Rock

Los diez grandes discos del Rock Progresivo (1era Parte)

Para mediados de los años sesenta el rock empezaba a crear nuevas corrientes, tanto en su instrumentación como en los conceptos en sus letras en un plano de búsqueda y experimentación musical que iban acorde con los movimientos sociales, los cambios radicales que enfrentaban hacia la censura natural que representaban las generaciones anteriores y los nuevos espacios que se abrían a nuevos compositores y grupos que emanaban de movimientos artísticos como el Pop Art, la psicodelia, el Op Art que se consignaban muchos de éstos en el neo-dadaísmo, el happening, el abstraccionismo, el informalismo entre otros, donde salen a relucir nombres como el sicólogo filósofo Timothy Leary ya practicando varias experimentaciones a través del ácido lisérgico (LSD) y la marihuana, junto con Richard Alpert, el chileno Alexandro Jodorowsky mimo filosofo discípulo de Marcel Marceau con su astro-magia, la argentina Marta Minujin creadora del arte-objeto, hasta llegar a celebridades como Lichteinstein y Andy Warhol.

Una raíz importante en la música, para ir entendiendo éste género, fueron aquellos grupos que tuvieron ese encuentro tomando raíces como el mismo blues y el jazz para ir contemplando las métricas de la improvisación y el feeling para esa realización que ya contemplaba gran parte de lo que se formaría de la contracultura de la sociedad occidental. Antes de entrar en la materia específica sobre los 10 discos del rock progresivo que nos ocupa en éste artículo, es necesario recopilar los vasos comunicantes que formaron el parteaguas en la música y que se da a partir de 1965 con grupos como The Moody Blues, grupo inglés originario de Birmingham compuesto por Ray Thomas, Clint Warwick, Mike Pinder, Graeme Edge y por supuesto Denny Laine quien después formaría parte del grupo de WIngs de Paul McCartney en los años 70. Y es cuando se definen como los pioneros del llamado rock sinfónico con el disco Days of the future passed.  The Mothers of invention con Frank Zappa con el disco Freak Out! Incursionan en esa gama de nuevos conceptos del cual aquí en El Círculo Beatle, Arturo Espinosa nos amplía un poco más sobre la genialidad asombrosa de Zappa en artículo que se puede encontrar en nuestra página.

Sin duda, 1967 marcaría un hito más que importante en la creación de dos obras que definirían un paso hacia la evolución musical del rock como lo fueron el primer disco de la agrupación de Roger Waters, Dave Gilmour y Syd Barret (sobre éste último un impulsor creativo de la experimentación del cual ya escribí sobre él aquí en El Círculo Beatle) The Piper at the Gates of Down y por supuesto la obra que marcaría ese parteaguas como lo fue el álbum que se grababa a unos pasos del mismo de Pink Floyd, el Sgt. Peppers Lonely Hearts Club Band de The Beatles, que ya habían demostrado esos pasos evolutivos en álbumes como el Rubber Soul y el Revolver,

Otros nombres se impregnaban hacia otros grupos como Procol Harum, The Byrds o Deep Purple para ir adaptándose a las nuevas modalidades de grabación, ya en las consolas de 8 canales, los auriculares-bocinas que servían como monitores y a la vez parte de la grabación, la introducción de instrumentos originarios como el Citar, el Melotrón (padre del sintetizador usado posteriormente) el violín eléctrico y otros que recrearon varios temas que tenían como escuela la base de un Bela Bartok, Debussy o Stravinsky en sus notas más impactantes hasta llegar, quizá la mayor influencia, con Kartheinz Stockhausen como pilar fundamental del vanguardismo en la música electrónica.

Demos entonces paso a una primera parte de los 10 discos más significativos del género del rock progresivo y que en lo personal me marcaron en lo que yo considero mis influencias definitivas para el entendimiento filosófico-musical, claro adjunto a mi g principal: The Beatles.

Comenzamos.

THE DARK SIDE OF THE MOON / PINK FLOYD

Para 1973 es el octavo disco de larga duración de la banda de Pink Floyd. Es un compendio de temas ya disociados de lo que había construido Syd Barret en anteriores discos pero que habla de una caracterización tanto de Gilmour como de Waters para encontrarse con elementos que compondrían parte de su obra como el deterioro en la vida, el tiempo, la avaricia y la discordancia mental inspirada en el proceso que presentaba su ex miembro y ex fundador Syd Barret.

De la misma manera que en sus anteriores discos, fue grabado en los estudios de Abbey Road entre junio de 1972 y enero de 1973. Producido por ellos mismos tuvo la gran colaboración del ingeniero de sonido Alan Parsons quien estaba a punto también de incursionar con una nueva banda poco tiempo después, The Alan Parsons Project y que produjo una serie de creaciones sónicas que participaron en la grabación, tanto en la distorsión en las guitarras eléctricas y la incursión de loops de sonidos de stock que permitieron crear un ámbito sonoro ya practicado con anterioridad, pero con mayor amplitud y percepción.

La utilización de sintetizadores y el énfasis en citas filosóficas dieron como muestra una obra maestra sin precedentes dentro de la discografía del grupo, poniéndolos a la cabeza del rock progresivo que, junto con los avances vanguardistas, poco considerados para un hit comercial, logró sin duda alcanzar los primeros lugares del Billboard 200 y un éxito de ventas sin precedente alcanzando los 50 millones de copias considerado como el álbum más vendido de la historia del rock.

Fue presentado el 8 de febrero de 1973 en el Rainbow Theatre de Londres ante periodistas y críticos especializados en un concierto en vivo con la siguiente alineación en los instrumentos:

Dave Gilmour: Guitarra líder. Sintetizador VCS 3, Voz.  Roger Waters: Bajo, voz, sintetizador VCS 3, Richard Wright: Teclados, Sintetizador VCS 3. Nick Mason: Batería, percusiones y efectos sonoros.

Músicos adicionales: Dick Perry, Sax, Clare Torry, voz en The Great Gig in the Sky, Lesley Duncan, coros, Liza Strike, coros y Doris Troy, coros.

Escuchemos un tema que habla en específico sobre el entonces ya extrañado Syd Barret y su daño cerebral que padecía; Brian Damage, aunque está más bien abocada a quienes sufren los delirios de grandeza en determinados personajes enmarcados en nuestra historia contemporánea.

CLOSE TO THE EDGE / YES

Otro grupo británico representativo del género fue YES. Compuesto por Ian Anderson en la voz, Chris Square en el bajo, Steve Howe en la guitarra líder, Bill Bruford en la batería y un genio de los teclados y el órgano Rick Wakeman.

Es el quinto álbum de la agrupación tiene una estructura mucho más larga que demuestra dos temas con 4 subtemas por lado y una remasteriación en 2003 en su versión en CD con un lado 3 con obras que no habían sido seleccionadas, composiciones de Anderson/Howe/ Wakeman, para Atlantic Records.

La sobreimposición de ecos, de instrumentos y voces poco usado en el rock hasta entonces, logra una característica que se utilizaría como base para su álbum Tales from the topograpihic oceans, obra cumbre del grupo.

Close to the Edge es funcionalmente un recorrido de la obra de Hermann Hesse que habla de la vida de Brahmin Siddartha de los 18 a los 60 años hablando de los tópicos de la vida material y la vida espiritual y su encuentro hacia el camino al reino eterno. De ahí la intervención sonora de elementos terrenales como el agua, las aves siendo partícipes de la soberbia en la guitarra de Steve Howe y los teclados de Wakeman. En toda la obra se encuentran personajes viajantes en las notas y en las letras de Anderson, de tal forma que el disco mismo se convierte en una novela con ambientes e historias en cada uno de los temas.

Considerado como uno de los principales álbumes del rock progresivo que llegó al número 4 de ventas en Reino Unido y el número 3 en la Unión Americana.

Un tema por demás romántico, propio de ese paso que Siddartha caminó en su juventud para ir del amor hacia una futura pareja al encuentro de su maestro como cúspide del inicio de la sabiduría.

Los invito a que lo escuchemos y si alguna vez han leído a Hesse, es buen momento para hacerlo mientras escuchemos And you and I.

IN THE COURT OF THE CRIMSON KING / KING CRIMSON

Es el primer álbum del grupo King Crimson, producido y publicado en 1969 fue parte esencial tanto en su música vanguardista como el art rock por su portada, incluida como una de las portadas más significativas del rock, creación del artista Barry Godber.

Este grupo, liderado por Robert Flipp, logra una de las más profundas obras del rock progresivo por sus temas oscuros, la duración de cada canción, la instrumentación y la variedad de sonidos conmovedores que forman parte de una capacidad interna de quienes logran esa conceptualización del disco que quedó como, quizás, el más representativo de King Crimson.

El apocalipsis, el no-futuro y la reminiscencia de tiempos pasados es parte de esos temas que componen el disco. La utilización del mellotrón como de voces discordantes, son parte de la instrumentación y que incluso llegan a usarlos en sus conciertos en vivo.

Después de la grabación de la placa, el grupo en su forma original se disuelve y es Flipp quien se encarga en lo sucesivo de la banda no siempre con los mismos miembros que incluyó a músicos destacados como invitados, tanto en las sesiones de grabación como en conciertos en vivo, como fue el caso de el bajista Greg Lake que formaría el fabuloso trío de Emerson, Lake & Palmer.

King Crimson: Robert Flipp: guitarra líder. Michael Giles: Batería y percusiones. Greg Lake, bajo. Ian McDonald: alientos, coros y mellotrón. Peter Sinfield: Letrísta, arreglista e iluminación en conciertos.

El tema Epitaph es un número donde termina el Lado A el cual logra una aceptación muy grande entre sus seguidores y que a continuación los invito a escuchar en su versión original incluyendo March for no reason y Tomorrow and Tomorrow.

BRIAN SALAD SURGERY / EMERSON, LAKE & PALMER

Un álbum donde el trío Emerson, Lake & Palmer demuestra una gran capacidad ya como el cuarto de su serie de álbumes al igual que la serie de composiciones en las leras de Greg Lake y Peter Sinfield que venían de King Crimson.

La columna vertebral instrumental de éste trío recae de inmediato en Keith Emerson a los teclados con la utilización de los famosos sintetizadores Moog, los clavecín, el órgano, piano, acordeón, y un sintetizador fabricado exprofeso, el Moog Constellation y una voz de computadora utilizada para Karn Evil 9 3rd Impression en el lado B, como parte de las tres Karn Evil 9.

Greg Lake como lo habíamos descrito es el encargado de la guitarra, la acústica 6 y 12 cuerdas, voz principal y bajo.

Carl Palmer, genial percusionista y baterista, encargado de darle esa plataforma rítmica variante y de contrapeso en cada una de las obras.

Las obras tienen una tendencia a adaptar una serie de obras como el caso de Jerusalem, un himno homónimo muy popular en Inglaterra, así como Tocatta, versión adaptada de la obra del compositor argentino Alberto Ginastera Concierto para piano No. 1 el cual bajo su permiso lograron una buena aceptación del músico. Pasan de varias creaciones como ésta que tiene una variante en escalas como también en forma melódica de balada en Still… you turn me on.

En seguida escuchemos a continuación la adaptación de Ginastera en Tocatta, magistral en las percusiones de Palmer, el punteo de Lake y por supuesto las manos en los teclados futuristas de Emerson.

SELLING ENGLAND BY THE POUND / GENESIS

Se considera como el disco comercialmente más vendido de la banda, encabezada por Peter Gabriel, iniciado por el tema I know what i like (In your wardrobe) que logra una representación importante en los medios y en los charts.

Genesis, es una conjunción de talentos en todos sentidos. Comenzando con un Peter Gabriel que logra después de la banda una carrera solista muy importante, que aunque no hace a un lado del todo a su banda origen, llega a mostrar al mundo una gran capacidad de obras hasta la fecha. (Recomiendo ampliamente el artículo de Arturo Espinoza So, el gran momento de Peter Gabriel). Seguido de un Tony Banks en los teclados llevando otra gran maestría en los sintetizadores desde la fortaleza impactante hasta la fineza en varias tonalidades. Un Steve Hackett en la guitarra que logra siempre ese dueto con los teclados, un verdadero diálogo musical que realiza con el mismo Banks y un Mike Rutherford con su guitarra de 12 cuerdas. Y qué decir de su baterista, Phil Collins que no se comprime exclusivamente a este instrumento, sino que de pronto lo abandona para entrar a las voces, dándole a Genesis ese toque vocal muy identificable.

En el número de canciones destinadas a esta placa, Firth of fith, al igual que The Battle of the Epping forest son las obras que acompañarían a Genesis en varios de sus conciertos como parte de su repertorio en vivo. Hay que denotar que las grabaciones de Genesis en público abierto, son consideradas como las mejores y más fieles interpretaciones apegadas a su discografía por su calidad en sonido y pureza en su interpretación.

La mezcla y la variación de composiciones entre Banks, Rugherford y Gabriel, llegan a tener un balance excepcional en el disco, creando ambientes significativos, creativos en forma que logran tener unos niveles auditivos innovadores que hicieron de éste disco condecorado con discos de oro y un buen número de ventas.

A continuación escuchemos I know what I like (in your wardrobe) el número más corto, tan solo dos minutos a comparación de otras que alcanzan hasta los 11 minutos, pero donde podemos condensar esa creatividad en instrumentos como las percusiones y voces como la de Collins, Gabriel y Rutherford.

Y hasta aquí mi participación con mi columna semanal esperando siempre sus interesantes comentarios y nos vemos la próxima semana con la segunda parte de los 10 discos del rock progresivo.

Y no lo olviden:

BEATLES 4EVER!!!!

Comparte

Luis Carlos Pichardo

He escrito para varias publicaciones de distinta índole como ha sido las ya desaparecidas revistas Sonido y Conecte dedicadas a la música rock. Actualmente me dedico a trabajar en la industria cinematográfica en producciones tanto de series para televisión, cine y comerciales como gerente de producción y locaciones.

3 comentarios

Click aquí para comentar

Comenta

Este sitio usa Akismet para reducir el spam. Aprende cómo se procesan los datos de tus comentarios.

  • Me parece perfecto que se toquen temas de Prog Rock solo una aclaración respecto a la obra de King crimson, la portada no es obra de Peter Sinfield, sino de Barry Godber.Saludos

  • Un excelente primer recuento de las obras maestras del Prog, incluidas anécdotas y otra información poco disponible, solo una observación: la tapa del 21st. Century Schizoid Man de King Crimson, fue realizada por Barry Godber amigo de Pete Sinfield. Espero la segunda parte, Gracias !

Derechos Reservados

Recibe lo más reciente en tu correo

Introduce tu correo electrónico para suscribirte a ElCirculoBeatle.com y recibir notificaciones de nuevas entradas.

LO PUBLICADO

Los autores de ECB

Aldo Flores

Arturo Espinosa

Bernardo Suárez

LUIS CARLOS PICHARDO

Marco Antonio Brito

Miguel Brito

Tere Chacón
A %d blogueros les gusta esto: