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Al Aire con Siddhartha

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Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández

Se desvanecen las luces del escenario y los estrepitosos gritos de los fans retumban en las instalaciones. Bajo un juego de luces de color rojo y azul aparece un chico con su guitarra, acompañado de un puñado de excelentes músicos que lo guiarán en un viaje por atardeceres, lluvias, playas, días, noches, poemas e islas, todo junto en un mismo escenario, en una misma noche. Sí, es turno de hacer magia en el Teatro San Francisco de Pachuca.

Tras su exitoso nuevo disco en vivo, el músico jalisciense Siddhartha se encuentra dando presentaciones dentro de toda la República Mexicana, llevando consigo toda la experiencia y magia que quedó grabada en “Al Aire”, un inolvidable concierto con grandes éxitos videograbado en las instalaciones del Auditorio Blackberry de la Ciudad de México y lanzado en formato CD+DVD.

Su semblante demuestra ya mucha experiencia arriba del escenario, sabe moverse cuando es necesario, hacer muecas cuando son requeridas, en repetidas ocasiones despeina su melena y cambia de guitarras durante todo el acto. Atrás quedaron ya los tiempos en los que la gente lo ubicaba como “el ex baterista de Zoé”, ahora es un músico consolidado y respetado dentro de la escena del rock indie nacional, con cuatro discos de estudio, Siddhartha tiene el material suficiente para aventurarse a sacar un disco en vivo.

Los primeros acordes de Cámara comienzan a sonar y delante de él su público eufórico por escuchar sus temas preferidos. Deshielo, Ser Parte, Imán y Tus Pupilas se descuelgan una tras otra sin pausa alguna. Y es lo especial de ver a Siddhartha en vivo, te entrega un show repleto de música. Rara la vez se detiene a interactuar con el público, solamente entre cambio de guitarras o algún imprevisto, así es como deja sonar Extraños, El poema y la Caja, Infinitos y Una noche tranquila, el concierto en Pachuca apenas comienza y Siddhartha está dispuesto a todo esta noche.

Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández.

Y cómo no va a ser tan admirado, si tras sus diez años como solista, ha ganado numerosos premios importantes para alguien que ha salido de la escena under del rock mexicano, esa escena que no necesita de reflectores ni grandes productoras para hacerse sentir. Tras el lanzamiento de su primer álbum “Why you?”, las criticas positivas llovieron a chorros, otorgándole premios como el Indie-o Music Awards a “Mejor Álbum de Rock Solista” en el 2008, ademas de nominaciones al Latin Grammy como “Mejor álbum de rock vocal” compitiendo con su compatriota Chetes y el argentino Andrés Calamaro. Además este álbum fue todo un hit en su año de lanzamiento, tanto que revistas como Warp, Rolling Stone y Marvin lo consideraron como una de las mejores producciones del 2008.

Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández

Fuma, Humo, Ecos de Miel y Mi castillo de Blanca Arena se hicieron presentes en las instalaciones del Teatro San Francisco, donde la gente no se sentaba ni por un minuto para no perderse tan cautivadora presentación. En especial, me llamó mucho la atención la forma en que Mi castillo de Blanca Arena se adueñó del artista siendo que dicho tema fue parte de un disco tributo a la exitosa serie 31 Minutos, y sí, fue de las más coreadas de la noche. Llegaba la mitad del concierto y el músico quería más, entre bailes y cantos, soltó Camuflaje, La verdad, Náufrago y Bacalar, donde nos sumergió en toda la imaginación y fantasía de sus letras.

“Náufrago” fue la segunda cosecha exitosa en su carrera, el álbum número dos de estudio fue elegido como uno de los mejores discos del 2011 llevándose consigo el premio Latin Roll con el sencillo Náufrago como “Canción del año”. Gracias a este disco lo llevó a girar por todo México y Estados Unidos, logrando llenos totales en todo tipo de recintos como el Lunario del Auditorio Nacional y el Festival Vive Latino.

La noche llegaba casi a su fin, no sin antes tocar A la distancia, Tarde y Loco, temas que hicieron explotar las últimas energías de su público que se entregaba canción por canción al artista, y es que así son los conciertos de Siddhartha, llenos de energía, luz y mucho baile. Un auditorio tan bello necesitaba un show a la altura y lo alcanzó, la noche era perfecta.

Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández

El álbum con el que se consagra lleva por título “El Vuelo del Pez”, una verdadera joya melómana que de igual manera ganó el premio como “Mejor Disco Solista” en los Indie-o Music Awards y dos nominaciones a los Latin Grammys. Este álbum es considerado como uno de los mejores discos del 2014 en opinión de personalidades como Enrique Bunbury y prensa especializada.

El primer acorde de Únicos suena y me doy cuenta que no solamente yo esperaba toda la noche con ansias esa canción, si no todos sus fans que estallaron con el coro y su ritmo tan bailable. Y ahí estaba yo, cantando y bailando como si fuera la última canción de mi vida.

Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández

Hablando de “Únicos”, así fue titulado su último álbum de estudio, apenas dos años de su salida y lo llevó a presentarse en grandes escenarios de México y países vecinos. Y no es cualquier cosa, este álbum es la muestra de lo tanto que ha crecido el artista y la madurez musical que ha alcanzado, en sus letras como en sus melodías. Tanto así que lo llevó a grabar el pasado 14 de Diciembre del 2017 un disco en vivo.

Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández

“Al Aire” contiene 23 de sus más grandes éxitos, un recorrido y homenaje a su carrera, acompañado de una increíble producción auditiva y visual (los colores y el juego de luces es realmente asombroso). Es un disco que vale mucho la pena, un disco que es la esencia de lo que es Siddhartha en vivo. Un artista digno representante del indie mexicano, alguien a quien te debes de dar una oportunidad de escucharlo una vez en la vida, porque vale mucho la pena.

Expectantes esperábamos que el músico regresara al escenario a darnos una más, porque ante tanta energía, siempre queremos más. Y así fue, Siddhartha regresó a tocar una de sus más bellas canciones, El chico, la canción de un músico soñador que viaja en sintonía del planeta. Pareciera que todos quisiéramos que nunca terminara la noche, pero ahí estaba, a punto de llegar al fin, veía el rostro de la gente y me sorprendía lo tanto que la música puede llegarte a transmitir.

Poemas musicalizados o simples canciones, lo que es un hecho es que Siddhartha es magia para el cuerpo y eso me quedó más que claro esa noche en el teatro San Francisco de Pachuca.

 

Teatro San Francisco, Foto por Fernando Hernández

 

 

 

 

 

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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¡Alarma, alármala de tos!: 100 discos que cambiaron la historia del rock mexicano. (Parte 2/10)

Los 80’s se asomaban ya por las ventanas del rock and roll en México. Prácticamente tuvo que pasar una década después de Avándaro para que llegara un nuevo despunte de generaciones dispuestas a cambiar los pensamientos de la sociedad con rock.

Los ochentas engloban una serie de acontecimientos sumamente importantes para la historia de dicho género en nuestro país: La apertura de medios de comunicación, el nacimiento de la famosa generación del “Rock en tu idioma”, las tendencias progresistas, el auge del pop y la música electrónica, disqueras como Comrock, el punk, la atracción por el metal, la transformación del rock nacional, entre muchos otros hechos que cambiaron la forma de hacer rock and roll.

En este compilado se recogen 100 discos que se consideran esenciales para entender la música que un sector de la juventud ha hecho suya en los últimos cincuenta años. Una selección de producciones que marcaron rumbos y giros importantes, en sus diferentes corrientes, para el rock mexicano.

¡Llegamos a los 80’s! Bienvenidos sean todos, pasen y abrochen sus cinturones, que estamos a punto de dar una vuelta por la historia de los 100 discos que cambiaron la historia del rock mexicano.

¡Yo no soy un rebelde sin causa!: 100 discos que cambiaron la historia del rock mexicano. (Parte 1/10)

90. El poeta del ruido – Decibel – 1980

En la década de los setenta, Decibel fue una de las bandas pioneras del rock progresivo. Gracias a esto, la banda logró entrar al estudio para grabar su primer disco. El álbum retrata las dos facetas principales que Decibel explorará a lo largo de su vida: composiciones estructuradas y temas aleatorios. Una mezcla de música electrónica, jazz, improvisación, rock, folklore y música sinfónica.

En el extranjero El poeta del ruido fue acogido con un gran respeto, incluso más que en México, y fue considerado como uno de los álbumes importantes del rock en oposición.

89. Botellita de Jerez – Botellita de Jerez – 1984

El Cucurrucucú, El Mastuerzo y el Uyuyuy, desde el nombre artístico con fuerte olor a barrio que adoptaron los integrantes de la banda daban señales del concepto que iban a manejar con su música. Una mezcla de ritmos y estilos sonoros: guaracha, son, danzón, rock y regional mexicano, tocados de manera muy simple, mientras que sus letras retrataban las crudas historias basadas en el entorno del México de 1980.

De este álbum se desprendieron varios sencillos que años después serían considerados clásicos del rock mexicano: Alármala de tos y Charrock and Roll entre los más populares.

88. Reminiscencias – Iconoclasta – 1984

Iconoclasta surgió con la idea de mezclar la música clásica, la electrónica y el jazz, con la fuerza del rock. Reminiscencias es el segundo álbum de estudio de la banda, es una obra conceptual y uno de los trabajos mejor logrados en la carrera de la banda; probablemente no sea el mejor de sus discos, sin embargo, por sus aspiraciones, por su osadía artística y por lo que vino a significar en el futuro de la banda, alcanzó el estatus de clásico.

Reminiscencias es un material balanceado, un disco indispensable no sólo en la discografía del rock progresivo nacional, sino también en la internacional.

87. Silueta Pálida – Silueta Pálida – 1984

En México, el garage rock de los ochentas fue la electrónica. Silueta Pálida fue uno de los pocos afortunados en lanzar un vinyl de 12 pulgadas, poseedor de un arte minimalista. Es un EP con melodías simples, retorcidamente oscuras, conformado solamente por cuatro temas. Conformado por bajo eléctrico, pianos, guitarras acústicas y eléctricas y batería acústica.

86. El diablo en el cuerpo/La cabellera de Berenice – Size – 1984

Hay discos cuyo valor musical es atemporal y discos que deben ser entendidos en su contexto. Éste pertenece a la segunda categoría. Para entender mejor el trabajo de Size es necesario hacer referencia al México de principios de los ochenta; un país provinciano donde el rock estaba prohibido y la máxima figura era José José. Cuando Size se presentaba en vivo, con ese estilo tan punk que los caracterizaba, por fin la modernidad estaba llegando al país. El EP fue editado de manera independiente y artesanal, en el estudio de Rafael Acosta (Los Locos del Ritmo).

El diablo en el cuerpo/La cabellera de Berenice es una suma de opuestos; post punk poseedor de un sonido casero e imperfecto que resulta fácilmente bailable y captura fielmente el sentir de la época. En este EP, Size habría de introducir los dos grandes temas del rock mexicano que sobrevivirían durante décadas -de Caifanes a Zoé- y que son la muerte y el cosmos.

85. Film – Casino Shanghai – 1985

La escena rockera mexicana de los ochentas se podría dividir en dos categorías: La compuesta por músicos que colocaron los cimientos de ésta, pero no obtuvieron éxito comercial, y la de quienes aprovecharon el boom del “Rock en tu idioma”. Casino Shanghai pertenece a la primera de estas dos categorías, un grupo de techno pop, con sintetizadores y cajas de ritmos.

Film podría considerarse como el mejor disco de techno pop nacional de los años ochenta debido a su producción y propuesta musical. Las letras reflejan su interés por la soledad y la poesía erótica, elementos adheridos a escenarios de oscuridad y terror. Quizás uno de los puntos determinantes en el poco éxito comercial de Casino Shanghai fue el hecho de haber cantado en inglés.

84. Éxitos – Varios – 1985

Conformado por Ritmo Peligroso, Kenny y los Eléctricos, Mask, Los Clips y Punto y Aparte. Cinco bandas representativas de las diferentes propuestas emergidas en el rock mexicano en 1985. La importancia de este disco fueron los talentos que surgieron con más fuerza a partir de; Ritmo Peligroso y su canción más conocida “Marielito”, la increíble voz de José Fors que cantaba con Mask, y la canción que sin duda se convertiría en el himno de muchas generaciones: “El Final”. Esta composición fue grabada posteriormente por Rostros Ocultos y que hasta la fecha en las fiestas se sigue cantando.

83. Metal caído del cielo – Luzbel – 1985

La llegada del heavy metal a México corre a cargo de Luzbel. Metal caído del cielo posee canciones poderosas en la frecuencia de lo que ahora conocemos como heavy metal clásico; Led Zeppelin, Black Sabbath, etc. Con un trabajo de guitarras elaborado y propositivo, lleno de solos y memorables riffs, una batería y un bajo más que cumplidores y un manifiesto lírico que criticaba a la iglesia, la hipocresía en la sociedad e incluso el sexo.

Es un álbum que quizá no fue debidamente apreciado en su momento por diversos motivos, pero sobre todo por la etiqueta de satánicos que a alguien se le ocurrió colgarle a los músicos.

82. Hurbanistorias – Rodrigo González – 1986

La historia musical de Rockdrigo necesitaría un espacio aparte. Gonzáles era un músico semiprofesional que se curtió en las calles, le interesaba conocer las historias y experiencias de la gente que vivía en la ciudad. En 1983 seleccionó doce canciones de su repertorio para grabar un casete independiente, la primera edición de Hurbanistorias, dicha cinta recoge las canciones más representativas de una obra cuyas temáticas giraban en torno a historias que tienen lugar en una gran urbe como el DF.

Algunos consideran que Rodrigo González fue el personaje que cimentó un movimiento de rock rupestre que con su muerte, un 19 de septiembre de 1985, cuando se vino abajo el edificio donde vivía, se extinguió.

81. Punks de mierda – Atoxxxico – 1987

Una agrupación directamente influenciada por bandas crossover y thrash de la época como Suicidal Tendencies, S.O.D, Corrosion of Conformity y D.R.I., además de grupos hardcore. Punks de mierda fue reconocido en otros países gracias a su sonido orgánico, las letras siempre fueron de crítica y burla a la sociedad, a la clase política y a la escena punk.

El álbum se definiría como uno de los discos precursores del hardcore en México y Latinoamérica. El hardcore es infinito.

 

80. Continuará…

¡Yo no soy un rebelde sin causa!: 100 discos que cambiaron la historia del rock mexicano. (Parte 1/10)

FUENTE: Texto basado en el libro “Antes de que nos olviden. 100 discos esenciales del Rock Mexicano.” 

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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Entre la mística y el cosmos: Aztlán de Zoé

 

Hablar de Zoé es hablar de una banda que alcanzó su sueño. De cinco adolescentes que pasaron de cantar “love, love, love” en un garage a llenar estadios y recintos que hoy suenan casi imposibles para muchas propuestas latinas. Zoé ha alcanzado la gloria, ha logrado ser considerada como una de las mejores bandas mexicanas en la actualidad (y me atrevo a decirlo, en la historia del rock nacional) reconocida a nivel mundial.

Tras cinco años de descanso, en los cuales León Larregui -vocalista de la banda- lanzó su segundo álbum de estudio más uno en vivo y la banda un documental llamado Panoramas, Zoé regresa a los oídos de todos gracias a su ya exitoso sexto álbum de estudio titulado “Aztlán”, presentado gratuitamente con un show sorpresa en la Glorieta de Insurgentes el pasado 19 abril del 2018 reuniendo en pocos minutos alrededor de cinco mil personas que disfrutaron de nuevas canciones.

Demostrando su amor a las raíces mexicanas, Aztlán es un sitio místico representado por una isla, donde provienen los aztecas. De ahí el nombre y la portada que plasma la llegada de unos poderosos aztecas arribando a un hermoso valle. Una increíble leyenda que corre por sangre mexicana y que incluso, una canción que forma parte de este disco la cuenta.

Aztlán va por la línea y el sonido que ya venía manejando la banda con Programaton; temas galácticos, espirituales, innovaciones sonoras, guitarras suaves, ritmos inevitables y una ola de filosofía y metáforas durante los doce temas que conforman el disco. Realizado en los estudios Panoram, en México, producido por la banda y dos productores altamente reconocidos en la industria musical como lo son Craig Silvey, popular por su colaboración con grupos como Arcade Fire y Noel Gallagher, y un gran amigo de la banda Phil Vinall que ha trabajado con Placebo y Pulp. La calidad musical es indiscutible.

El álbum abre con un tema titulado “Venus”, un sonido muy puro, sin saturación de instrumentos, la banda nos transporta al pasado, en el que Zoé sonaba así de sencillo. Con una letra repleta de metáforas enamoradas, es una de las canciones más bellas del álbum. “Azul” es el primer sencillo del Aztlán, canción guiada por la guitarra que te parte el corazón desde las primeras líneas, una oda al mal de amores y a los corazones rotos.

“Estoy cayéndome a pedazos por tu ausencia y lo peor es que no quiero verte nunca, estoy hundiéndome en el hábito de amarte y tú ya me olvidaste…”

“No hay mal que dure” un tema de conciencia social con tintes rock y sintetizadores que dictan un ritmo durante toda la canción, lo más grato de la canción es la mentada de madre que se lleva cierto partido político representado por los colores de la bandera de México, porque es cierto: No hay mal que dure más de cien años. El álbum continúa con “Al Final” una balada relajada que baja un poco las energías del álbum, esto sólo sirve para dar entrada al siguiente tema “Hielo” que trata sobre una chica ambiciosa y un corazón triste que se aleja.

La mitad del álbum llega con “Luci”, sin perder la costumbre, Zoé agrega otro nombre de persona a un posible éxito (recordemos Paula, Poli e incluso Luna, con alguna de sus metáforas bien logradas), es un tema tranquilo que en lo personal pienso que no habla de una persona, sino del Sol, de un amanecer, un horizonte o un hermoso paisaje. “Aztlán”, la canción homónima que le da el título al material cuenta la bella historia de los aztecas y su llegada a Tenochtitlán.

“Vengo de allá donde sale el sol en el mar, vivo y con mis pies, buscando una vida mejor donde respirar, donde pueda soñar en paz.”

“Temor y temblor” es otra canción que recuerda los orígenes de la banda, con sonidos básicos hacen una gran track que seguramente se convertirá en una de las favoritas del público, mientras que “Renacer” está repleta de metáforas de amor.

“Ella es magia” es uno de los mejores temas de Aztlán y el más rockero del álbum, incluso no recuerdo haber escuchado un tema tan movido en los últimos trabajos de Zoé. Percusiones y guitarras te hacen bailar “hasta el puto amanecer”. ¡Un tema imperdible!

“Soy presa de tus ademanes neuróticos, ella es ella y le gusta bailar rock and roll.”

Y con la misma energía llega “Oropel”, el penúltimo tema del álbum, con un bajo potente y la peculiar voz de León, habla del amor y las mentiras. Mientras que “Clarividad” es la canción encargada de cerrar Aztlán, una atmósfera cósmica acompaña el final del disco mientras se va diluyendo poco a poco.

“Siembras amor y todo se da mejor, reverbera el alma cuando más das de ti, clarividad que me da estar junto a ti, me inunda la calma.”

El álbum es bueno (pero no el mejor en su historia), muestra la total madurez de una banda que explota toda la creatividad posible, aunque ya no tiene un sonido tan “rock”, Zoé ha encontrado la formula correcta para seguir siendo un grande exponente de la música nacional. Por lo mientras el grupo estará presentando este disco y todos sus éxitos en el recinto del Auditorio Nacional con cuatro fechas agotadas y una más a finales de año en Palacio de Los Deportes que espera alcanzar el sold out. ¡Todos queremos estar ahí! Porque “Zoé is the shit”.

 

 

¿Cuál fue tu tema favorito de Aztlán? Compártenos tus respuestas con el hastag #NoSóloBeatles y sé publicado en redes sociales. 

 

 

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¡Yo no soy un rebelde sin causa!: 100 discos que cambiaron la historia del rock mexicano. (Parte 1/10)

La historia del rock mexicano se ha escrito durante décadas con mucho mérito y sacrificio desde que el estilo “rock” llegó a oídos nacionales. Fue en 1960 cuando aparecieron los primeros discos de rock and roll liderados por grandes leyendas como Los Rebeldes del Rock, Los Locos del Ritmo o Los Black Jeans, un estilo que sacudió a una nación entera debido a su rebeldía y libertad.

Desde entonces, miles de acontecimientos han pasado dejando una marca. Para bien o para mal, el rock cambió la vida en México.

Mes con mes (el artículo estará dividido en 10 partes) iré mostrando un poco de la historia del rock mexicano; desde sus inicios con unos “rebeldes con causa”, pasando por los legendarios Caifanes, hasta llegar a bandas actuales que han dejado una huella en la historia, como los geniales Hellos Seahorse!

¡Bienvenidos sean todos al proyecto: 100 discos que cambiaron la historia del rock mexicano!

100. Rock! Los Locos del Ritmo – 1960

La historia comienza aquí: Chucho González, Rafael Acosta, Antonio de la Villa, José Negrete, Alberto Figueroa, Álvaro Gonzales y Pepe del Río deciden dejar sus comunes vidas para dedicarse a la música

En esos tiempos, grabar un disco de rock and roll en México era todo un reto, significaba provocar a la cerrada sociedad. Rock! Lo hace, con doce temas, Los Locos del Ritmo intentaron reproducir éxitos en otros idiomas transformándolos al español, pero además incluía seis canciones escritas por ellos: Mención honorífica a “Tus Ojos” y “Yo no soy un rebelde”. Éste último un himno de la juventud mexicana que sólo pretendía vacilar sin ton ni son.

 

99. Jamaica Ska – Toño Quirazco – 1965

Jamaica Ska es uno de los discos pioneros del ska en México. Una mezcla de sonidos tropicales con psicodélicos. Además, suman una influencia de jazz en algunos temas gracias a su gran capacidad para improvisar.

Es un disco compuesto por 10 covers bien logrados e influenciados por el ska de Jamaica, inyectados de el folklore mexicano. Jamaica Ska representa el inicio de una nueva forma de abarcar la música popular en México.

 

98. El Tarro de Mostaza – El Tarro de Mostaza – 1968

En pleno nacimiento del movimiento hippie surge una agrupación que llamó la atención de todos gracias a que consiguió un contrato con la disquera a la que pertenecían The Beatles: Capitol.

El disco pretende ser un álbum conceptual, donde el escucha sentirá los sonidos dependiendo el estado de ánimo. La perfecta combinación entre letras amorosas, sonidos psicodélicos y ritmos experimentales, el movimiento hippie estaba a la vuelta de la esquina.

 

97. La Revolución de Emiliano Zapata – La Revolución de Emiliano Zapata – 1971

“La Revo”, banda que con un solo sencillo lograron colocarse en los gustos del publico alemán, americano, francés e inglés. El disco está fuertemente influenciado por bandas como Creedence, The Who y Eric Burdon.

Potentes solos de guitarra, tintes progresivos, sonidos nítidos, bajos poderosos y letras en inglés componían un disco que con el tiempo fue haciendo historia.

 

96. Bandido – Bandido – 1973

Bandido caminó por los deliciosos caminos del jazz, rock, blues y soul. Es como nace su primer disco compuesto por siete canciones. Bandido fue un caramelo para aquellos melómanos que gustaban de propuestas sonoras que fusionaban diferentes ritmos e instrumentos.

Gracias a ello, Bandido fue una de las bandas participantes en el Festival Rock y Ruedas de Avándaro, en Valle de Bravo.

 

95. Náhuatl – Náhuatl – 1973

Otra banda participante de la generación avandariana, Náhuatl llegó con una propuesta nunca antes hecha en México: La posibilidad de mostrar el rock como manifiesto de identidad cultural. El disco ofrecía un sonido propio, con base en riffs blueseros y quiebres protoprogresivos. Las letras expresaban lo que quería gritar la juventud del 68 y la producción del disco mostraba una manera avanzada de hacer rock, “rock jarocho”. Quizá la primera banda que incluyó en su estilo sonidos mexicanos, así como lo hicieron años después Maldita Vecindad, Café Tacvba o Caifanes.

 

94. Adicto al rock ‘n’ roll – Three Souls in my Mind – 1973

Un disco repleto de mexicanismos gracias al éxito que resultó “Chavo de Onda” que definiría el léxico musical popular en nuestro país -“las tocadas”, “cotorrear”, “rola”-. Adicto al rock ‘n’ roll fundó las bases de lo que hoy llamamos el rock urbano. Es una celebración, un canto y una oda al ritmo musical que llenó los odios de la generación Tlatelolco, un disco hecho con la idea de que el rock and roll cambiaría el mundo.

 

93. El Loco – Dug Dug’s – 1975

Una propuesta ácida, progresiva y pesada en una época dura para el rock en México, en el que se apostaba más por otros géneros. Dug Dug’s siempre fue una banda que le gustaba experimentar con diferentes sonidos, géneros e instrumentos. Fue la última producción de la banda en un estudio y la que dejó una huella en la historia del rock nacional.

 

92. Hecho en casa – Nuevo México – 1975

Nuevo México es una de las leyendas poco reconocidas del rock mexicano. Sus aportaciones fueron fundamentales para el desarrollo del rock progresivo en nuestro país. El álbum fue toda una revelación por su similitud con el sonido del rock progresivo sinfónico de Jethro Tull, debido a que la flauta era la protagonista principal de todas las canciones. Fue un disco muy adelantado a su época que aún flotaba en la sicodelia post Avandaro. Desafortunadamente el álbum no tuvo gran repercusión entre el público gracias a la censura en medios debido a una tajante represión del Estado que no estaba dispuesto a permitir que la juventud se “corrompiera”.

 

91. Nadie en especial – Chac Mool – 1980

Llegan los ochentas y en México el rock se daba de forma atemporal y casi nula. Después de la represión gubernamental a este género, apoyada por los medios de comunicación, las manifestaciones culturales de los jóvenes se convirtieron en algo marginal. Chac Mool significó una renovadora fuerza dentro del rock mexicano.

Un disco transparente y de portada abatible. Sus temas duraban demasiado para ser radiables, el aspecto físico de los integrantes no tenía nada que ver con el de artistas comerciales y el arraigado prejuicio negativo ante el rock, la sorpresa fue el éxito comercial que se generó tras su lanzamiento.

 

90. Continuará…

 

 

 

FUENTE: Texto basado en el libro “Antes de que nos olviden. 100 discos esenciales del Rock Mexicano.” 

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5 bandas mexicanas que murieron en el camino del rock

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La historia del rock mexicano se ha escrito con muchos altibajos durante la última década; bandas que se han consagrado como máximos exponentes del rock mexicano y su cultura, y bandas que han desaparecido (algunas lamentablemente, otras con mucho mérito) debido al poco apoyo que reciben, al ego de sus integrantes e incluso porque no tenían mucho que ofrecer en la escena actual.

Y es que el margen que les han dejado las bandas más representativas de México es muy alto. Hablando de Café Tacvba, Caifanes, Molotov e incluso Zoé, son bandas que han aportado algo diferente a la música en México, algo que va más allá de reunirte con tu banda y tocar en el garaje cada domingo hasta ser un rockstar. Sonidos, estilos, voces, es algo de lo que necesita la escena actual del “rock” ­ -sí, así entre comillas- para poder sobresalir en México.

Existen bandas que tenían todo para llegar a un lugar consagrado en los mejores festivales musicales del mundo representando al rock mexicano, pero lamentablemente se quedaron en el camino de llegar a ser los próximos Caifanes, de ser dignos representantes de que el rock en México no ha muerto.

Aquí les dejo una lista de 5 buenas bandas que murieron en el camino del rock (y sí, extrañamos mucho):

  1. Bengala

Sí, mientras escribía la entrada de mi artículo, no hubo otra banda que me llegara más a la mente que Bengala. Esta agrupación formada en la CDMX en el 2003 con un increíble sonido y sabor a rock. Nominada al Grammy Latino en el 2007 como mejor álbum de rock alternativo con “Bengala” su primer álbum. Con apenas 3 discos Bengala prometía muchísimo en la escena del rock mexicano, llevándolos a compartir escenario con grupos como Franz Ferdinand, The Killers o Babasónicos.

Nunca se supieron los motivos reales de la separación, actualmente Diego Suárez (ex vocalista de la banda) tiene otro proyecto totalmente distinto a Bengala, y nosotros seguimos lamentando la extinción de tan maravillosa banda.

 

  1. Austin TV

Si algo necesita con urgencia el rock mexicano es identidad y originalidad. Austin TV era el claro ejemplo de ello. La banda llega en el 2001 con un concepto que nunca antes había hecho alguna banda. Cubriendo su identidad con peculiares máscaras de hoja, conejo, mariachi (por mencionar algunas), enamoraron al público mexicano con su rock instrumental tan prendido y bien logrado que la gente quedaba maravillada en cada una de sus presentaciones. Esto los llevó a presentarse en festivales como Coachella y Vive Latino. Sí, Austin TV era la banda del futuro, de México y de una generación que buscaba algo diferente a los clásicos.

Actualmente se encuentran en paro indefinido y nosotros esperamos que llegue el día en que la banda nos regale otro disco tan emblemático como lo fue Fontana Bella.

 

  1. Porter

Aunque la banda actualmente sigue activa (y es realmente buena, sin duda), Porter pintaba para ser una de esas agrupaciones tan grandes que podían alcanzar el nivel al que llegaron bandas como Caifanes o Fobia en su época. La banda nacida en Guadalajara en el 2004 alcanzó rápidamente la gloria del rock gracias al clásico “Espiral”, canción que ya es una referencia obligada para el rock mexicano.

Y aunque su reencuentro en el 2013 eran noticias maravillosas, los rumbos del vocalista Juan Son eran distintos a lo que quería la banda, lo que causó un cambio total en Porter, con otro concepto y una voz nueva Porter intenta recuperar su título como uno de los máximos exponentes del rock en México.

 

  1. Los Odio!

La superbanda surgida con el movimiento de bandas del 2000, reunía a rockeros importantes en México, liderada por Paco Huidobro (Fobia), Jay De La Cueva (Moderatto), Tito Fuentes (Molotov), Enrique Rangel (Café Tacvba) y Tomás Pérez (La Lupita). La química entre los excelentes músicos los llevó a editar un CD titulado “Los Odio!” y a contar con varios sencillos.

Una banda con mucho rock y experiencia que duró poco tiempo, como las buenas cosas. En el 2012 intentaron regresar en una presentación del Vive Latino, pero después de ahí se supo muy poco. Deseamos que algún día regresen a hacer lo que mejor les sale.

 

  1. Los Fascinantes

Los Fascinantes tenían un futuro prometedor en la escena del rock mexicano, con un sonido a rock clásico y tintes vintage, la banda queretana inicia su carrera en el 2013 con un disco de seis canciones lo suficientemente buenas para llevarlos, un año después, a los XV años del Vive Latino estrenando su único material de larga duración titulado Gigante.

El proyecto que prometía mucho sólo duró apenas 4 años, lo cual los fans de dicha banda nos lamentamos demasiado.

 

Y tú ¿qué bandas mexicanas que murieron en el largo camino del rock extrañas tanto?

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Del amor, la nostalgia y otros demonios; Imperfecto Extraño de Enjambre.

La calzada Proaño quedó atrás y bastaron tres años para poder recorrer las nostálgicas calles de Imperfecto Extraño, el sexto álbum de la banda mexicana Enjambre que dio a luz los últimos días de abril y que ha sido recibido con los brazos abiertos por todos sus fans (dos sold out seguidos en el maravilloso Teatro Metropólitan lo avalan).

Imperfecto Extraño está conformado por 12 canciones bien dirigidas por una hilera con temática cinematográfica, por la que llevan una misma línea narrativa: inicio, desarrollo, clímax y desenlace, a palabras del mismo Luis Humberto Navejas, vocalista de la banda, influenciados por el buen rock clásico y la nostalgia característica.

El sonido que siempre había querido la banda lo alcanzan en este álbum, integrando sintetizadores poderosos que les da un sonido más cálido, vintage y explosivo. Eso lo demuestran con Obertura la canción encargada de abrir el disco, nos envuelve desde el primer segundo en una atmosfera de cine retro.

Celeste es la continuación, una canción poderosa con ritmos muy rockeros y una letra que habla sobre un ser que viene a darle luz y sonrisas a tu mundo: “En mi mundo hecho trizas vienes a provocar sonrisas”.

Avanza con En Tu Día, el primer sencillo del disco, el cual continua por la fila rockera, con una poderosa batería y los sintetizadores de fondo le dan un toque único a la canción, que habla sobre la importancia de sonreír siempre ante cualquier situación, incluso antes de dormir. Aunque existen varias hipótesis de fans sobre que va de la vida misma o unas más extrañas como de la menstruación.

Tercer Tipo es una de las mejores canciones del disco por todo lo que envuelve; la letra, el ritmo, la atmosfera, es un tema que describe el sonido de Imperfecto Extraño. Habla sobre un encuentro tan increíble, especial y tan extraño que parece de otro mundo, un nuevo principio.

El desarrollo del disco sigue con Luces de Periferia, tema compuesto e interpretado por Julián Navejas, el cuál habla del fin de una relación. Para seguir con Detéstame, una canción cruda, directa, sin algún otro significado de lo que dice: ¡Ya detéstame! Con un exquisito ritmo (ni tan movido, ni tan lento) te mantiene en una misma línea durante los tres minutos, mientras te da motivos suficientes para odiar.

Nudo es la primera canción instrumental de la banda, con poderosos rasgueos de guitarra, un gran ritmo y los sintetizadores envolviéndote, se vuelve un sube y baja de sonidos y emociones. El clímax de esta película llamada Imperfecto Extraño llega con El Futuro, tema social que aborda los temas de la discriminación, la indiferencia y la búsqueda de un lugar mejor para poder vivir.

Con el mismo clima que lleva el disco Y La Esperanza es otro de los mejores temas del Imperfecto Extraño, narra la historia de un amor imposible que ha sido unido siempre por el destino y la esperanza, que es la única que muere hasta el final.

El desenlace del álbum corre a cargo de Amanéceme, tema escrito e interpretado por Rafael Navejas, una balada sumamente romántica que basta con escuchar “Qué claro se tiñen los colores del día cuando acabas de amanecer en mí” para enamorarte de ella.

Vida En El Espejo es una charla que tiene el personaje principal de la canción consigo mismo, frente a un espejo, en la que se confiesa todo lo que siente con su vida. Esta platica se desenvuelve de menos a más y por eso la hace más interesante, una verdadera joya de canción, ¿cuántos no necesitamos una plática así?

Desenlace es la canción perfecta para despedir este Imperfecto Extraño, hace referencia a que aunque todo terminó algo seguirá ahí por siempre, puede ser una canción, un álbum más extraño que imperfecto o una banda que nunca deja de sorprender a sus seguidores, innovando, escribiendo y sobre todo, haciendo música que eriza la piel.

¡Están todos invitados a la presentación de esta gran película llamada Imperfecto Extraño! Presentándola el próximo 8 de octubre en las instalaciones del majestuoso Auditorio Nacional, un concierto imperdible, protagonizado por Luis Humberto, Julián Navejas, Ángel Sánchez, Javier Mejía y Rafael Navejas. Un “filme” donde las algarabías, la nostalgia, el amor y otros demonios se apoderan de la mente, esto es Enjambre.

CANCIONES IMPERDIBLES: En Tu Día, Tercer Tipo, Y La Esperanza, Vida En El Espejo.

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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Viaje al centro de la selva en trece canciones, Bálsamo de Caloncho.

Música tan confortante como el abrazo de mamá, optimismo, amor, mascotas, un recorrido por la selva, letras suaves y melodías exquisitas es tan sólo un poco de lo mucho que puedes encontrar en Bálsamo, la nueva y exitosa producción de Caloncho.

Después de su exitoso álbum “Fruta Volumen II.”, el compositor sonorense deja atrás su sonido tropical/frutal para adentrarse en un viaje por la selva caloncha. Bálsamo ofrece un bufete de sonidos y composiciones interesantes.

Bálsamo es la canción que le da el nombre al disco, una melodía que habla sobre la increíble sensación que causa la música bien hecha, como un remedio que alivia todos los males.

En seguida, el ritmo cambia para darle la bienvenida a la canción más alegre del álbum, Optimista, desde los primeros segundos te pone a bailar con la melodía tan pegajosa y positiva que tiene. Es una muestra de que siempre debes ser feliz con todo lo que tienes y te rodea; sol, viento, alegría, gratitud, tranquilidad, dormir, despertar, sonreír y sobre todo, mucha actitud en todo lo que haces.

Equipo es una canción feliz en la que Caloncho habla sobre la familia unida como una “manada de mamíferos” en la que todos se deben querer y proteger. Continúa con Brillo Mío, la canción más tierna y romántica del disco, un canto al amor y cómo ilumina la vida de las personas (que por cierto, es dedicada a su esposa).

Hedonista, una de las canciones más bellas en la carrera del músico. Una melodía en la que resalta mucho la voz y lo que expresa, basta con escuchar “¿Cuántas horas solitarias te harán volver a mí?”, un canto al desamor. El disco continúa por la línea de la tranquilidad con No me caigo bien, que habla sobre lo que todos hemos vivido en algunas ocasiones, ese momento en que uno está harto de todo y de sí.

Diario te llena de amor y dulzura, con un juego de palabras y percusiones que marcan el tiempo de los besos de esos fuertes y largos. Mientras que Mascota habla sobre el placer que te da la vida al tener un amigo fiel y poder abrazarlo.

El camino por la selva de Bálsamo nos lleva a Fotosíntesis, una canción que trata sobre la importancia del sol, la naturaleza y la conciencia de nuestros actos hacia el medio ambiente. Fierroflies es un interludio para darle entrada a Amigo Mujer, creativa melodía que plasma el recorrido de intentar ser amigo de una mujer cuando ella tiene problemas por las locas hormonas.

Las elegidas para cerrar el álbum están a cargo de Bebé, un poema que tocará el alma de todas las personas que han tenido la dicha de ser padre y Campamocha, dedicada a una persona especial a la que extraña y manda saludos hasta el cielo.

Así concluye el viaje, un disco con el estilo muy penetrado de Caloncho, baladas suaves, tonadas dulces y arreglos mágicos que hacen brillar al álbum y que seguramente lo hará recorrer todo el país incluyendo su exitosa presentación en El Plaza Condesa, porque Bálsamo suave alivia, como un abrazo de mamá.

CANCIONES IMPERDIBLES: Optimista, Hedonista, Brillo Mío, Diario.

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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