El lado sexy sesentero.

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Desde sus inicios el rock sirvió para representar diversas emociones e incluso desfogues, desde el inicio con Elvis Presley por ejemplo surgieron nuevas formas de actuar y de dirigirse, para muchos esto no era más que una rebeldía sin sentido y por ende se le satanizó hostigando a todo aquél que tuviera nexos con el género.

El mismo Elvis fue señalado por bailar sugerentemente, más tarde los mismos Rolling Stones serían considerados un peligro para las chicas, ellos y un largo etcétera tendrían un efecto similar en la sociedad mayor, que veían en el rock una forma de emancipación peligrosa.

Desde luego hubo temas con temática sensual, a veces hasta sexual, pero no todo lo que se llamaba rock seguía el mismo rumbo. Aquí un pequeño enlace sobre cortes en los cuales quedó manifestado el tabú de lo sensual en la corriente más importante (para muchos) del siglo XX.

1.-Unchained Melody. Una referencia clara de lo que es amar apasionadamente con tintes y referencias directas a un contacto más íntimo, pero sin caer en lo excesivo. La multiversionada canción fue escrita para la banda sonora de la cinta “Unchained” en 1955 por Hy Zaret y Alex North y estuvo nominada al Óscar el cual le fue arrebatado por “Love Is a Many Splendored Thing”.

Desde su nacimiento fue tan popular que en la misma semana se grabaron varias versiones, mismas que entraron al Top 30 de las listas, sin embargo en esta ocasión mencionaremos la versión de The Righteous Brothers lanzada en julio de 1965 y que se convirtió en todo un clásico de la época. Esta versión fue producida por el prominente productor Phil Spector y alcanzó los primeros lugares del Top Ten. Cobró un nuevo auge en 1990 tras ser utilizada como el tema principal de la película “Ghost” en 1990.

 

                                                                    Oh mi amor, mi querida, he deseado tanto tus caricias

                                                                                       Durante un largo, solitario tiempo.

 

2. Whola Lotta LoveLed Zeppelin. Robert Plant y compañía con una referencia sensual a todo lo que da desde el famoso riff de Jimmie Page hasta los candentes gemidos de Plant, sumándole una de las letras más sugerentes de la historia del rock, que dicho sea de paso también fue parte de un sonado plagio a “You need love” de Willie Dixon, el cual fallaría a su favor.

 

    Muy en el fondo mujer, necesitas amor.

                                                             Muévete para mí chica, quiero ser tu amante secreto.

Esta poderosa entrega de blues rock y efectos de jazz,  se grabó en Nueva York y en Los Angeles para el álbum “Led Zeppelin II” y su edición se terminó en Los Olympic Studios de Londres en 1969. Page tocó el icónico solo con una Les Paul Standard modelo “Sunburst 1958”.

3. Ball and Chain. En este breve conteo no podemos dejar de lado a la “Bruja Cósmica”, quien se entregaba por completo no sólo a su público sino a todo lo que cantaba, realmente vivía a flor de piel cada nota que pasaba por su garganta y como ella misma lo decía – Cada noche le hago el amor a 25 mil personas, después me voy sola a casa-.

Una referencia que da muestra de la fogosidad de Janis Joplin es el tema “Ball and Chain” escrita y cantada originalmente por la intérprete de blues Big Mama Thornton, sin embargo y a pesar de su extrtaordinaria vocalización fue la versión de la chica originaria de Port Arthur en 1967 en el Festival Monterey Pop y su posteriormente grabación la que encumbraron a las listas de éxitos. Janis era una fiel admiradora de Thornton y esta última reconocería en 1972 que se le permitió a Joplin interpretar su canción y recibir regalías por él. La letra habla sobre la necesidad de forma erótioca acompasada por acordes de blues que van desfazando el deseo de una mujer por probar el amor de un hombre.

  Cariño sólo porque tengo la necesidad, la necesidad, necesito tu amor

                                                                        yo quiero la oportunidad de probar, intentan, intentar, intentar. 

En realidad esto sólo fue una pequeña salpicada de los muchos, en verdad muchos cortes sensuales que se escribieron o interpretaron en los años 60. Finalmente les dejo una pequeña lista con otros temas que tuvieron cierta referencia al erotismo.

  1. Somebody to love – Jefferson Airplane (1967)
  2. I want you – The Beatles (1969)
  3. I need man to love – Janis Joplin (1968)
  4. Girl – The Beatles (1965)
  5. Let’s Spend the Night Together – The Rolling Stones (1967)
  6. Try -Janis Joplin (1969)
  7. Foxy Lady – Jimi Hendrix (1967)
  8. Lemon song – Led Zeppelin (1969)

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Thorbjørn Risager, el blusero danés.

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El blues es un género nacido en Estados Unidos. Surgió como un cántico, de la gente de raza negra, pletórico de lamentos ante la impotencia y el dolor por la esclavitud que vivían. Se nutrió del góspel y fue evolucionando en su temática, pero finalmente conservó ese espíritu de desconsuelo que es parte de la esencia humana. Muchas e importantes figuras han desfilado por esta categoría musical como Buddy Guy, T-Bone Walker, BB King, Muddy Waters, Howlin’ Wolf y Willie Dixon entre otros. Pero el blues también trascendió a los grupos de rock de blancos, muchos de ellos ingleses, que voltearon hacia este estilo y decidieron adoptarlo; The Rolling Stones fueron de esas primeras bandas en incluirlo en sus repertorios, a ellos se le sumaron The Yardbirds en donde su guitarrista Eric Clapton tuvo una gran influencia blusera que llevó a Cream y a los grupos en los que figuró. Personalidades del rock como Jimmy Page, Johnny Winter, John Mayall e incluso Elvis Presley sucumbieron ante el blues.

Thorbjørn Risager, es quizá, uno de los grandes representantes del blues en la actualidad. Nació el 19 de mayo de 1971 en Gundso, perteneciente al municipio de Roskilde, Dinamarca. Desde muy joven su pasión por la música lo llevó a estudiar en el Conservatorio de Música Rítmica en Copenhague. Con el gusto por el blues, fue hasta este siglo que en el año del 2003, formó una banda que se llamó Thorbjørn Risager Blue 7 con quienes comenzó a tocar en bares daneses y posteriormente grabaron su primer álbum llamado simplemente Live 2004 (2005). El material musical que presentó en ese primer disco era una mezcla del más rudo blues de Chicago con tintes de jazz los cuales llamaron la atención de la crítica de su país. Como lo dice el titulo, la grabación fue hecha en vivo y predominan bellas canciones como You Don´t Know What Love Is, en donde la guitarra de Risager destaca de forma impresionante. También temas como A Little Peace of Mind o Let The Good Times Roll lo vuelven toda una delicia a quien lo escucha.

Después saldría a la venta su siguiente disco que llevó por título From The Heart (2006) el cual también obtuvo buenas reseñas por parte de la prensa danesa. De aquí se desprenden piezas como Love Turned Cold que es la que inicia la obra, Heart of the Night, Same Old Blues y Burning Up. Con este segundo plato muchos medios, no sólo de su tierra natal si no de otras regiones, voltearon a ver y a escuchar lo que el danés estaba creando. En la biografía de su sitio web oficial, destaca que la publicación norteamericana especializa en blues – Blues Wax- en un artículo dedicado al músico europeo escribió: “Siguiente gran nombre en blues: Thorbjørn” y detalló en ese mismo texto “Risager tiene habilidades para componer canciones que coinciden con su voz más grande que la vida”. Además se menciona que cuando salió el álbum Here I AM (2007), esta misma revista redactó una reseña en la que se leía: “A veces la voz de un cantante se destaca y te obliga a escuchar. Tome una parte de Ray Charles, una parte de Bob Seger, y una parte de Joe Cocker, y es posible que tenga el instrumento vocal del danés Thorbjørn Risager”. Aunque en el tema que le da el nombre a la obra, Here I AM, el estilo de Risager es muy parecido al de Eric Clapton, no podemos negar que la voz del nórdico cumple con todos los requisitos para cantar el blues de manera extraordinaria y una muestra es la preciosa canción I Won´t Let You Down.

En el 2009 publicó un álbum en vivo al que bautizó como Live At Victoria y en el 2010 lanzó una producción titulada Track Record, la cual abre con Rock N Roll Ride una pieza que se volvió un sencillo exitoso. También sobresalen melodías como I’ll Be Moving On, Stand Beside Me y You Walked Right. Los dos siguientes trabajos de Risager fueron Dust and Scratchches (2012) y Between The Rock and Some Hard Blues (2013) que básicamente fue una colección de grandes éxitos.

Para la producción discográfica del 2014, Too Many Roads, Thorbjørn Risager decidió darles presencia a los músicos que lo habían acompañado por años por la cual formaron un grupo y se nombraron The Black Tornado. El álbum recibió varios premios en distintas regiones de Europa, incluyendo el mejor lanzamiento de blues de Dinamarca otorgado por la industria discográfica de aquel país. El tema If You Wanna Leave fue utilizado para el soundtrack de la serie de televisión norteamericana Lucifer. Muchos críticos de música coincidieron que Too Many Roads es la obra cumbre del danés. Lo cierto es que el álbum es una muestra de lo que el músico ya venía haciendo desde el principio de su carrera.

Thorbjørn Risager and The Black Tornado salieron de gira y se presentaron en distintos teatros, arenas y programas televisivos a lo largo y ancho de Europa. Además tocaron en el festival de blues más importante de Asia, Mahindra Blues, en Mumbai, La India. Para el año 2016 apareció el disco Songs From The Road, grabado en directo y en donde podemos apreciar la fuerza de la banda en concierto. Sin duda una obra indispensable.

El año pasado el músico lanzó su décima producción discográfica y la tercera con The Black Tornado, Change My Game (2017), del cual se desprenden los sencillos I Used To Love You y Hard Time. Pero además de estos singles podemos destacar Maybe It´s Alright, City of Love, Long Gone y Train. En el kit de prensa del álbum lo describe como “un álbum que rompe un nuevo terreno creativo, explora nuevas direcciones musicales y ofrece un audaz lote de canciones que son a la vez pegadizas e inmediatas, pero ricas en significado más profundo“.

Sin duda alguna Thorbjørn Risager and The Black Tornado es un grupo que vale muchísimo la pena escuchar y disfrutar de la música que han creado. De este lado del mundo es difícil conseguir su material discográfico en formato físico, pero gracias a las plataformas streaming podemos acceder al blues de este formidable artista que ya lleva muchos años en el camino de la música.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

THE BIRDS: El grupo británico que no despegó

Los años 60 vieron nacer a miles de agrupaciones provistas de una marcada creatividad, muchos dirán que la suerte los acompañó y así como hubo bandas que desbordaron una enorme racha de éxito, también existieron las que no contaron con la proyección necesaria y merecida. Mientras la escena era animada por múltiples conjuntos que dieron una identidad a la década con hits que a la fecha son memorables y recreados una y otra vez, otros batallaron por conseguir un lugar dentro del rock, un caso fiel de esto fueron The Birds, con I latina banda surgida en 1964 en Inglaterra (No confundir con el combo californiano formado también en ese año, y con el cual coincidían en nombre, sólo que estos últimos se presentaban como The Byrds)

En tanto The Birds comenzaron llamándose The Thunderbirds, sin embargo al saber que Chris Farlowe era acompañado por un grupo llamado así decidieron autonombrarse sólo The Birds. Ellos originarios del este de Londres comenzaron tocando en bares. Comandados por Ali McKenzie en la voz fueron reclutados por Decca Records tras su actuación en Ready Steady Go y su futuro parecía promisorio, pero al final se quedaron en el camino.

El estilo de la banda británica distaba totalmente de lo que interpretaban los pájaros americanos, su ejecución más bien se encaminaba a lo que tocaba The Who y agrupaciones como The Small Faces. En su momento The Birds fueron seguidos por un efectivo número de fans, sin embargo el problema residió en el poco apoyo que les dio su grabadora, la polémica Decca Records, misma que dejaría ir a The Beatles por preferir a The Tremeloes a principios de los 60.

El conjunto, visto a años de distancia poseía energía y un feeling que pocos en su momento, además contaba entre sus filas con el joven guitarrista Ronnie Wood, mismo que formaría parte de bandas míticas como Jeff Beck Group, The Faces y The Rolling Stones. La banda mostró entusiasmo y profesionalismo en todo momento y grabaron varios singles que hoy en día forman parte de la colección de verdaderos fanáticos del Rhythm and Blues y el Blues Rock, géneros que para entonces estaban en la cúspide.

Su mánager abrió litigio contra la banda The Byrds por “plagio”, sin embargo el pleito no prosperó entre otras cosas por la variante de la vocal, éste “mal sabor de boca” se intensificaría con la exitosa gira y repercusión de las aves americanas en Inglaterra. Su camino en Decca terminó en 1965 dejando como resultado muy pocas ventas de sus singles editados y uno más enlatado.

Por un lado son recordados por temas como “Leaving here” de 1965 y “You don’t love me”, pasando por remakes a canciones como “Run, run, run” que ya había dejado registrada con muy buena aceptación The Who, así mismo son considerados como parte fundamental de la Invasión Británica, misma que desarrollaría a varios grupos de todo Reino Unido dejando huella indeleble, su único “problema” era cruzar el continente para llegar a América y fijar su lugar como muchos de los más recordados, pero su suerte no estaba echada.

Su partida de Decca da paso a un acuerdo con Reaction Records donde graban entre otros singles “Say those magic words” en 1966 bajo el nombre de The Birds Birds, decisión que fue tomada para diferenciarlos de la banda americana comandada por Jim McGuinn. Mucha controversia causa que su éxito pendiera de un hilo sólo por tener similitud con The Byrds, aunque sólo por el nombre, cuestión que aún hoy hace eco.

Es digno mencionarse que una de las perlas que ofrecía The Birds era la colaboración de Ronnie Wood como compositor de varias de las melodías del grupo, entre ellas: “You’re on my mind”, “How can it be” y “Next in line” las cuales son muestra clara de lo que era para muchos lo más estruendoso en ese momento.

Para 1966 participaron en la cinta de terror “The Deadly Bees” dirigida por Freddie Francis donde presentaron el tema “That’s All I Need” creado nuevamente por Wood, pero su paso por el cine, para su infortunio no trajo nuevos aires favorables por lo que en 1967 el grupo decidió desintegrarse. Por otro lado, The Birds fue semillero para agrupaciones como The Creation y Ashton, Gardner and Dyke donde figuraron Ronnie Wood y Kim Gardner.

Menos famosos que The Byrds, The Birds son a esta fecha una de las promesas británicas que más deberían valorarse por eso mismo: Su breve, pero significativo paso por el rock dejó maravillas musicales como las mencionadas e inclusive lo que aún falta por reeditarse promete dar una sorpresa auditiva como pocas veces antes.

¿Cuestión de suerte? ¿Falta de apoyo? ¿Talento desaprovechado? Lo único cierto es que de no haber existido The Birds, el escenario del rock inglés se hubiera visto desprovisto de uno de los grupos más estridentes y asombrosos de la historia.

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Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Janis Joplin: La Reina eterna del Rock.

Pocas veces se da en el curso de la historia el nacimiento de seres dotados con un talento desbordante, la vida pone en el camino a seres acompañados por un magnetismo especial que proporciona la esperanza de un mundo mejor. Este es el caso de Janis Lyn Joplin: La primera súper estrella del rock. 

Nació el 19 de enero de 1943 bajo una familia tradicional y conservadora que claramente la rechazó desde siempre por ser “diferente”. De temperamento rebelde, desde su juventud lidio con el bullying y la soledad por lo que se refugió en la lectura, la pintura y la música, misma que la acompañaría hasta el final de sus días. Aficionada al blues y fiel seguidora de Bessie Smith, se basó en ella para transformar su vida, decisión que la llevaria a convertirse en un ícono sesentero.

Joplin electrificó a las masas desde el primer momento, su potente voz dejó claro que había llegado para convertirse en la mejor de todos los tiempos. Su leyenda comenzó a escribirse desde 1963 cuando al trasladarse a San Francisco se adentraría de lleno al circuito musical coincidiendo en locales de folk y rock con cantantes como Paul Kantner y Jorma Kaukonen, futuros miembros de Jefferson Airplane o incluso con agrupaciones como Grateful Dead. 

Sin embargo sus excesos con la bebida y las drogas la tenían muy mal y algunos de sus amigos la regresaron a casa de sus padres en Texas, donde pasó un tiempo en el que intentó retomar la vida que sus padres querían para ella e incluso estuvo a punto de casarse, pero la relación no se dió y pronto se aburrió y regresó a San Francisco en 1965 para redefinir su meta hacia el rock.

La chica de mirada triste y solitaria se hizo de una popularidad arrasadora que cobró vida completamente en el mítico Monterey Pop llevado a cabo en 1967, festival que fuera organizado por John Phillips de The Mamas and The Papas. Con esta actuación “La Dama blanca del blues” mostró todo su potencial en el escenario dejando perplejos a estrellas del rock como Mama Cass Eliott al interpretar “Ball and Chain”, un clásico de la gran Big Mama Thornton.

Incluso Columbia los firmó para lanzar su primer LP llamado Cheap Thrills cuyo lanzamiento fue un suceso alcanzando disco de oro en sólo tres días. El grupo seguía acaparando atención, sin embargo la fuerza y atractivo de Janis en el escenario dejaban a un lado a la banda, por lo que comenzaron las fricciones dentro del conjunto quien poco a poco mostraba descontento.

“La Bruja Cósmica”, fue parte no sólo de los años del anti-establishment de los años 60 sino también encabezó el “Verano del amor” fijando su reinado en el Acid Rock junto a cantantes como Grace Slick de Jefferson Airplane. Su pasó fue corto pero fructífero dejando cuatro placas de larga duración y otros documentos que hoy por hoy pueden disfrutarse gracias a la tecnología.

Fueron sólo tres años los que compartió con los fieles seguidores del blues-rock, tres años en los que vivió apresuradamente, como si en el fondo supiera que eran los únicos para crear su legado y dar paso a la leyenda que se cristalizaría con su muerte el 4 de octubre de 1970.

Amiga cercana de músicos de la talla de Jorma Kaukonen, Paul Kantner, Jerry García, Grace Slick y Jimmy Hendrix, fue también inspiración de canciones como “Janis”, escrita por Joe McDonald, líder de Country Joe McDonald and The Fish y Chealsea Hotel n°2 de Leonard Cohen, con quienes tuvo aventuras amorosas, además de “Pearl” canción dedicada por The Mamas and The Papas. Forma parte del Club de los 27 junto a otros astros como Jimmy Hendrix, Brian Jones y Jim Morrison con quien dicho sea de paso no tuvo una buena relación por el mal temperamento del cantante de The Doors. 

Woodstock fue para ella y para sus seguidores la confirmación de su status, sitio que se vio ensombrecido por el alto consumo de heroína que consumió, pero aun así fue como citó Pete Townsend de The Who: “Incluso en una noche mala, Janis estuvo increíble”. Esto queda claro al ver actuaciones en directo donde su manera de cantar deja al descubierto su pasión por lo que canta o como ella misma lo afirmaría: “Realmente no trato de pensar mucho cuando canto, tan sólo trato de sentir”.

Hoy a 47 años de distancia su recuerdo sigue generando seguidores en todo el mundo y continúa sembrando añoranza por aquellos años que recopilaron su camino en el rock que la coronó como su máxima representante una tarde de 1967. Su época fue onírica y lisérgica y si bien fue una persona incomprendida por la sociedad en su momento, hoy podemos decir que verdaderamente fue, es y será una buena amiga, la mejor cantante y sobre todo “La Reina del Rock”.

 

Leonard Cohen describiría parte de su encanto al escribir: “Te recuerdo claramente en el Hotel Chelsea, eras famosa, tu corazón era una leyenda”.

Un recuerdo para Janis Lyn Joplin quien sigue emocionando a más de una generación. Larga vida a Pearl.

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.