, el cineasta canadiense David Furnish. 

Al ofrecer un miniconcierto ante la prensa en Nueva York indicó: “He tenido una vida increíble y una carrera increíble, pero mi vida cambió, las prioridades de mi vida cambiaron”. Sin embargo aseguró que aunque ya no realizará tours, continuará creando álbumes, piezas para obras musicales y ofreciendo algunos conciertos, pero sólo en Gran Bretaña, es por ello que planea despedirse con una gira que durará tres años. Tras ésta noticia quizás también sea tiempo de redescubrir su música revalorando su portentosa trayectoria que este año cumple 50 años.

“El Farewell Yellow Brick Road Tour” arrancará en septiembre próximo en Las Vegas y abarcará 300 recitales en todo el mundo y aunque aún no se confirman fechas y destinos, se espera que América Latina sea parte del itinerario. Afirmó que aunque el año pasado estuvo delicado de salud por una infección, por el momento se encuentra muy bien.

Pero ¿Quién es Elton John?

Reginald Kenneth Dwight, mejor conocido como Elton John, nació en el suburbio de Pinner, perteneciente al condado Middlesex en Inglaterra el 25 de marzo de 1947 y desde la temprana edad de cuatro años comenzó a tocar el piano. El joven Reginald consiguió una beca a los 11 años para estudiar en la Royal Academy of Music ubicada en Londres donde estudió alrededor de cuatro años para finalmente abandonarla ya que descubrió que su camino no estaba en la vertiente clásica. En 1962 formó su primera banda llamada Bluesology con los músicos Long John Baldry y Elton Dean, de quienes adoptó el que sería su nombre artístico.

Ya en 1967 se unió musicalmente al letrista Bernie Taupin con el cual se dio a la tarea de escribir temas para diversos artistas y bandas como Lulu, The Hollies y The Scafold. En tanto su debut se registró en 1968 con un par de sencillos y en 1969 lanzó su primer álbum “Empty Sky”, pero su siguiente placa llamada simplemente “Elton John” fue el que alcanzó notoriedad al incluir “Your Song”, tema que entró a las listas de popularidad en Estados Unidos y Reino Unido.

Su racha en el pináculo del triunfo continuó en 1972 con canciones como “Rocket man”, “Crocodile Rock” y “Daniel”. Sin embargo sería hasta 1973 que con el álbum doble “Goodbye Yellow Brick Road” alcanzaría la cima, convirtiéndose en su proyecto más ovacionado con temas como  “Bennie and The Jets”, la mencionada “Candle in the Wind” y el tema que da título al disco. Éste trabajo ha vendido a la fecha más de 30 millones de copias y está dentro de la lista de los mejores 100 de toda la historia.

Así mismo desde ese momento fue reconocido en todo el mundo por su gran trabajo y es de destacar que entre 1972 y 1975 colocó siete discos en el primer sitio de los charts, sólo en Estados Unidos. Por otra parte en 1974 escribió e interpretó junto a John Lennon el éxito “Whatever Gets You Through The Night” de la placa del exBeatle “Walls and Bridges”, también el 28 de noviembre de 1974 Lennon aparecería con Elton en el Madison Square Garden, siendo ésta su última aparición en vivo, ya que se retiraría cinco años para cuidar de su hijo Sean Lennon y el resto es historiaEn 1975 participó en el rollo cinematográfico “Tommy”, escrito por Pete Townsend de The Who y para 1976 lanzaría al mercado el sencillo exitoso “Don´t Go Breaking My Heart” con su amiga y compañera de disquera Kiki Dee.

El compositor llamaba la atención no solamente por sus extraordinarios discos sino también por la indumentaria estrafalaria que lucía en sus shows, lo cual lo comenzó a identificar con un estilo propio. En determinado tiempo comenzó a realizar declaraciones sobre su bisexualidad y de hecho se casó con una mujer de la que se divorciaría tiempo después. Por otra parte su adicción a las drogas y un pequeño periodo de poco éxito lo llevaron a anunciar su retiro musical, cosa que afortunadamente no cumplió.

En las décadas de los 80 y 90 su carrera se vio paralizada, sin embargo sus discos cumplieron con las expectativas del público y siguió teniendo éxito. En 1985 participaría junto a luminarias como Queen, Eric Clapton, Phil Collins, entre otros en el concierto “Live Aid” llevado a cabo en el Estadio Wembley y en 1986 colaboró con los grandes Dionne Warwick y Stevie Wonder en el tema “That´s What Friends Are For”, convirtiéndose en éxito total y por la que ganarían el Grammy.

En otro orden de ideas, cabe mencionar que Elton John es uno de los promotores más acérrimos en la lucha contra el SIDA e incluso creó la Fundación Elton John contra el VIH/SIDA en 1992. En ese mismo año compartiría escenario con Queen, Axel Rose, Metallica, David Bowie, Robert Plant y Roger Daltrey en el homenaje “Freddie Mercury Tribute Concert” en donde interpretaría en honor de su gran amigo Freddie Mercury (recientemente fallecido) “Bohemian Rapsody” y “The Show Must Go On”.

Por otro lado en 1994 compuso “Can You Feel The Love Tonight?” para el Soundtrack de la cinta “El Rey León” y por la que obtuvo el Óscar a Mejor Canción en 1995, éste triunfo confirmó una vez más de qué está hecho Elton John. También en 1994 se dio a conocer su inclusión al Salón de la Fama del Rock y en el Salón de la Fama de Compositores, dándole así el merecido reconocimiento a su trabajo. En tanto en 1996 fue nombrado “Caballero del Imperio Británico” por la Reina Elizabeth II, con lo cual recibió el título de “Sir”. En contraparte, en 1997 sufrió un fuerte golpe emocional cuando sus amigos Gianni Versace y Diana de Gales fallecieron de manera trágica, el primero asesinado y la segunda en un accidente de tráfico. Para esto realizaría como homenaje a Lady Di una sentida adaptación de su gran tema de 1973 “Candle in the Wind” mismo que se convertiría en un rotundo éxito. Su talento también se dejó ver cuando en 1999 junto al autor inglés Tim Rice realizó una adaptación a la ópera Aida de Giuseppe Verdi, generando con ello un musical con canciones inéditas, mismo que le valió un premio Tony.

En los últimos años Elton John ha participado en diversos conciertos a beneficencia, además de colaborar con otros artistas. También después de muchos años de no trabajar juntos, vuelve a participar en un proyecto en conjunto con Bernie Taupin en un nuevo álbum: “Songs From The West Coast”. Así mismo lanza discos como “The Captain & the Kid” y “The Union” junto a Leon Russel, para rematar con la publicación en abril del año pasado con el fenomenal “217.11.70+” compuesto por las seis canciones originales de su directo “17-11-70”.

El cine y el teatro musical también le deben mucho a Sir Elton John colocando temas geniales para puestas como “Billy Elliot” o películas como Friends, lo cual deja claro que su talento no tiene límites. Finalmente, con la noticia de su retiro como concertista podemos decir que sirve como pretexto perfecto para desempolvar y justipreciar el gran material que ha dado como uno de los mejores y más exitosos músicos británicos no sólo del siglo XX sino de todos los tiempos.

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.