Mi encuentro con Tony Sheridan aquel 2006

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Cualquier documental o biografía de Los Beatles, ya sea en video  o por escrito, menciona a Tony Sheridan como parte fundamental  de la primera etapa de la banda, con quienes grabó algunos temas además  de tocar con ellos en el Top Ten en Hamburgo, Alemania, e incluso él  mismo contaba que en  alguna ocasión lo invitaron a forma parte de la agrupación a lo que declinó  porque siempre se vio como solista.

Sus biógrafos dicen que nació en Inglaterra, Tony Sheridan creció en una casa fuertemente influenciada por la música clásica, aprendió a tocar el violín a una temprana edad. Dejó su escuela de gramática para estudiar artes y cambió su violín por una guitarra. En 1956 formó su primer grupo, visitando Londres a finales de 1957 y finalmente se mudó a Soho en 1958,  después de eso se convirtió en músico de sesión acompañando a artistas como Conway Twitty, Gene Vincent y Eddie Cochran, en 1958 tocó la guitarra solista con los Vince Taylor´s Playboys.

En junio de 1960, Tony and the Jets fueron a Hamburgo, para presentarse en el “Kaiserkeller”. Poco tiempo después Sheridan empezó a presentarse en el Top Ten Club. Aquí él estaba acompañado por varios grupos como Gerry & the Pacemakers y Los Beatles con los que vivió un rato, tiempo en el que Paul, John y George aprendieron mucho, por eso nombraron a Tony Sheridan “Teacher”; en principio, tuvieron que alterar su nombre,  en alemán, Beatles se pronuncia casi igual que la palabra que alude al órgano sexual masculino, por esto, el grupo de Lennon, McCartney, Harrison y  todavía Pete Best, fueron conocidos como The Beat Brothers.

Invitado por el productor Bert Kaempfert al estudio, Tony Sheridan y The Beatles grabaron algunas canciones para Polydor, después de esto Tony Sheridan grabó más canciones para Polydor y aceptó una gira por Australia, a mediados de los sesenta, su estilo musical sufrió una transformación abrupta, se alejó del rock and roll y llegó un blues o el jazz más orientado.

 

A pesar de que estas grabaciones fueron elogiadas por algunos, muchos fans de sus primeros trabajos se sintieron decepcionados. Este cambio se hizo evidente en su álbum de 1964 Just A Little Bit Of Tony Sheridan en donde se muestra un estilo parecido al jazz en lugar de rock. Tony Sheridan vivía  en Seestermühe, un pueblo al norte de Hamburgo, además de la música, estaba interesado en la heráldica y en el diseño de escudos, Tony Sheridan, el músico que a principios de la década de los 60 compartió escenario y estudios de grabación con  los Beatles murió en Hamburgo a los 72 años. Su familia ha informado  que Sheridan falleció el sábado 16 de Febrero de 2013 tras una larga enfermedad.

-El encuentro en  “BeatleFest” en la ciudad de Monterrey

 

Era el año 2006  cuando  tenía mi programa de radio  y televisión “ La Caverna” en Stereo Lobo y TV Lobo  cuando me llegó  la invitación para asistir al “BeatleFest” en la ciudad de Monterrey por parte de los buenos amigos admirados y respetados  beatlemanos  Humberto Sánchez y   Rolando Escamilla, en donde tendrían como plato  fuerte la presencia de Tony Sheridan,  arribé  a la ciudad  de Monterrey el 23 de septiembre de ese mismo año y después de establecerme en el hotel me fui rumbo al Parque  Fundidora, donde la fiesta comenzaba desde la entrada con mantas,  figuras de Los Beatles sentadas en las bancas y John , Paul, George y Ringo,  hechos botarga me saludaban, más adentro los expositores y  grupos musicales ambientaban la ocasión.

 

Los minutos avanzaban y  la emoción por ver cantar a Sheridan se acrecentaba,  pude disfrutar de la música  de grupos de gran fama como “Los Reno”  quienes interpretaron música de Los Beatles, de su estepa inicial, en covers al español y así luego de varias horas por fin se anunciaba la llegada de Tony Sheridan al Centro de las Artes  en las inmediaciones del Parque Fundidora,  gracias a mis buenos amigos Rolando y Humberto  tuve la fortuna  de estar  atrás del escenario de donde Tony Sheridan iba ofrecer su concierto.

 

Lo vi a pasar cerca de mí con su guitarra mientras se alistaba para salir al escenario acompañado de la banda  “Yellow Sub Band”,  (excelente banda norteña que siento no ha sido valorada como se merece y que acompañó a Tony en su concierto…no cualquiera) yo  traía mi cámara para grabar el concierto y me coloqué  justo  del lado derecho ; había una persona que cuidaba esa parte del escenario  y de repente se dejaron venir más  personas  con cámaras, el cuidador  les dijo que no podían estar de ese lado, yo empecé  desmontar mi cámara y el señor muy amable me dijo “usted se puede quedar” , a lo que le agradecí  enormemente, así que tomas de ese concierto y de ese ángulo puedo presumir que solo las tengo yo.

 

Al término de su concierto  y gracias al apoyo de los organizadores pude estar con Sheridan unos minutos, me presentaron mientras le decían  yo  que venía de Durango y que tenía (en ese entonces)  un programa de radio y televisión  llamado “La Caverna”… ¡“Oh Caverna, Very  good”!  exclamó mientras  me autografiaba un LP  y me tomaba una foto con él, Tony sonreía  y como todo músico bebía cerveza, recuerdo, estaba feliz por el aprecio y cariño de sus fans mexicanos.

 

 

Licenciado en comunicación con maestría en televisión educativa y duranguense de nacimiento, Geraldo Rosales ha sido creador de los programas de Radio como “Viaje Mágico y Misterioso” y “La Caverna de Liverpool”, se desempeñó por más de 11 años en el periódico Contexto de Durango como jefe de la sección de cultura y espectáculos .Actualmente imparte conferencias con temática de los Beatles y es el conductor del programa “El submarino Amarillo” que se transmite por TV UJED.

Grease, ¡40 años de grasa, cuero, copetes y rock n’ roll!

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Estamos ela antesala de los festejos por los 40 años de Grease -Vaselina en Hispanoamérica-, la película inspirada en los años 50’s que contaba las alocadas aventuras de un grupo de adolescentes enredados en líos de amor, música, alcohol, cigarrillos, bailes, y que cambió la vida de muchas generaciones al implementar un estilo de vida, porque sí, la vida fue distinta después de que Grease se proyectó en las pantallas de cine.

Mucho se ha hablado ya de las canciones y las magnificas actuaciones de Jhon Travolta y Olivia Newton-Jhon como protagonistas de esta historia, pero ¿cuál fue el impacto que genero Grease durante las futuras generaciones de adolescentes rebeldes? Supongo que para saber esto a detalle se tendría que hacer un interminable estudio durante décadas ya que no sólo influenció a la Generación X, sino que incluso en la actualidad “la moda Grease” sigue viva.

A finales de los 70’s la vida de la clasificada Generación X era un tanto insípida y sin una influencia realmente marcada en los adolescentes; las chicas pretendían ser un poco más rebeldes en su forma de vestir, la moda estaba cargada de colores llamativos, accesorios imposibles y pelos repletos de spray. Vaselina fue toda una revolución entre la juventud voraz de formas de expresión, de querer sentir y vivir el mundo de una manera diferente.

Imaginen entonces -o recuerden si a algunos les acomoda-, en esos años no existían millones de millenials marcando un estilo y ritmo de vida diferentes cada cinco minutos, las personas aún tenían marcada la forma de vida con la que vivían los Baby Boom (entre 62 y 77 años actualmente): Las chicas guardaban su virginidad hasta el matrimonio, se enamoraban locamente a primer vista, vestían tan tapadas como si el invierno durara todo el año y sus labores se centraban principalmente en el ámbito doméstico. El impacto de ver a una Sandy siendo irresistible con leggins negros entallados y zapatillas rojas brillantes en Grease fue inmenso.

Pero no solamente del lado femenino marcó tendencia, con Danny pasa lo mismo; un tipo supuestamente “rudo” que debe dar una imagen “rebelde” ante su pandilla, de repente lo vemos como todo un vanidoso chico metrosexual y sensible. Grease fue sin duda un adelanto en su tiempo, el cambio que mostraban los actores era lo que añoraba una generación con falta de identidad, leggins ajustados, autos tuneados, copetes levantados, chaquetas de cuero y actitud rock and roll… Es por eso que fue un éxito en taquilla y es por eso que el tiempo la convirtió en un clásico.

Y así fue como se instaló en los ideales de apariencia y comportamiento en los adolescentes de esa época, los modelos impuestos por los protagonistas fueron reproducidos y reproducidos hasta el cansancio principalmente por la Generación X, esa que ha visto cambiar constantemente los modos del mundo; desde el “como debe ser” de los Baby boomers hasta la euforia del internet y las redes sociales que manejan los Millenials, porque aunque no lo creas, no solamente fue un modelo a seguir exclusivo de esa generación, los copetes, las chamarras de cuero, los leggins, entre otros artículos han formado parte del outfit de las generaciones predecesoras que han sabido mezclarlos para mantenerlas aún vigentes.

Incluso es curioso ver que en pleno 2018 se sigue implementando en muchos lados las canciones y atuendos de la película, ya sea en festivales escolares, estilos musicales, teatro e incluso bandas que han copiado la forma (y no, no me refiero al rockabilly). Porque Grase vivirá por siempre entre las generaciones hasta que algún otro musical llegue a romper la barrera que puso.

Aquí, algunos datos curiosos para rememorar la cinta estrenada en 1978 y que seguramente no sabías:

  • A Elvis Presley le ofrecieron un papel importante dentro de la cinta, pero el rey del rock and roll rechazó rotundamente su participación.
  • Ninguno de los actores estaba en edad para asistir a la preparatoria ya que el actor más joven tenía 19 años e incluso superaban los 30.
  • “Hopelessly Devoted to You”, la canción nominada a los premios Oscar, fue grabada al final de la película porque no era del gusto total de los productores pero sentían que hacía falta una balada.
  • Durante las grabaciones de la escena de la carrera de coches, los actores se enfermaron debido a que el agua debajo del puente estaba contaminada.
  • La escena final, en la que Sandy y Danny cantan y bailan juntos, fue filmada en un sólo día en una feria pasajera que estuvo únicamente un día. Cuando intentaron grabar más ya se había ido.
  • Las canciones no seleccionadas para el musical, fueron colocadas inteligentemente en otras escenas como fondo musical.
  • “Look at me, I’m Sandra Dee” menciona a Elvis Presley, extrañamente fue filmada el mismo día en el que el cantante murió (16 de agosto de 1977).

¿Y tú que recuerdos tienes de esta maravillosa película?

 

 

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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Una Nueva Forma de Conquistar Chicas, 1951, y El Primer Bajo Eléctrico: el Fender Precision Bass

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 “…Daddy Sang Bass…”

                                                                            Johnny Cash, 1968

 Algo de lo que más nos apasiona en la música es el ritmo, y es por eso que el Rock and Roll fue, es y seguirá siendo uno de los géneros consentidos en la preferencia musical del público. En un grupo musical moderno, la sección rítmica consta en su mínima expresión de un instrumento de percusión (llámese tarola, tambor, platillos o todo ello junto, denominándose batería), y un instrumento de cuerda con afinación de una ,dos o tres octavas por abajo digamos de una guitarra, que desde hace más de un siglo se le conoce como Slap Bass, Stand Bass, Double Bass o en español con el nombre cuasi académico de contrabajo, y en los bajos mundos por el simpático nombre de tololoche.

Esta sección rítmica fue más conocida y disfrutada desde la primera década del siglo pasado con las orquestas y conjuntos que empezaban a tocar música bailable en los salones, y sobre todo en las orquestas americanas que tocaban géneros musicales como el Rag y el Jazz; todo ello duró en boga unos veinte años más o menos, hasta que por ahí de 1935 se empezó a tocar una música deliciosamente bailable que conoceríamos en todo el mundo como Swing. La necesidad de un mejor y más potente sonido así como de una mayor proyección musical, como en el caso de la guitarra, creo la necesidad de tener un instrumento bajo amplificable. Un ingeniero de la compañía de electrónicos Audiovox, Paul Tutmerc, desarrolló el primer bajo eléctrico de la historia en 1932-1933, sin embargo era un instrumento con mayor complicación de ejecución y traslado que un contrabajo normal. La leyenda constructora y diseñadora de la Gibson,  Lloyd Loar, también desarrolló un instrumento con el sello distintivo de los contrabajos eléctricos de la actualidad, delgados y sin caja de resonancia, pero no fue del agrado de los jerarcas de Kalamazoo, por lo que se le archivó en alguna obscura bodega de la fábrica, para ya no saberse nunca más del prototipo.

El año 1951 se sentía en nuestro país algo turbulento, pues era el año preliminar a las elecciones para sustituir al Lic. Miguel Alemán Valdés en la presidencia del país-Mickey Mouse para los cuates- cuyo sexenio se había distinguido por dos cosas principalmente: obra pública a pasto (hay que reconocerlo) mucha de la cual aún es infraestructura importante en la actualidad, y una percepción generalizada en la sociedad de un concepto que no se había manejado tanto nunca antes: la corrupción del gobierno. Eran tiempos de posguerra, estabilidad financiera, donde las preocupaciones cotidianas eran la carestía (la carne, leche y verduras estaban por las nubes)y los acaparadores (Sobre todo de semillas, cereales y gramíneas; maíz, frijol, arroz, trigo, etc.) que compraban la casi totalidad de la producción nacional para ocultarla y revenderla al precio que se les hincharan los pies; sugiero al lector ver la película ” La Ilusión Viaja en Tranvía ” filmada en 1952, que refleja ese México del que les platico.

Hablando de cine, fue el año cumbre de la películas de rumberas y arrabal, -sub-géneros cinematográficos aportación de México al mundo- y les doy algunos ejemplos de cintas señeras de ese año: “Acá las Tortas” “La Tienda De La Esquina” ,”Víctimas del Pecado”, “Perdida”, ” Casa de Vecindad”, “Baile Mi Rey” “A Toda Máquina” y su secuela “Que Te Ha Dado Esa Mujer”, por mencionar algunas; las canciones en español que la rifaban eran “Dios No Lo Quiera” “La Noche Es Nuestra” Los Panchos a todo tren con “Sin Ti” y “Caminemos” la muy simpática ” María Cristina” -la que me quiere gobernar-y los que escuchaban estaciones con música americana, como Radio Mil y la Radio 6:20, gozaban con “Unforgettable” de Nat King Cole, “Come On To My House” de la bizarra y divertida tía de George Clooney, la Sra. Rosemary, “How High The Moon” en la magnífica y vanguardista versión electrificada de Les Paul & Mary Ford, así como la clásica standard “Cry” del sollozante Johnny Ray; los Azules de Veracruz fueron los campeones del béisbol mexicano, mientras en las ligas mayores los Yankees derrotaron a los Giants, en una serie mundial neoyorkina, y en el inefable pan-bol, aquellos héroes antiguos que se soplaron el torneo local fueron testigos del último campeonato del Atlas hasta la fecha. Ya llovió desde eso, sin duda.

En medio de ese entorno,  en 1951 y en Sunny California, el legendario Clarence “Leo ” Fender, habiendo puesto el changarro en paz después del lanzamiento de la primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo viable comercialmente, y de llamarla en definitiva “Telecaster” (ver publicación anterior Aquí empezó todo, Clarence, una breve historia y la Fender Telecaster, aquí en El Círculo Beatle), y entusiasmado a medias por los primeros resultados de la misma, con fe ciega decide adoptar una estrategia similar con el bajo, electrificarlo para amplificarlo; aquí tiene lugar una doble genialidad, demasiado importante para pasarla por alto, que es darle una voz propia al bajista de la banda con un instrumento mandón, insolente, provocador, altisonante, con carácter propio que, debidamente ejecutado, puede volverte el centro de atención del elemento femenino que va a las tocadas. Y eso, en los inicios de la era del rock, no era poca cosa. Cierto es que algunos contrabajistas tenían montadas algunas rutinas graciosas y vistosas a la hora de tocar, como subirse al contrabajo, acostarse en el suelo con él o cargarlo como una guitarra, no pasaban de ser gracejadas que le restaban seriedad al papel protagónico que el bajista debía tener.

¿Cómo lograr el amplificar el grave sonido del bajo y a la vez, volverlo un instrumento musical viable en el futuro inmediato? Ahora la respuesta es muy sencilla: fabricando una guitarra baja, una octava exacta más abajo de la afinación Standard y utilizando de la tercera a la sexta cuerda para usar la afinación EADG (Mi-La-Re-Sol), para marcar las notas tónicas (las del tono)en una canción, según el mismo principio del Double Bass; la razón por la cual esta guitarra bajo se llama Precision es porque su diapasón o trastero cuenta con veinte espacios entre tonos (trastes) a diferencia del contrabajo tradicional, que carece de trastes y requiere de más experiencia para localizar las notas en el mismo. Con ello se obtiene la ventaja adicional de que el aprender a tocarlo sería más fácil, pues se utilizarían métodos más afines a los que se usaban para guitarra, todo bajista moderno empezaría como guitarrista.

Con esas bases y principios, el diseño de la guitarra bajo no se veía más complicado; pero los primeros diseños basados en la figura de la Telecaster no eran del agrado de Clarence ni del Doc Kaufman; según sus palabras, sólo se veía como un remo o un stick de Hockey más largo que la Telecaster y la Esquire. Pero con la terquedad  característica de los grandes genios, tuvo un arranque de inspiración al juguetear con un artefacto que llegamos a conocer en México hasta principios de los 70’s y que era sumamente divertido, el ” Espirógrafo” maravilla auxiliar de dibujo que los niños actuales nunca conocerán y que es un gran apoyo para diseños curvilíneos; aquí fue muy sencillo el desarrollar las curvas naturales de la guitarra en vez de redondearlas de forma normal, el involucionarlas hacia adentro , resultando los famosos cuernos superiores del diseño. Esto le permitiría al bajista alcanzar los trastes inferiores para desarrollar licks y riffs al bajista como un guitarrista, así como aligerar en general el instrumento. Por otra parte, encuadrar las curvas inferiores, y no dejarlas redondeadas, le proporcionaba al ejecutante comodidad de agarre y un tacto más amigable del instrumento. No cabe duda que ese diseño daría mucho más de que hablar en junio de 1954, cuando se usó como base para la guitarra más famosa de todos los tiempos: La Fender Stratocaster, de la que hablaré en una próxima entrega.

El largo del brazo, o la escala, se ubicó en una proporción intermedia entre un contrabajo normal y el de la Telecaster, para darle viabilidad al nuevo diseño y facilitar su ejecución para los contrabajistas y los guitarristas que migraron al nuevo instrumento; quedó con la longitud que se ha vuelto standard de esos tiempos para acá,de 34 pulgadas. Con esto, se abrían posibilidades hasta antes insospechadas para el ejecutante del bajo en los grupos musicales, pues ya podía aparecer al frente junto con el cantante/guitarrista, y podría ser más visible y escuchable. Y uno de los fines inconfesables de crear una banda, es ligar chicas sin duda alguna; vaya que el bajista se convirtió en foco de atención.

Como tal cosa no podría suceder sin un buen sistema de amplificación, Fender desarrolla un ampli novedoso y razonablemente portátil, que se conoció como el Fender Bassman, que resultó ser más atractivo para guitarristas, por su sonido tan peculiar, con una distorsión ligera de respuesta de su combinación de bulbos y bocinas, y por su potencia de fábrica; talentos como Buddy Holly y Link Wray lo empezaron a usar para la amplificación de sus Stratocasters en vivo y estudio. Ahora sí, el bajista podía hacer muchas cosas que no podía antes, y empezó también a ser una figura indispensable de los grupos musicales, con un sonido que hacía voltear a los y las fans, y a proporcionar mucho sexy y soul a la música; pero sobre todo a manejar el único instrumento musical que puede hacer ritmo, marcar acentos, hacer solos e integrarse con el baterista en la misma canción. Y empezaron también a formarse los grandes estrellas bajistas, de las que les hablaré un poco más tarde.

El primer Precision Bass de Fender, con el headstock (cabezal) similar al de la Telecaster, clavijas afinadoras de contrabajo y una sola pastilla, dura vigente desde 1951 y hasta 1953, cuando viene el primer rediseño relevante: el añadir un rebaje de contorno en la parte trasera, a efecto de hacer más cómodo el traerlo pegado al cuerpo; en 1957 se modifica el pickguard, (golpeador) se agregan tapas metálicas a efecto de evitar ruido en el ampli que recogía la pastilla, y se establece como standard la pastilla Split-Coil de doble bobinado, que le brinda un sonido más agresivo y profundo a la vez. En 1959 se introduce el diapasón de palo de rosa, así como el acabado sunburst de tres tonos, y el cabezal de tipo Stratocaster se vuelve standard. En 1968, se reintroduce el primer diseño del Precision Bass y se le rebautiza como Telecaster Bass permaneciendo en el catálogo hasta 1981, fuera de ahí, el diseño no ha cambiado gran cosa, y se ha quedado como un diseño clásico. Escuchemos un Precision Bass, en una primera muestra de su punch rítmico, de 1965:

Rescue Me, Fontella Bass

A lo largo del artículo, les compartiré unas muestras del sonido clásico del Fender Precision Bass, ahora les comparto su ficha técnica:

Cuerpo: Madera de Aliso (alder)

Cuello: Maple, a partir de 1959, trastero de Palo de Rosa, atornillado al cuerpo

Pastilla: Split- Coil pasiva

Controles: volumen y tono

Largo de la escala: 34″ (864 mm)

Ahora será importante mencionar a algunos bajistas solistas, músicos de sesión y de grupos muy relevantes, que han usado este bello instrumento; cabe mencionar que el bajista más famoso y talentoso de todos los tiempos, nuestro consentido Paul McCartney, aparece solo en una foto con un Precision Bass, y no ubico ninguna grabación en que lo haya usado. Una breve lista, forzosamente incompleta, de estrellas bajistas:

John Paul Jones, Led Zeppelin 

Jaco Pastorius, Weather Report

John Enwistle, The Who

Jack Bruce, Cream

Abraham Laboriel

Brian Bennett, The Shadows

Joe Osborn,

Carol Kaye,

Pino Palladino, y

Marcus Miller, The Wrecking Crew

Brian Wilson, The Beach Boys

Chas Chandler, Annimals

Flea, Red Hot Chili Peppers

Mike Dirnt, Green Day

James Jamerson, músico de sesión de Motown 

Y la lista es interminable.

Escucharemos a este último con una muestra excelente del uso de un Precision Bass, My Girl, con los Temptations:

Será justo también mencionar a algunos pioneros del rock mexicano, destacados en el instrumento de las cuatro cuerdas:

Escucharemos también a dos de ellos, demostrando su pericia en el Precision Bass, Enrique Ampudia, de 1961:

Hotel de los Corazones Rotos, Los Hooligans 

Y un bajista que estuvo con los Teen Tops para sus primeras grabaciones y algunas presentaciones en vivo, y que se sabe muy poco de él, Rogelio Tenorio: Rey Criollo, de 1961.

Algunas fuentes citan que ya es finado desde hace muchos años. Lo que sí es cierto, es que Enrique Guzmán tocó el bajo en vivo y en estudio durante un buen rato con los Teen Tops.

Curiosidades del instrumento de las cuerdas gordas 

*Al contrabajo se le ha apodado entre los músicos de las bandas “La Perrera” (“The Dog House”) por qué se decía que el interior del mismo está vacío, húmedo y frío.

*Un Precision Bass se vendía en 1951, en $195.50 USD (£70) equivalente a $833 MXN de la época; en México, una rica comida corrida de aquellos años fluctuaba de cuatro a seis pesos, un buen par de zapatos para caballero te costaba desde $90 a $150 pesos en promedio, para establecer un parámetro.

*El primer usuario del Precision Bass fue el jazzista Monk Montgomery, de la banda de Lionel Hampton (quien colaboró musicalmente con personajes de la talla de Benny Goodman), el primer usuario en el género de Country & Western fue el guitarrista estrella Spade Cooley, amigo personal de Leo Fender. También él fue el primero en usar el Fender Bassman como ampli para guitarra, pues era un guitarrista de polendas.

*A pesar de que existen fotografías de bajistas estrella como John Enwistle de The Who, Bill Wyman de los Rolling Stones o Stu Cook de Creedence con sendos bajos Precision, no hay ninguna documentación de que los hayan usado para grabar o en algún concierto en vivo. También se pretendió por parte de los ejecutivos de Fender el que The Beatles fueran embajadores de la marca, pero Brian Epstein les comentó que a los chicos no les habían terminado de gustar los instrumentos Fender; sin embargo, la historia consigna que todos menos Ringo compraron de su pecunio personal tres Stratocasters en Sonic Blue, y fueron usadas en las grabaciones de “Nowhere Man” y de “Ticket to Ride”, en 1965. Los únicos usos documentados de un bajo Fender por parte de The Beatles están plasmados en los videos de las sesiones de The White Album, de Let It Be, y del video para TV de Hey Jude, el Instrumento en cuestión es un Fender VI, bajo de seis cuerdas que es más bien una guitarra barítona (guitarra afinada una octava exacta abajo de la tradicional) que fue introducida al mercado en 1962, tres años antes del bajo de 5 cuerdas Fender V, ambos instrumentos pioneros en tales formatos.

*El primer bajo eléctrico de forma de violín estuvo a punto de ser Fender; pero el consenso entre los representantes de ventas, el Doc Kaufman y el mismísimo Leo lo descartaron después de ver algunos bocetos. Lamentablemente no existen registros de los mismos, pero en esos años incluso estuvieron a punto de demandar a la Gibson por la enorme similitud entre el diseño de Fender al comercializado a partir de 1953 por Gibson, el mítico y horrible EB-1, primer bajo violín en la historia, y muy pesado, gracias a su construcción de caoba integral. La última risa la tuvo Hofner, que con su Modelo 500 ha vendido bajos eléctricos de madera balsa como tortillas, gracias a un simpático y talentoso músico de Liverpool.

*En México, existió siempre la duda entre músicos de cuál había sido el primer bajo eléctrico que había llegado al país, y quien era el poseedor original y pionero. Después de darle varias vueltas al tema y de preguntar y repreguntar a los originales músicos aún vivos, se puede establecer lo siguiente:

El primer bajo eléctrico que llegó al país fue parte de un pedido de algunos instrumentos por parte del Sr. Federico Engler, jefe de ventas de la Casa Veerkamp de Mesones y Bolívar, quien trajo un Precision Bass 1957 para el buen amigo Carlos González Loftus, bajista de The Black Jeans (saludos mi amigo!), y que llegó con la Jazzmaster 1958 que usaría el buen amigo y guitarrista virtuoso Diego González de Cossío para la misma agrupación, y sus respectivos amplificadores; igual es un detalle de poca relevancia en la actualidad, pero a mí me encantan todas esas trivias para darle sabor a artículos como este, no creen?

*Otros grandes bajistas pioneros mexicanos que usaron este hermoso instrumento, fueron Mario Sanabria, De Los Locos del Ritmo, Ramón Rodríguez de Los Sinners, Enrique Ampudia, de Los Rippers y Los Hooligans, y Marco Polo Tena, de Los Rebeldes del Rock, por citar algunos; otra alternativa económica en los años pioneros del rock and roll en nuestro país, contemplaba también los bajos eléctricos vendidos por catálogo en Sears, fabricados por Danelectro y comercializados con la marca propia -de decente a buena calidad, por cierto-Silvertone.

A lo largo de los años, Fender ha encontrado una verdadera mina de oro en reeditar una y otra vez el catálogo clásico de instrumentos vintage, y produciendo de forma limitada alguna característica novedosa de diseño o electrónica, para seguir teniendo la idea de estar innovando algo; como dice el viejo dicho, si funciona, no lo compongas. Nuevos colores, combinaciones de pastillas bajo pedido, pickguards de diferentes materiales, maderas exóticas, en fin, lo que se te ocurra; cualquier combinación se hace realidad en el Custom Shop.

Acabo esta breve reseña de un instrumento venerable y fresco a la vez, con magia, que cumple 67 años y que como el ratón Miguelito, tiene varios años y sigue tan jovencito, y que no ha terminado de ser explotado todo su potencial ; es emocionante conectarlo, afinarlo y tocarlo, sobre todo en un Rock and Roll. Y en un Blues. Y en Country. Y en el Surf, y en cualquier género musical, un Precision Bass de Fender es EL instrumento por excelencia. Y uno de los mejores, Donald “Duck” Dunn, para despedir la presente; espero les agrade esta reseña que escribe un aficionado de hueso colorado  bajo eléctrico. ¡Hasta la próxima!

Time Is Tight, Booker T & The MG’s, 1970

     “….Mr. Bassman, you’ve got that certain somethin’, you set that music thumpin’…”

                                                 Mr. Bassman, Johnny Cymbal, 1960

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Live Aid, 33 años del mega concierto que dio paso al llamado día mundial del rock.

El sábado 13 de julio de 1985, hace 33 años, se llevó a cabo uno de los espectáculos musicales altruistas más importantes del siglo XX, nos referimos a Live Aid. Un evento transcontinental creado y organizado por el líder del grupo Boomtown Rats, Bob Geldof. Un mega concierto visto por miles de asistentes a las sedes principales en Londres y Philadelphia (además de shows alternos que se agregaron en lugares como Australia, Unión Soviética, Austria, Alemania, Holanda, Yugoslavia y Japón) y por millones de televidentes alrededor del mundo.

Todo comenzó cuando a finales de 1984, Bob Geldof vio en la televisión un reportaje acerca de la terrible hambruna que se estaba viviendo en el continente africano, en especial en Etiopía. Las fuertes imágenes de niños y adultos muriendo por falta de alimentos y atención médica lo conmovieron de tal manera que, junto a Midge Ure de la banda Ultravox, compuso el tema Do They Know It´s Christmas? Para la grabación se puso en contacto con varios músicos famosos. El llamado fue atendido por artistas del calibre de George Michael del dueto Wham, Simon Le Bon, Nick Rhodes, John y Roger Taylor de Duran Duran, Phil Collins, Sting; Boy George y Jon Moss de Culture Club, Bono y Adam Clayton de U2; Rick Parfitt y Francis Rossi de Status Quo y algunos integrantes de grupos como Spandau Ballet, Ultravox, Boomtown Rats y Bananarama entre muchos otros. Todos ellos se reunieron el 25 de noviembre de 1984, bajo el nombre de Band Aid, en los Estudios Sarm West de Londres, para contribuir con su granito de arena en la canción que salió a la venta el 3 de diciembre en un sencillo que contenía una versión remix, en donde se incluyeron saludos navideños de los músicos participantes y llamadas telefónicas, de los que no pudieron asistir, como las de Paul McCartney, David Bowie y Paul Weller. Las ganancias de la venta de la canción fueron donadas a fundaciones dedicadas a la ayuda para Etiopía.

Una vez salida la canción al mercado y ser un éxito, todos voltearon a ver la problemática de Etiopía. En 1985 en Estados Unidos, Michael Jackson y Lionel Richie escribieron el tema We Are The World y al igual que lo hizo Bob Geldof (quien por cierto asistió ese día a la grabación y dio un discurso acerca de la situación en África) llamaron a músicos de aquel país a colaborar y aportar su talento. Celebridades como Bruce Springsteen, Bob Dylan, Paul Simon, Steve Perry, Billy Joel, Kenny Rogers, Diana Ross, Bette Midler, Dionne Warwick, Huey Lewis, Cyndi Lauper, Ray Charles, Al Jerreau, Daryl Hall y Smokey Robinson se dieron cita el 28 de enero de 1985 en los studios A&M en Los Angeles, California, para ser parte del proyecto que fue bautizado como Usa For Africa. La canción, producida por Quincy Jones, fue publicada como sencillo y dentro de un álbum en donde venían canciones donadas por parte de Bruce Springsteen, Tina Turner, Steve Perry, Chicago, The Pointer Sisters y Prince and The Revolution para auxiliar al país en desgracia.

Pero los sencillos no fueron suficientes para Geldof, por lo que comprendió que tenía que hacer algo mucho más allá para poder ayudar a los africanos. Se comenta que fue Boy George quien sugirió a Bob Geldof realizar un concierto con las estrellas que habían participado con Band Aid. El músico irlandés presentó el proyecto a los promotores Harvey Goldsmith quien se encargó de agendarlo en el estadio de Wembley en Londres y al legendario Bill Graham que lo organizó en el estadio John F. Kennedy en Philadelphia. Asimismo en otros países, varios empresarios musicales, ya entusiasmados por la idea, organizaron shows paralelos a los dos principales escenarios para contribuir con apoyo financiero para Etiopía.

En Inglaterra la BBC y en Estados Unidos la televisora ABC, así como la joven cadena de videos MTV, se encargaron de transmitir las más de 16 horas que duró el concierto y que llegó a 150 países con una audiencia estimada en más de un billón de televidentes. También al existir diferencias en los horarios en Europa y Estados Unidos, en Wembley el concierto comenzó al mediodía y en algún punto de la tarde, al dar inicio la actividad matutina en Philadelphia, hubo una transmisión vía satélite para que en ambos estadios (en los cuales se colocaron pantallas gigantes) y en la televisión se pudieran ver simultáneamente todas las presentaciones de los grupos que tocaron ese día.

Fue una labor titánica el conseguir a los cantantes y grupos para ese día, 13 de julio de 1985, ya que no se les pagaría ni un centavo. Hasta ese momento jamás se habían presentado tantos y diversos artistas importantes sobre un mismo escenario. En Wembley la tarde arrancó con Status Quo, para después entrar Paul Weller con su banda Style Council, Bob Geldof con Boomtown Rats y así la jornada fue transcurriendo con grupos y solistas importantes como Sting, Phil Collins, Bryan Ferry que fue acompañado por David Gilmour en la guitarra; Elvis Costello y Paul Young. Llegó el momento en que Philadelphia comenzaría su participación, a las 9 de la mañana, por lo cual se abrió la transmisión vía satélite, desde Londres, en donde la banda elegida para este momento, además presentada por el actor Jack Nicholson, fue U2, quien le mostró al mundo su enorme talento y el carisma de su vocalista Bono.

Ya con las actividades iniciadas en Estados Unidos, y sumadas las de Inglaterra, ese día se pudieron disfrutar de grandes actuaciones en ambos estadios con artistas como Queen, Dire Straits, David Bowie, The Who, Elton John, George Michael, Black Sabbath, Joan Baez, Judas Priest, REO Speedwagon, Madonna, Tom Petty and The Heartbreakers,The Cars, Simple Minds, Mick Jagger, Tina Turner, Santana, Duran Duran, Bob Dylan y la reunión de Led Zeppelin entre muchas otras .

En el estadio de Wembley una vez terminada la estupenda actuación de Elton John, los roadies dejaron su piano blanco en el escenario. Momentos después ingresaron Freddie Mercury y Brian May para tocar la canción Is This The World We Created? Luego de su aportación, nadie se esperaba la siguiente sorpresa de la noche, cuando comenzaron a escucharse las notas de Let It Be en el piano de Elton John. Paul McCartney se presentó esa noche, luego de no haberlo hecho en público en algún tiempo, cantando ese himno de The Beatles. Lamentablemente el momento no pudo ser perfecto porque falló su micrófono (situación que se corrigió para la versión dvd), pero salieron David Bowie, Pete Townshend, Alison Moyet y Bob Geldof a cantar junto a el legendario exbeatle. El final en Londres fue épico cuando todos los músicos que participaron a lo largo del día salieron para cantar Do They Know It´s Christmas? En ese momento vimos juntos, hombro con hombro, a Paul McCartney, David Bowie, Freddie Mercury, Bono, George Michael, Roger Daltrey, Sting y Elton John en un mismo escenario, en una estampa que jamás se volverá a repetir.

Mientras que en Philadelphia, después del cierre en Wembley, hubo también grandes shows aunque su final, con We Are The World, no tuvo la fuerza del de los ingleses. Las ganancias generadas por los conciertos de Live Aid fueron aproximadamente de 283 millones de dólares. Actualmente existe como una  fundación la cual recibe donaciones para continuar con su labor de ayuda. Para seguir recaudando dinero para la noble causa, se editó un boxset de cuatro dvds con casi la mayoría de las grupos y solistas que se presentaron en ese día.

En México tuvimos la oportunidad de poder ver parte de esa festividad musical a través de Canal 5, curiosamente el mismo día 13 de julio, en una emisión que comenzó alrededor de las 9 de la noche y terminó pasada la media noche. Para ese programa se convocó a Víctor Manuel Lujan de W Rock, a Federico Lira de Rock 101 y a otros dos desconocidos para conducirlo. Claro que ellos pensaron que estaban narrando un partido de futbol y se la pasaron hablando y educándonos en rock encima de las canciones transmitidas, lo cual ensució ese especial.

En radio, fue a través de la estación Rock 101, que retomó la señal internacional radial generada para la transmisión, la que nos presentó Live Aid de manera completa. Mientras salía un grupo y se preparaba el otro, Rock 101 programó canciones de su catálogo, pero las interrumpía al momento de que se presentaba un artista en el escenario de Wembley o del JFK.

Han pasado 32 años de ese histórico evento que marcó a toda una generación que tuvo la oportunidad de presenciarlo en algunos de los estadios o desde su casa en la transmisión televisiva y de radio. Un momento importante para muchos grupos famosos que se consolidaron ese día y otros que se dieron a conocer al mundo. Live Aid es y será simplemente irrepetible.

 

 

 

 

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

El melotrón

La rara belleza de un instrumento increíble.

En los años sesenta, este instrumento dotó de personalidad entrañable a la música de rock. Su sonido “extraño”, melancólico, nostálgico y “místico”, en las manos correctas, enriqueció producciones musicales de artistas como The Beatles, Tangerine Dream, Yes, Genesis, Moody Blues y King Crimson, entre muchas otras bandas.

¿Por qué es un instrumento particular?

Se trata de un teclado donde al pulsar cada tecla, se acciona la reproducción de una cinta pregrabada.

¡Con muestras de sonido intercambiables!

Las cintas de este instrumento vienen pregrabadas con varias opciones, “samples” o muestras de sonido con las que se puede hacer música.

Strawberry Fields Forever

En este clásico Paul toca el Melotrón Mk.II, previamente cargado con cintas grabadas con el sonido de flauta transversal. Este tratamiento más otros efectos, dotaron a esta pieza de Lennon de una atmósfera brumosa y particular.

 Nights in White Satin

 The Moody Blues utilizó el melotrón en su obra cumbre Days Of Future Passed. Se dice que Mike Pinder-miembro de la banda-, fue quien recomendó a McCartney adquirir un melotrón. Pinder había trabajado en la fábrica de dichos instrumentos años atrás y los conocía muy bien.

In The Court of the Crimson King

Robert Fripp y su corte hicieron uso de este instrumento de manera magistral en su primera y célebre obra maestra de 1969.

(En este video podemos apreciar con claridad la dinámica de las cintas)

Un poco de historia

En 1950 Harry Chamberlin de Estados Unidos, ideó la primera versión de este instrumento, que posteriormente fue mejorada por los hermanos Leslie, Brad y Norman Bradley, quienes corrigieron errores de ingeniería. Pensaron comercializarlo dirigiendo el producto a los hogares como un instrumento para amenizar y pasar el rato; así fue que nació el Melotrón Mark 1. El producto comenzó a comercializarse en Inglaterra.

Funcionamiento

 De un modo muy esquemático, podemos iniciar diciendo que de cada una de sus 35 teclas, cuelga –por así decirlo- una cinta de audio de casi un centímetro de ancho, pregrabada y dividida en tres secciones, cada una de ellas con un instrumento diferente. Esta cinta pasa por una cabeza lectora que reproduce el sonido. Las teclas tienen grabaciones de distinta frecuencia, es así como se  consigue el sonido de las diferentes notas musicales. Cada vez que se deja de pulsar una nota, la cinta regresa a su posición original. El sonido sale por medio de altavoces. El melotrón venía con cintas pregrabadas de marimbatrombón, violines y hasta coros infantiles entre otros. Leí también que cuando salió este instrumento, grupos de músicos se preocuparon porque pensaron que podían quedarse sin empleo.

El melotrón pasó a mejor vida al popularizarse los poderosos sintetizadores, sin embargo su sonido conserva ese toque especial que nos transporta a la era del rock progresivo.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

Nick Cave, Distant Sky, el exorcismo del dolor sobre un escenario.

A lo largo de todos estos años Nick Cave se ha mantenido a la vanguardia musical con ese estilo característico en el que puede tener melodías con un sonido estridente que llega a ser provocativo en todo sentido o baladas tranquilas acompañadas con letras oscuras, llenas de poesía que nos permiten reflexionar acerca de nuestra propia existencia como seres humanos. La violencia, la religiosidad y el amor son tópicos que muchas veces podemos encontrar en sus canciones desde su primer álbum -con su grupo The Bad Seeds- From Her To Eternity (1984).

Nick Cave nació en Australia en el año de 1957 y allá en su país natal fue parte de grupos post punk como The Boys Next Door y The Birthday Party. Poseedor de una voz peculiar que le permite imprimirle dramatismo a cada canción que interpreta, el joven cantante logró llamar la atención de la crítica especializada en música, la cual lo comparó con personalidades como Tom Waits o el mismo Leonard Cohen. Entre sus discos podemos encontrar grandes obras llenas de una lírica fuerte, muchas veces plagadas de agresividad, pero sin olvidar esa espiritualidad, heredada de su juventud cristiana, que se involucra en muchos de sus cortes musicales. Nick Cave se convirtió durante la década de los ochentas en un músico de culto underground con grandes obras discográficas como The Firstborn is Dead (1985), Kicking Againts The Pricks (1986) y Tender Pray (1988), del cual se desprenderían clásicos como The Mercy Seat y Deanna.

Iniciados los noventas, y en lo que llevamos de este siglo, la carrera de Nick Cave ha sido constante, no sólo tiene excelentes álbumes como The Good Son (1990), Murder Ballads (1996), The Boatman´s Call (1997), Nocturama (2003), Dig Lazarus, Dig!!! (2008) y Push The Sky Away (2013). Además ha participado en proyectos musicales alternos como integrante de la banda Grinderman formada en el 2006, también ha publicado libros (los volúmenes 1 y 2 de la colección de poesía que lleva por título King Ink, la novela The Death Of Bunny Munro, entre otras obras) ha escrito un guión para una película (también ha hecho cameos en filmes) y ha contribuido para muchas bandas sonoras de cintas importantes.

Lamentablemente en el 2015 Nick Cave sufrió una tragedia personal que le desgarró el alma. En julio de ese año su hijo Arthur de 15 años (al que vemos en una escena de la película 20,000 Days on Earth comiendo pizza, junto a su padre y a su hermano gemelo Earl), murió en un accidente cuando cayó en uno de los acantilados de Ovingdean, ubicados en la ciudad inglesa de Brighton. Fue trasladado al hospital de Royal Sussex County en donde debido a la seriedad de las lesiones perdió la vida esa noche.

Este funesto suceso llevo al artista de sesenta años a una gran depresión que dio lugar a la creación del álbum Skeleton Tree que fue publicado en 2016. Sumado a esta producción apareció un documental llamado More Time With Feeling que muestra el proceso de grabación de la obra. En declaraciones que el también escritor ofreció para el periódico The Independent, afirmó que había escrito muchas canciones después de la muerte de su hijo pero sentía que eran un traición a su memoria, porque “no poseían la requerida búsqueda emocional”, por lo que fueron descartadas.

Después de haber salido esta producción discográfica, Skeleton Tree, Nick Cave se tomó un tiempo para ir sanando sus heridas emocionales. Con el pasar de los meses decidió volver a realizar una larga gira, con su grupo The Bad Seeds, que lo llevó a Oceanía, Estados Unidos y Europa durante todo el 2017.

La película Distant Sky, dirigida por David Bernad quien ha realizado videos  para músicos de la talla de The Moody Blues, Diana Krall, Radiohead y Gorillaz, captura completo el concierto que el artista australiano celebró, junto con  The Bad Seeds, el 20 de octubre del 2017 en la Royal Arena en Copenhage, Dinamarca y que forma parte de la gira Skeleton Tree. Hablar de los espectáculos de Nick Cave es el adentrarnos en una experiencia catártica que nos lleva por momentos de energía cargada de ese rock fuerte, mezcla entre punk y gótico, hasta llegar a instantes de tranquilidad que nos ponen a reflexionar acerca de nuestra condición humana. Nick Cave es un estupendo frontman que sabe utilizar el escenario para difundir su música, para proclamar su arte. Su figura delgada, su rostro adusto y ataviado de manera elegante. con un traje negro, se adueña de la tarima, se pasea por ésta de un extremo a otro, interactúa con el público y convierte este show realizado en una enorme arena en algo muy íntimo y personal. El escenario es sencillo, sin alarde de parafernalia tecnológica porque la música, en este caso, es lo que verdaderamente importa. Nick Cave and The Bad Seeds inician el recital con Anthrocene, un tema del nuevo álbum. Para esta ocasión la banda la integran el gran Warren Ellis colaborador artístico de Cave desde hace muchos años, el guitarrista George Vjestica, el baterista Jim Sclavunos, el bajista Martyn Casey y complementan al grupo Thomas Wydler y Larry Mullins.

A través de la cinta nos daremos cuenta que para este tour el músico incluyó siete, de ocho canciones, de la producción Skeleton Tree como Magneto, Jesus Alone, Girl in Amber, I Need You y la misma Distant Sky que le da el titulo a la película, además de diez temas,entre éxitos y canciones representativas de su carrera, que complementan el repertorio. Podemos deleitarnos con clásicos de la talla de From Her To Eternity, Tupelo, Red Right Hand, Stagger Lee, la bellísima Into My Arms, Push The Sky Away, Jubilee Street y The Mercy Seat entre otras.

Distant Sky es una documento fílmico que nos presenta este periodo por el que pasa Nick Cave y nos muestra cómo exorciza su dolor y lo comparte con el público. En un momento conmovedor observamos, en un close up, durante la pieza Distant Sky (la cual tiene la participación de la soprano danesa Else Torp) al cantante soltar lagrimas por su hijo Arthur. “Let us go now, my darling companion. Set out for the distant skies. See the sun, see it rising. See it rising, rising in your eyes”.

La cinta sólo tuvo un día de estreno, pero ya no tarda en salir al mercado en sus formatos físicos o digitales. Por otra parte la gira Skeleton Tree continúa en este 2018 y llegará a México el próximo dos de octubre al Pepsi Center del World Trade Center, ahí tendremos la oportunidad de ver en vivo a este genio con la misma gira Skeleton Tree que ya pudimos disfrutar, por lo menos, en una película.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Vivir en el Rock and Roll

Historias de vidas disolutas.

Reseña del libro de Sergio Marchi, 2014, “Room Service, La escandalosa vida de las estrellas”. Argentina, Editorial Planeta, 448 páginas. (*).

Antes de comenzar esta brevísima reseña, les explico el porqué de este título. El rock siempre ha tenido una injusta mala fama. Como parte del showbiz, sus noticias estruendosas son más notables que las de otras disciplinas y, por lo tanto sus historias negras se conocen más rápido. Podemos encontrar excesos, conductas inapropiadas, violencia y hasta escándalos de todo tipo en cualquier otra disciplina humana. El boxeo, la pintura, la medicina, el deporte…inclusive el mundo de la política NO está exento de comportamientos que salen de las normas establecidas por una sociedad.

Existen factores que al mezclarse producen un cóctel atómico y como he dicho, estos factores no son propios de una disciplina específica: grandes sumas de dinero. Fama. Sexo. Drogas. Las revistas y los tabloides de chismes generan grandes ganancias con estas historias negras, donde el mundo de la música es más susceptible, más vendible, menos peligroso para ventilar. Adicionalmente, las malas conductas erigen seres mitológicos, que llaman la atención del público y elevan las ventas. Este último factor sí es más común en el mundo de la música que en otras áreas.

Confieso que prefiero el audio en lugar del guion íntimo de los músicos. Al final del día al escuchar una pieza o al cantar su letra, la orientación sexual del autor o sus urgencias cotidianas no son relevantes.

Comencemos con nuestro programa de “espectáculos”.

¿Qué músicos serían capaces de poner en los créditos de su producción discográfica a su dealer?

Fleetwood Mac, en sus buenos tiempos.

“De acuerdo con la leyenda, la cocaína consumida fue tanta que el grupo quería darle un crédito a su dealer en el disco. El hombre les hizo el favor de morirse antes de que saliera -la obra-”. (*)

De Fleetwood Mac se puede decir muchas cosas pero, lo cierto es que las relaciones amorosas entre sus integrantes habrían inspirado una telenovela mexicana.

Por otro lado, teledramón el protagonizado por el baterista de los Stones, el más calladito de todos, que se vio envuelto en un problema grave al relacionarse con una chica de trece años llamada Mandy Smith (Bill Wyman la sacaba 38 años de diferencia). Pero eso no es todo….. su hijo adolescente se casó con la mamá de Mandy, creando un escándalo doble.

“El hijo de Bill Wyman casi termina como el suegro de su propio padre, que estaba de novio con la hija de su mujer. Una ensalada galáctica.” (*)

Y si hablamos de comedias de enredos, el libro también menciona que los Beatles no eran unos santos; “Cuando Mick Jagger le contó a Lennon que Ringo Starr había encontrado a su mujer en la cama con George Harrison, y que a su vez, la mujer de Harrison estaba viviendo con el mejor amigo de éste, Eric Clapton, Lennon puso sus brazos al cielo y exclamó “¿Dónde estuve todos estos años?”. (*) (Gran frase de humorismo muy a la Woody Allen).

Sí, el mismo Lennon quien en completo estado de ebriedad, en un restaurante, fue al baño y regresó a su mesa con una toalla femenina en la cabeza, preguntándole a la mesera: “¿quién soy?”. Y así fue como el compositor de Imagine salió por piernas del establecimiento. Lennon durante su estadía en Los Ángeles tuvo dos compañeros de juerga: Ringo Starr y Harry Nilsson, a los que se sumaba Keith Moon.

“Las cosas se rompen”. Keith Moon”

“Como payaso, su historia esconde un lado siniestramente triste: este hombre se divirtió hasta morir queriendo divertir a los demás, lo que también es una forma de buscar afecto.”

Keith Moon, ese lunático que siempre buscó llamar la atención, con extraños actos al desnudarse en algún restaurant o en alguna fiesta. Tiempo después comenzó a aparecer disfrazado de nazi o de buzo, o de mujer según le apeteciera. Épico el embrollo que causó Keith en el Holiday Inn de Michigan debido a una celebración. Él y los invitados terminaron bailando desnudos sobre las mesas, aventándose pedazos de pastel. Cuando llegó el cuerpo de seguridad, comenzaron a perseguir al baterista de The Who quien huyó de la escena como Dios lo trajo al mundo….pero solo por unos minutos porque regresó dentro de un lujoso Lincoln Continental al que quitó el freno de mano e hizo zambullir en la alberca. Así fue como recibió una prohibición de por vida para jamás alojarse en la famosa cadena hotelera.

Los desmanes y las adicciones de Keith Moon siempre fueron en aumento así como su refinado arte de romper televisiones en los hoteles. Se dice que siempre cargaba con metros de cable de extensión para poder arrojar los aparatos aún funcionando desde la ventana de su cuarto hacia el vacío.

Moon ingreso varias veces en instituciones psiquiátricas y de rehabilitación que jamás le funcionaron. Keith se quedó dormido y emigró a la luna.

 

Las grandes bolas de la envidia.

Jerry Lee Lewis, un pianista y cantante con talento siempre se vio envuelto en fuego. Primero abandonó a su segunda esposa para casarse con su prima de trece años. Divorcios y matrimonios ad nauseam y fuerte relación con la envidia. Jerry Lee Lewis no toleraba el ascenso meteórico de Elvis. No se explicaba -y nunca lo logró-, cómo si él era tan habilidoso en el piano, cantaba bien, y componía, en cambio la fama mundial de Elvis no dejaba de subir.

“Una noche de 1976, después de una borrachera tremenda, (Lewis) se subió a su auto con un arma en la mano y manejó hasta Graceland, la mansión de Elvis Presley.” Ahí fue detenido. (*)

“ ¿Qué otra cosa hizo Elvis además de tomar drogas? Lo único que yo hice fue tomar whisky. ¿Qué quieren? ” (*) Jerry Lee Lewis.

Llama la atención una sección dedicada a Robert Frip, quien al igual que Frank Zappa no consumían drogas y no permitían que sus acompañantes lo hicieran.

“En la primavera de 1972 observé por primera vez el uso calculado de las drogas para controlar y dirigir a los músicos, protagonizado por un manager. Dos de los tres músicos manipulados se transformaron en adictos, y el tercero en apenas un consumidor competente. ” (*) Robert Fripp.

El libro de Sergio Marchi, relata también con detalle el fenómeno de las groupies y su influencia en el mundo del rock. De hecho Frank Zappa armó una banda con groupies y hasta lanzó un disco con ellas cantando a coro. El grupo se llamó Girls Together Outrageously.

La grabación contó con la excelente guitarra de Jeff Beck y contenía letras bastante sarcásticas que narraban la vida de estas mujeres. Extraño y malo el disquito.

“Las groupies son luchadoras por la libertad en la vanguardia de la revolución sexual”. (*) Frank Zappa

El libro también repasa las intimidades de Jimi Hendrix, Janis Joplin, Jim Morrison, James Brown, Sid Vicious, Freddie Mercury, Syd Barret, Bowie, Richards, Ozzy, Charly Garcia, Amy Winehouse y más. Casi toda la información ya se conocía en otras fuentes pero reunida en un solo volumen hace de esta obra, una ensalada del escándalo muy ad hoc a lo que Vargas Llosa describe en su libro epónimo como La Cultura del Espectáculo.

“Mi apariencia es la de un banquero que enloqueció”. Elton John”

“Dulces pequeños trece”

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

Circo, maroma y teatro para hacer reír

-No se tiene el dato exacto ni  se tiene la certeza de quién fue el primer payaso de la historia, sin embargo, antecedentes muy remotos que nos dan una idea de la existencia de estos personajes en la antigüedad, hace unos cuatro mil años, en la antigua China.

Andy se mira en el espejo mientras  sus manos recorren la cara con líneas de pintura para poder transformarse, observa el trazo de su cara, hace mueca como si el mismo espejo platicara con él  -“¿qué rutina cómica usaras hoy?,  es lo de menos, contesta,  el chiste es que se  logre reunir gente para poder tener mas opciones de ganar, juntándose, estoy seguro que lograremos mantener a la gente hasta al final de la función, luego Dios dirá”…

 -“Al payaso Plin plin  se le pincho la nariz y con un estornudo hizo fuerte: achis!!!…”

No se tiene el dato exacto ni  se tiene la certeza de quién fue el primer payaso de la historia, sin embargo, antecedentes muy remotos que nos dan una idea de la existencia de estos personajes en la antigüedad, hace unos cuatro mil años, en la antigua China, un bufón llamado Yusze, servía en la corte del emperador Chiiu Shih huang-ti, a quien se debe la construcción de la gran muralla china, en otras partes de oriente aparecieron los “Lubyet “,o “hombres frívolos”, que caminaban y tropezaban llevando parasoles haciendo una pésima imitación de los miembros de la realeza.

Ya hace cerca de unos 2000 años, en Grecia, los payasos irrumpen en lo que podría ser denominado como el antecedente de las atelanas, tradición seguida por los romanos en la que se presentaba una obra teatral y los payasos aparecían en los intermedios, o al final, interpretando una propia versión cómica de la obra. Otro payaso cumplía una función muy simpática: debía mantener a raya al público que, dispuesto a manera de círculo, observaba los diferentes espectáculos y, principalmente, el del mimo. Entonces el payaso pasaba cerca al público y, golpeándole en broma, ya fuera con una estaca con un globo atado a uno de sus extremos o una escoba, gritaba pidiendo espacio para recitar sus trovas.

El surgimiento de los llamados bufones “tontos” se da en las cortes de la edad media, aunque más que ser realmente tontos por lo general eran todo lo contrario y con mucha astucia, ejecutaban su papel de socarrones  y que decir del Arlequín lleva un disfraz de parches en forma de rombos y, algunas veces, un antifaz, los payasos, en suma, pueden tener diversas habilidades. Pueden ser acróbatas, músicos, malabaristas, entrenadores de animales, cantantes, bailarines, cuentachistes y, en fin, pueden desempeñar en el escenario toda suerte de acciones y presentaciones inimaginables que dependen, en buena parte, de las capacidades y, sobre todo, de la creatividad de los propios payasos.

 -“Empieza la función señor Patiño, ¿quiere que empuje el piano de cola o mejor lo empujo de frente?…”

El corredor constitución luce concurrido, “buen clima”, se dice así mismo Andy , ahora mientras sus  compañeros también payasos comienzan  a tantear el terreno, a ver  posibilidades de  trabajo, saludan a la gente, sobre todo a los niños quienes son  sus más fieles espectadores,  “haremos una rutina” empiezan a correr la voz, la gente se anima pues el lugar luce tranquilo y desolado, no hay otro tipo de espectáculos, solo el tranvía que trasporta a la gente para poder conocer más de nuestro centro histórico  y sus alrededores, sabedores de que podrán reír un momento, dos pequeños compran churritos con chile para poder sentarse a disfrutar la función mientras que las palomas (las aves) los rodean con el deseo de poder comer las migas que estos dejaran caer o si bien les va les arrojen alguno completo, los payasos están listos, deciden que su escenario será justo a un costado del kiosco y como cada día antes de su presentación  se concentran,  hacen una oración interna,   llegó la hora, hay que chambear para sacar pal pipirin….

-“Todos los payasos, llevan un vestido con la forma de un costal…” Existe prácticamente total libertad en cuanto al vestuario, con la única restricción de que no sea inmodesto, las limitaciones son la imaginación que se tenga para desarrollar creativamente nuestro propio vestuario, el requisito indispensable es que sea cómodo, fácil de lavar, quitar y poner todos somos diferentes y cada payaso tiene su gusto especial en cada una de las cosas que hace, por lo tanto, aún cuando se quiera copiar el maquillaje de otro payaso, el maquillaje es propio y exclusivo de cada persona. Por ejemplo; puede ser que una forma de vestir le quede bien a una persona, y otra que de desee vestir igual, lo mas probable es que no le quede. Esto mismo sucede con el maquillaje.  -“Y diche una diche dos y diche tres…”

Ya con gente  en círculo , el show comienza,  lo fuerte de la compañía  (Carnivale) justamente es el  malabarismo, Andy sorprende a  todos  con sus actos …una silla, una escalera un monociclo y hasta una asistente (muñeca) son colocados en su barbilla equilibrándolos por unos segundos,  todos los payasos tienen sus rutinas cómicas y de tipo Circense hacen el deleite de Chicos y Grandes,  muchas inspiradas por otros payasos, entre estas están: “El saludo”,” El sordo mudo”,” La cucaracha“,  “El poeta”,” El enamorado”, “La varita mágica”, “La papiro magia”, “El burro” y otras mas, la gente sonríe, se olvidan de su penas por un momento, ahora les toca reír.

-“Si es verdad soy un payaso…pero que le voy hacer…”

 El espectáculo callejero está en su clímax, se acerca el gran final  la gente sigue sonriendo , se destreza por un momento, la compañía de “Andy el payaso” ha tenido éxito, al menos en la función, falta ver si la gente “afloja” la moneda, nuestros amigos cumplieron, fueron la diversión de chicos y grandes esa tarde memorable, hasta los globeros y los vendedores ambulantes pusieron atención, uno de los del grupo de ellos pasa la gorra  mientras la función esta por terminar, no falta los curiosos que se asoman a la bola para ver que hay, la señora con el bebé llorando, los novios enamorados tomados de la mano, los rockeros, el trajeado, el serio que no se ríe pero que sigue viendo la función, al final los aplausos no se dejan esperar , poco a poco se deshace la bola algunos niños saludan al payaso, otros mas los felicitan, algunos creen que con dar la moneda ya cumplieron pero al menos se van con una buen sabor de boca  así es  el trabajo de calle para un payaso y después viene lo bueno, el conteo de “la lana” ….

-“Tienes que sonreír, sonreir, payasito…”

 Vamos  tratar de acércanos al payaso…Andy  tus impresiones  de  la función  de este día…“Tuvimos una respuesta favorable,  a pesar de que hay poca gente que valora el arte popular callejero de un payaso,  ya llevamos casi dos años con esta  rutina y cada vez la vamos  mejorando, antes éramos más persona , todos sabemos hacer el mismo cuando nos va bien andamos sacando hasta mil quinientos pesos o hasta  dos mil  en 3 shows  y cuando trabajamos, en días así como este quiere llover púes sacamos doscientos o trecientos pesos a veces  afecta un poco también la crisis pero la gente se divirtió eso es lo importante”…

En sí  si el trabajo de los payasos ha sido muy despotricado  porque algunos solo se dedican a contar chistes  groseros, no hay humor sano para los niños  no tienen  un horario pero eso si trabajan  alrededor  de 3 a 5 horas en todo un día y aunque  hay mucho payaso malandrín, ellos tratan  de ser honestos , profesionales para que la gente siga creyendo en ellos.

 -“Payaso,  soy un triste payaso…”

 Al final de la jornada “Andy  el payaso” se mira en el espejo,  fatigado, cansado pero satisfecho por el trabajo de  hoy, hace una mueca y como si el propio espejo le preguntara “¿Qué tal  estuvo el día?”…de nuevo  pasa las manos al rostro  con un algodón para  despintarse  y volver  a la realidad, ser simplemente Andrés,  se recuesta, apaga la luz, ya mañana Dios dirá…

 “Reúnanse a mi alrededor, payasos todos, déjenme que los escuche decir…”

   -Lennon-McCartney-

Licenciado en comunicación con maestría en televisión educativa y duranguense de nacimiento, Geraldo Rosales ha sido creador de los programas de Radio como “Viaje Mágico y Misterioso” y “La Caverna de Liverpool”, se desempeñó por más de 11 años en el periódico Contexto de Durango como jefe de la sección de cultura y espectáculos .Actualmente imparte conferencias con temática de los Beatles y es el conductor del programa “El submarino Amarillo” que se transmite por TV UJED.

Aquí empezó todo: Clarence, una historia curiosa y la Fender Telecaster, (1951)

Queridos amigos de El Círculo Beatle, un servidor inicia una serie de publicaciones sobre guitarras y bajos emblemáticos en la historia no sólo del Rock, sino en general de la música del siglo pasado y de lo que va de éste; considero de interés para todos ustedes, el platicarles acerca de algunos datos básicos de materiales de construcción, características físicas y poder ilustrar también de alguna manera, el sonido icónico de dichos instrumentos musicales en las melodías en que fueron utilizados, así como algunos de los músicos más relevantes asociados con los mismos. Espero les guste esta saga tanto como a un servidor, es un placer hablar de un hobby dentro de otro.

Clarence Leo Fender, considerado el padre de la guitarra eléctrica junto con otros grandes prohombres como Les Paul (Lester Polfuss), Paul Bigsby, Orville Gibson, Lloyd Loar, Fred Gretsch y Adolf Rickenbacker (Richenbacher) es reconocido a nivel mundial como un gran héroe de la música de todos los géneros, ya que gracias a sus experimentos e inventos, llevados a cabo en forma paralela con los realizados por los anteriormente mencionados, se logra desarrollar la tecnología necesaria para la consecución de dos temas muy relevantes: por un lado, amplificar el volumen de un instrumento que para la época de la que estamos hablando era poco menos que notable, y por otra parte, producirlo en masa. Primero que nada, debemos preguntarnos ¿para qué querría alguien amplificar el sonido de una guitarra? ¿Y para qué producirla en masa?

La guitarra, a inicios del siglo pasado, era un instrumento que tenía una dualidad interesante en la percepción de los Estadounidenses, ya que por un lado era muy socorrido entre las clases pudientes, utilizándose principalmente en orquestas de mandolinas y guitarras para que las señoritas de las familias de clase media y alta tuvieran un hobby musical sin necesidad de comprar un piano, y por otra parte, Los cowboys del sur de USA, ejemplos de clase trabajadora, habían conseguido sus guitarras – y aprendido la manera de fabricarlas- de parte de los vaqueros mexicanos, la costumbre de cantar lánguidas baladas de amor dedicadas a las Southern Belles, así como también las odas al heroísmo desplegado en la conquista del salvaje oeste por parte de despiadados pistoleros, todo esto con alta influencia de los corridos mexicanos. Por otra parte, los esclavos negros de las plantaciones aprendieron a adaptar sus cánticos originales y a combinar con otros géneros musicales en boga para desarrollar cantos de lamentación, de adoración y de alabanza, que se volvieron la raíz del Blues y del Gospel. La guitarra jugó un papel decisivo, junto con la armónica y el banjo, para el desarrollo de estos géneros. Pero aún no es necesario amplificar la guitarra, ya que la ejecución del instrumento es de forma individual e intimista.

La década de los años treinta del siglo pasado era dominada en los Estados Unidos en el terreno musical por el sonido de los cantantes solistas (crooners, masculinos y sirens,femeninas) acompañados por multitudinarias orquestas (a las que se les llamó grandes bandas por esta razón) en las que se podían contar, cuando menos de siete a diez instrumentos de viento(trompetas, trombones, saxofones, clarinetes), y junto al contrabajo, batería, piano y a veces hasta sección de cuerdas (violines, violas, cellos, concertinas) pues la guitarra de ritmo se perdía sin remedio entre todo ese guirigay; al tender la música hacia la sección rítmica, como en el swing y el jazz, el guitarrista de la orquesta empezaba a desarrollar una personalidad cada vez más relevante, ya que la chitarra es el instrumento rítmico y melódico por excelencia, y se merecía (y se necesitaba) que fuera escuchado de una mejor manera. La guitarra es el instrumento musical que desarrolla mayor proyección de estilo personal del ejecutante.

 

La construcción de una guitarra común está basada en una caja hueca fundamentalmente construida de maderas duras, cedro, fresno, aliso, roble, o caoba, que sirve como cámara de resonancia al amplificar el sonido producido por la vibración de las cuerdas. Al intentar colocar un micrófono para potenciar el sonido natural de la guitarra sucede un fenómeno conocido como feedback en inglés y cómo retroalimentación o acople en español, y que no es otra cosa que la intromisión del ruido ambiente a una cámara de resonancia pequeña, como la de la guitarra, por medio del micrófono; esto fue lo que originó el principio del instrumento alternativo – la guitarra eléctrica- que no fuera hueco, sino de cuerpo sólido, y que llevase el micrófono integrado al mismo, para evitar movimientos que causaran ruidos extraños e indeseables. Lográndose este sencillo principio, podría transmitirse el sonido de una guitarra a un amplificador, y se podría controlar fácilmente su volumen de salida final. Por sencilla que parezca esta teoría ahora, tardó varios años en desarrollarse y comprenderse.

La primera empresa musical que se dio cuenta de esta teoría y la puso en práctica fue Rickenbacker, quien lanzó una primitiva y prototípica guitarra eléctrica tan temprano como 1931, y que es conocida como “el sartén” (frying pan) por la forma que tenía, muy similar a un banjo –y a un sartén- y compuesta de metal y un plástico pionero llamado bakelita (de la que estaban hechos los radios de los 1930’s).También Gibson empieza a colocar a mediados de esta década micrófonos integrados a sus modelos de línea, y así tenemos que por ejemplo, a su popular modelo L-5, le colocaron un micro embobinado atornillado a la caja, lo convirtieron en el modelo ES 150, y lo vendían con un amplificador de tamaño pequeño; con ello se logró aumentar la potencia de salida hasta la asombrosa-para aquel entonces- cantidad de ¡20! watts de salida, lo cual era un gran avance, Gretsch y Epiphone, también siguieron esa línea. Pero aún hablamos de instrumentos de caja hueca, que en un caso muy favorable llegan a tener un volumen de 3 a 5 Watts de potencia.

El siguiente gran avance histórico en el desarrollo de las guitarras eléctricas, correría a cargo del nativo de Wisconsin, Lester Polfuss, quien, además de ser un músico de jazz notable, guitarrista veloz e innovador y padre del Rock y la grabación moderna entre otras cosas, tuvo a bien construir una guitarra a base de un polín de madera de pino de 4×4 pulgadas, el cual corta al tamaño de una guitarra normal, y en el cual monta el micrófono de una victrola en donde iría la boca del instrumento, y le pega  a los costados las mitades de una guitarra Epiphone así previamente seccionada. Logra captar la atención de Orville Gibson, quien lo batea de Home Run por la fealdad del experimento, y quien lo guarda en su archivo muerto hasta 1952. Dicha guitarra se llama ” The Log” y esta exhibida en un museo gringo. Gibson lamentaría posteriormente dicha decisión, pues le costaría muchos miles de dólares el no haber comercializado la invención cuando lo propuso Lester.

Paul Bigsby diseña y construye algo muy parecido a una guitarra eléctrica moderna en 1947, pero no se le da el mérito de la invención, ya que fue un instrumento no producido en serie, de hecho fue bajo pedido expreso del estrella de música country Merle Travis, quien quería reproducir el sonido de las steel guitars tan típicas de la música de vaqueros gringos con mayor facilidad; cabe mencionar que este estilo de guitarras, eran bastante grandes a comparación de una lira normal y eran parte estelar de los catálogos de instrumentos musicales de marcas como Kay,Harmony, National, Rickenbacker e incluso el mismo Fender. Ahora sí, será más sencillo entender qué onda con este fabricante californiano.

El buen Leo, nacido en marzo de 1909, establece un taller de reparaciones electrónicas con tienda de radios en 1939, a pesar de tener antecedentes netamente campesinos (por su familia) y estudios de contabilidad, que abandona al inicio de la gran depresión económica norteamericana. La electrónica fue siempre su hobby, y, aunque nunca aprendió a tocar ningún instrumento, siempre fue un entusiasta del diseño de guitarras y amplificadores; a esta la tienda la nombró “Fender Radio Service” y siendo recién casado, se veía optimista en su comunidad de Fullerton, CA. con el negocio de “electrodomésticos, discos fonográficos, partituras, instrumentos musicales y reparaciones” como lo decía su tarjeta de presentación. Reitero que la guitarra “Hawaiana”, fue de las primeras en electrificarse y amplificarse, y por ser un instrumento de moda, pues era un negocio saneado; ahí aprende Leo el ABC de los amplificadores. En ese entonces, se diferenciaban los dos tipos principales de guitarras entre Steel Guitars y Spanish Guitars, por aquello de que a la guitarra tradicional se le conocía genéricamente en ese entonces también como guitarra española.

Un primer socio en las locuras geniales de Leo Fender fue Clayton Orr Kauffmann ,el famoso “Doc”, quien aparte de ser violinista profesional y ejecutante de la guitarra Steel, compartía el hobby con Leo, se conocieron cuando Doc llevó a reparar su amplificador con él; desarrollaron juntos proyectos para financiar sus sueños en común y empezaron a construir Steel Guitars y amplificadores por ahí de 1946, la nueva operación se llamó Fender Manufacturing, y volvería a cambiar de razón social a Fender Electric Instrument Co. en 1947. Ahora que la guerra había terminado, el sentimiento generalizado de los norteamericanos era que la producción en masa satisfaría las necesidades de sus habitantes, quienes tendrían tranquilidad y poder adquisitivo para consumir, gracias al inicio “fresco” que esto conllevaba. El último socio importante que encontró Fender, fue un fabricante de moldes y troquelados metálicos, Karl Olmsted, quien con su compañía Race & Olmsted proveía de las piezas metálicas que se requerían para producir guitarras de cuerpo sólido, con electrónica simple, pastillas electromagnéticas a guisa de micrófonos (pick-ups) y piezas armables y atornillables que el individuo medio podría ensamblar sin problemas; esto, junto con la necesidad satisfecha de amplificación del sonido de una guitarra, condujo al gran acontecimiento de obtener la forma más práctica de producir guitarras eléctricas en serie; pero a pesar de ser el inicio de varias industrias multimillonarias, este suceso no tuvo un arranque fácil. Sigamos leyendo:

Leo Fender inició formalmente los trabajos de lo qué conoceríamos después como la Fender Telecaster en 1949, a la que podríamos en definitiva llamar, la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido fabricada en serie con fines comerciales. Era un instrumento dirigido al músico que trabajaba todos los días, que podía ajustar y reparar con refacciones compradas y un desarmador si fuese necesario; para la talacha, pues, y el primer género musical que se vio beneficiado de este sonido tan novedoso fue el Western Swing, que inició su popularidad también en la década de los treintas y que vivió  su génesis en salones de square dance en Texas, con exponentes como Spade Cooley, Los Brazos Valley Boys, y sobre todo, un músico brillante que hubiera sido todo un rockstar de haber aparecido 10 años después: Jimmy Bryant. Unos meses después, a principios de 1950, surgió el famoso diseño que algunos incrédulos llamaron “un bastón de hockey” “un remo” o incluso ” una pala para nieve” y que era una tabla de casi dos pulgadas de ancho, sin contornos y con una austeridad casi espartana, incluso en su esquema de color original, llamado Butterscotch Blonde, que no es más que un amarillo crema oscuro con un golpeador (Pickguard) de color negro; el diseño con una sola pastilla (la del puente) se le llamó Esquire, y la de dos pastillas se llamó Broadcaster, nombre que causó un incidente con la Gretsch, la cual demandó a Fender por usar ese nombre, por que un set de batería de Fred Gretsch se llamaba Broadkaster, fabricado a partir de 1949. Qué delicados.

Como ya se habían fabricado varias guitarras con la calcomanía del nombre “Broadcaster” se decidió retirar ese nombre de la cabeza o pala de la guitarra, dejando solo el logotipo Fender estilo “Spaghetti” y sin nombre del modelo; esas guitarras se conocieron como “Nocaster” y son sumamente valoradas por los coleccionistas desde hace varios años. A partir de la producción en 1950 de estas guitarras, también se volvió un standard de la industria el refuerzo metálico ajustable para el cuello de la guitarra (truss rod) que evitaría las torceduras del mismo. De hecho, la primera guitarra eléctrica cuerpo sólido producida en serie es la Broadcaster. Pero el éxito comercial ya le pertenecería a la Telecaster, nombre adoptado de una vez por todas a partir de abril de 1951, la guitarra del estrella Jimmy Bryant, la que usó Fred Tavares para el inicio del tema musical de los cartoons Looney Tunes, la guitarra que por la cual el gerente de ventas de Fender, Dale Hyatt tuvo que soportar la burla de que le ofrecieran a cambio de una guitarra Telecaster con amplificador un tren eléctrico Lionel. La que inició costando $189.50 USD, con construcción de madera de fresno (ash), con estuche rígido de tweed (pana), tahalí de piel natural y cable conector. El sonido de esta guitarra es típico en los géneros del Rock, Rockabilly, Western Swing, Blues, Country y Sonido Memphis. Los modelos subsecuentes usaron combinaciones de colores con golpeadores blancos, sombreado de dos y tres colores, y las muy codiciadas custom colors, en 1968 viene una modificación interesante en los colores que ofrecía el catálogo Fender, al aplicar un esquema por medio de la aplicación de papel tapiz con motivos psicodélicos en rosa y azul: el muy cotizado Paisley.

La Telecaster es una guitarra de sonido muy agudo, sobre todo con su pastilla del Puente, que al combinarla con la pastilla lipstick del cuello se suaviza y balancea el sonido, y se produce su mejor tonalidad. Su selector es de tres posiciones, y te permite escuchar en solitario la pastilla del cuello, la del puente y la combinación de ambas.

Algunos de los músicos más emblemáticos que se relacionan con esta guitarra, son:

Rockabilly: Cliff Gallup (Gene Vincent and The Blue Caps) Luther Perkins (Johnny Cash’s The Tennessee Three)

Country: James Burton (Ricky Nelson, Elvis Presley y músico de sesión) Roy Acuff, Brad Paisley, Garth Brooks

Blues: Ike Turner, Muddy Waters, Steve Cropper (Booker T & The MG’s)

Rock: Bruce Springsteen, Tommy Tutone, Ray Davies, Carl Wilson, Nokie Edwards (The Ventures)

Heavy Metal: John Five

Plastipunk: Avril Lavigne

Curiosidades de la Telecaster:

*George Harrison usó un modelo hecho de caoba para el famoso rooftop concert de 1969, su sonido emblemático es muy identificable en canciones como I Me Mine, Get Back o Don’t Let Me Down. Junto con esta guitarra, una Stratocaster de 1965, (usada en Nowhere Man) así como un bajo de seis cuerdas Fender VI, (muy visible en el video de Hey Jude y en las sesiones del álbum blanco de 1968) son los únicos instrumentos musicales de marca Fender que usaron los Beatles, a pesar de que se les ofreció ser embajadores de la marca desde 1964, en su primera gira americana.

*En la etapa solista del cuarteto de Liverpool, John, Paul y George usaron varios instrumentos de Fender, principalmente Telecasters y Stratocasters.

*Ningún grupo mexicano de la primera época del rock and roll 1959-1963 usó una Telecaster.

*El primer rocker mexicano fotografiado con una Telecaster fue Javier Bátiz, por ahí de 1964.

*Jeff Beck usó mucho este modelo en su época con los Yardbirds, en su versión de una sola pastilla, la Esquire., la cual le fue vendida por $ 40 USD por John Maus, de los Walker Brothers.

*El sonido de esta guitarra es muy identificable con la música Country de los 60’s a la actualidad; se ha utilizado en una gran cantidad de sesiones de grabación en Nashville.

Les dejo tres muestras del sonido de esta emblemática guitarra, la primera es Johnny Cash con “I Walk The Line ” la segunda”Born to Run” del Jefe Springsteen y la tercera es “Broken Heart” de los Moonlighters, aquí podremos tener una muy buena idea del sonido de las primeras Telecasters.

Será motivo de un análisis posterior la Telecaster Deluxe y la Telecaster aligerada de 1972, que son variaciones sobre el mismo tema, pero con características diferentes a la original.

Johnny Cash:

Bruce Springsteen:

The Moonlighters:

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Más que despapaye

Con ustedes…Dread Zeppelin

La primera vez que escuché a este grupo fue hace muchos años. Estaba en una reunión y a lo lejos escuché una voz muy potente: una mezcla de Elvis Presley con un dejo de Roy Orbison. El grupo, me sonó a Led Zeppelin pero, coqueteaba con el reggae. Además, interpretaban una canción de Los Beatles (Golden Slumbers / Carry That Weight / The End). Una versión desmadrosa, exquisita y muy creativa. ¿Quién habría puesto ese disco? Pensé que lo que escuchaban mis oídos era producto de la ingesta de varias cervezas; pero no fue así. Se trataba del extraño grupo Dread Zeppelin.

Traté de conseguir videos -casi imposible en esa época-; me tardé pero por fin lo logré. Una pésima copia en formato beta. Una edición española.

Y ahí lo vi. Tortelvis se hacía llamar. Un hombre rollizo con pantalones aguados y una capa con pedrería. Su peinado, un copete exagerado. Originalmente un  impersonator del Rey Elvis, quien trabajó años atrás también en Las Vegas, igual que el rey. Su voz, muy parecida a la de Presley y, en algunas baladas un buqué de Roy Orbison. Tortelvis quien pesaba en esos tiempos 130 kilogramos, se movía bien en el escenario y de vez en cuando tiraba en la imaginaria golpes de karate. El guitarrista, inexplicablemente siempre andaba en calzones o taparrabos, una especie de Bam- Bam prehistórico y bastante cutre.

Los demás integrantes no se quedaban atrás, de hecho Tortelvis tenía una especie de asistente que no tocaba ni cantaba, en cambio le llevaba agua o un peine o le acercaba el micrófono.

El grupo tocaba realmente bien, un poquito de dub con rock y hasta rock cincuentoso; pasando de Led Zeppelin a Bob Marley con la mano en la cintura, -bueno no tanto, Tortelvis estaba muy gordo en esa época-.

 

El grupo por ahí del 86 tenía un gran fan: Robert Plant. Así es, el cantante de Led Zeppelin en sus reventones privados, gozaba al tener a los Dread Zeppelin tocando en directo para amenizar. Y se dice que armaban unos desmanes memorables.

“Mi banda favorita, justo ahora es Dread Zeppelin. Ellos tienen dos cantantes, uno que canta al estilo reggae y otro que se cree Elvis…..es fantástico”.

Afirmaba Robert Plant, allá por 1980.

 

La manera como interpretaban los temas de Zeppelin era sorprendente. En realidad Dread Zeppelin no era una banda tributo precisamente, y el factor humorístico hacía a esta banda realmente amena.

 

La semana pasada me enteré después de mucho tiempo sin seguirles la pista, que la banda cumple ya 30 años.

 

Aquí les dejo unos videos y la discografía sugerida. Me entero que ahora ya maduros los integrantes de Dread han formado otra agrupación llamada The Great Western Plane; ahora tocan música original lejos del humorismo habitual. El material es maravilloso. Buena propuesta donde se nota el callo de la agrupación. Ahora Tortelvis es flaco y toca la batería. ¡qué gran sorpresa!

 

Smoke on The Water…..sabrosa versión.

Una de las favoritas de Robert Plant….A Page esta rola le hacía gracia…Qué les parece.

 

Este es el nuevo proyecto del que solo han lanzado tres rolas.

Hasta la próxima. Opiniones, bienvenidas a ECB.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.