De las profundidades progresivas

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De Profundis, honda sorpresa en la música mexicana contemporánea.

….It is the one thing that has in it the elements of life, of a new life, VITA NUOVA for me.

Oscar Wilde

 

 

Existe un tipo de semilla que es resistente a casi todo; puede permanecer latente hasta esperar el momento preciso y germinar. De Profundis con su disco titulado Proyecto Paisajes demuestra algo que no se encuentra en el páramo musical actual: autenticidad, búsqueda, rigor y rendición a sus raíces.

En esta obra, De Profundis nos entrega ocho imágenes auditivas del estado de Chihuahua (estado de hermosos e improbables escenarios). Son ocho temas producto de la mente de Jaime Arturo Uribe, músico mexicano de trayectoria digna de encomio: egresado del conservatorio del INBA, director de orquesta y musicólogo, docente y crítico musical. Pianista y musicalizador de documentales galardonados; su obra ha sido exhibida en España, París y Nueva York. Se necesitaría un espacio más grande para profundizar en su trayectoria; como se necesitan espacios para exhibir las obras de creadores que como él, dan lustre a nuestro país.

El consorcio De Profundis es un proyecto musical interdisciplinario que nos entrega esta obra heroica en muchos sentidos.

Cielo de nubes abre con lánguidas notas que generan atmósferas volátiles en contrapunto con una arritmia percusiva que da paso a un silencio profundo, espacio que equivale al papel en blanco. Se retoma el discurso, es inevitable recordar la música de Silvestre Revueltas en algunas formas de nube.

Paquimé, música de trazo geométrico y repetitivas percusiones que dan cauce a teclados graves en el más puro buqué progresivo. Hay algo de Krautrock en estos montículos de arena.

Cumbres de Majalca me recuerda al gran Mario Lavista por unos instantes, me sorprende leer que Jaime Arturo Uribe fue su discípulo. In crescendo que se convierte en piedra… sobre piedra.

Basaseachic quizás la composición más lírica, con pasajes de agua que no termina de caer. No es descabellado pensar que esta composición me transporta a un viaje al centro de la tierra.

 Médanos, bienvenido al desierto.

Grutas. Eco de aguas subterráneas que emana imágenes que se desvanecen en el más puro estilo electrónico. Rendición a Edgar Froese y su Aqua, -llego a pensar en voz alta-. Esta pieza es un viaje sin boleto.

Llanuras, beat y dominio de la técnica con aroma jazzy… una trompeta, un solo de piano groovy para bajar del ultraligero en La Barranca del Cobre. Se cierra el ciclo, una interpretación solemne pero esperanzadora.

De la misma manera que la carta de Wilde, la grabación de De Profundis evidencia sus susceptibilidades, su pasión y su gran amor, aunque el precio a pagar sea muy alto; un castigo desmesurado. En las notas del booklet el artista sentencia: ¨Hago votos por que (en México) llegue el día en que no sean necesarios el sacrificio y la abnegación, el pequeño heroísmo de los involucrados en proyectos como el presente¨.

 A pesar del páramo de la fast music, la semilla rindió frutos abriendo su camino a punta de creatividad.

Nuestro país sería muy diferente si se apoyasen semillas como esta. Sin duda alguna.

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

¿ Quién es Madame Récamier ?

Gina Récamier, mejor conocida como Madame Récamier  es una  chica talentosa que trae la música y el pop por sus venas, músico y compositora independiente, actualmente forma parte de la banda de Aleks Syntek, trabajo  que combina con sus presentaciones como solista,  hace tiempo ofreció un concierto para sus seguidores durangueses  y nos contó sobre  sus proyectos, su música y cómo ve actualmente el pop en México:

 

-¿A grandes rasgos quienes Madame Récamier?

Madame Récamier es Gina Récamier y hago música, compongo, toco la guitarra,  el piano, produzco, grabo  y hago todo lo que se puede, llevo ya muchos años haciendo música, desde chiquita canto y ahorita ya estoy por sacar mi tercer disco, mi primer disco se llama “Chocolate”,  el segundo se  llama  “Ima-Gina” y  el  tercero se va a llamar “Mi corazón”, un disco muy bonito y que ya estoy emocionada de sacar porqué me tardeé dos años en hacerlo y pues fue un rato de trabajo y esta es la primera vez que vengo a Durango a promocionar mi música, estoy muy contenta porque fui muy bien recibida , voy a cerrar el año con un disco nuevo y muchos shows.

 

¿Cuáles son tus influencias musicales?   

Yo siempre fui muy influenciada por Regina Spektor, es una de mis compositoras favoritas, me gusta mucho Feist  pero desde chica escuché mucho a los Beatles,  eso siempre va estar en mi biblioteca musical como número uno, crecí también escuchando mucha música en español, mucho pop en español, me acuerdo que mis papas me ponían a Mecano o Juan Luis Guerra, Juan Gabriel, Luis Miguel ,de todo, entonces crecí con eso, muchos musicales españoles que mi abuelo y  mi bisabuelo traían  a México porque, ellos eran productores de cine y traían mucho a Pili y Mili, Marisol, Rocío Durcal entonces s crecí con esta musicalidad en mi familia,de mis bandas favoritas delos 70´s  podría mencionar a Fleetwood Mac, Electric Light Orchestra, me encanta Dolly Parton, más en el country, entonces  si tengo mucha influencia en los 70s, me encanta todo lo que escucho en realidad.

 

¿Tú compones tus canciones?

Así es todo, todo lo compongo yo, a veces hago co-composiciones  o como se diga, y eso está también  muy padre porque comienzas a conocer diferentes compositores  que se unen a tu vibra o tu a la suya y conoces esa nueva forma de hacer música, entonces eso me encanta también, por ejemplo en mi disco pasado hay una canción que se llama “Luz Verde” y esa la hice con Luis Humberto  Navejas de “Enjambre” y eso estuvo muy padre porque él y yo hacemos música muy distinta, entonces esta canción salió muy especial y así sucesivamente  vas conociendo gente, estuve también con los “ Estrambóticos” hace un par de años haciendo un dueto, con Flor Amargo, con varios grupos.

 

 

 

 

¿Qué relación musical tienes con  Aleks Syntek?

Con  Aleks toco en su banda, colaboré en su disco pasado que se llama  “Syntek + Syntek”,  hicimos una canción junta que se llama “Be the Rocket”,  es la única canción en ingles del disco, crecí unos años en Estados Unidos, entonces tengo buena presentación y entonces decidimos sacar la canción en inglés, sigo tocando con él yo he venido con él  a Durango el año pasado y el mes pasado también venimos con Christian Castro.

 

¿Cómo combinas tu carrera de solista con la presentación con Syntek?

Pues es muy difícil, porque  si se llegan a cruzar las fechas, este año he tenido mucha suerte porque solo se me han  cruzado dos veces y  Aleks es muy equitativo, me apoya muchísimo,  y entonces  a veces cuando tengo algo importante de Madame  me deja faltar y mandar  a una suplente y podemos trabajar de esa manera, yo siempre trato de cumplir porque al final del día es mi trabajo y me encanta estar en le escenario con él y aprender de él, entonces para mi es importante estar ahí y yo trato de estar coordinar nuestras fechas   para que no se mezclen.

 

¿Cómo defines tu estilo, tu música?

Yo lo defino pop  porque es música digerible, entonces le doy ese toque Vitange o Dream, entonces es Vitange pop o Dream pop, creo que es algo bonito porque es como si entraras a otra dimensión del por en español y con un toque de independiente y especial que le doy, que no viene fabricado desde una disquera pero escucho todo lo que suena, trato como de adaptarme, también ver cómo puedo de acércame a la gente y puedan escuchar la música y que digan “ahh que padre”, algo que le gusta pero que sea a mi manera.

 

¿Actualmente como vez el pop en México?    

La música en México siempre  va ser muy firme, sobre todo cuando los haces cantar, a la gente  le gusta que los hagas cantar , le gusta cantar , me he dado cuenta de eso, entonces todas  mis canciones ya las he convertido un poco más en baldas y boleros y cosas que les pueda llegar más al corazón y que exista una frase que se repita muchas veces, pero la gente está atenta y les gusta la música y eso me encanta, me encanta  ver que hay muchas chicas sacando  música  como Vanessa Zamora, Flor Amargo, como Marian Ruzzi, todas nosotras estamos tratando  de  hacer una diferencia en el pop, no firmamos con disqueras y decidimos  sacar nuestra música a nuestra manera  y creo que eso da un toque especial a la escena y genera escena porque ahorita somos nosotras las que  estamos creando este mundo donde podemos decir mira si se puede hacer música independiente y si puedes hacer un disco  tu sola , con tiempo y poco a poco y mintiéndole  de a poco y aprendiendo de todo pero lo puedes lograr y hacer tu propio mundo musical.

Licenciado en comunicación con maestría en televisión educativa y duranguense de nacimiento, Geraldo Rosales ha sido creador de los programas de Radio como “Viaje Mágico y Misterioso” y “La Caverna de Liverpool”, se desempeñó por más de 11 años en el periódico Contexto de Durango como jefe de la sección de cultura y espectáculos .Actualmente imparte conferencias con temática de los Beatles y es el conductor del programa “El submarino Amarillo” que se transmite por TV UJED.

Iluminados por el aura de una “Musa”

-Según la historia en la mitología griega las “Musas” eran, según los escritores más antiguos, las diosas inspiradoras de la música y, según las nociones posteriores, divinidades que presidían los diferentes tipos de poesía, así como las artes y las ciencias.

“¿Quién te hizo así?, que arquitecto diseñó tu cuerpo, y lo moldeo a la medida, quien abrió tus poros y tu piel?, qué músico le puso timbre a tu voz,  aquella voz que nombra, que me llama, que sonríe, te amo mi vida, mi musa de cada día”, esto  se leía hoy en  la mañana en  el Facebook de Jorge mientras poco a poco se llenaba de “Likes” y Moni, la musa le  respondía  “Me encanta ser tu musa, eres un adorable “…

Músicos, poetas, escritores, cantantes, compositores  y  declamadores   durante su vida siempre  han sido iluminados por el aura de una “Musa”, una mujer en la que recae toda la inspiración posible y que hace que cada cosa tenga valor,  que tenga sentido,  un punto de partida para que la hoja en blanco se convierta en algo,  una foto donde ella sonríe o llora, todo es válido cuando se trata de hacerle “algo” a “alguien” muchas veces aunque nunca se llegue a enterar.

Según la historia en la mitología griega las “Musas” eran, según los escritores más antiguos, las Diosas inspiradoras de la música, divinidades que presidían los diferentes tipos de poesía, así como las artes y las ciencias. Originalmente fueron consideradas ninfas inspiradoras de las fuentes, cerca de las cuales eran adoradas; y llevaron nombres diferentes en distintos lugares, hasta que la adoración tracio-beocia de las nueve Musas se extendió desde Beocia al resto de las regiones de Grecia y al final quedaría generalmente establecida, aunque en la mitología romana terminaron siendo identificadas con las camenas, ninfas inspiradoras de las fuentes, en realidad poco tenían que ver con ellas.

Las nueve musas eran hijas de Zeus y de Mnemosine, eran consideradas diosas de las artes, de la poesía y de la música, y vivían en el monte Helicón. Estas eran: “Calíope”, musa de la poesía épica, madre de Orfeo, “Clío”, musa de la historia, “Euterpe”, musa de la música de flauta, “Terpsícore”, musa de la danza, ”Erato”, musa de la poesía lírica, “Melpómene”, musa de la tragedia, “Talía”, musa de la comedia, “Polimnia”, musa de la danza o la geometría, “Urania”, musa de la astronomía. Otros historiadores aseguran que existió una décima musa  por Platón: “Safo” en Poesía lírica, griega y la dictaminó 400 años después de que ella muriera.

Musas modernas que inspiraron a grandes artistas:

-Lee Miller  (Musa de  Man Ray, Picasso, Roland Penrose)

Lee Miller siempre estuvo detrás, pero también delante de una cámara. Comenzó a modelar a los 19 años en Nueva York, posando entre otros para el gran fotógrafo Edward Steichen, uno de los mayores representantes del Pictorialismo,  a los 22 años comenzó a trabajar como asistente de Man Ray en París, convirtiéndose rápidamente en su amante, colaboradora creativa y musa.

Picasso también cayó brevemente bajo su hechizo, llegando a representarla en cinco de sus retratos. Más tarde, Lee se casó con Roland Penrose, el pintor surrealista, quien en su obra Noche y Día (1937) la retrató como una especie de diosa flotando en el cielo. Desde su muerte, la reputación artística de Lee Miller ha ido en aumento, siendo considerada en la actualidad como una gran fotógrafa que también fue una gran musa.

 

-Catherine Deneuve (De Luis Buñuel, Yves Saint Laurent)

Catherine Deneuve representa a un tipo de musa muy actual. Icono mundial del más exquisito de los estilos, su particular encanto francés y su misteriosa e indescifrable belleza hicieron que se convirtiera en la musa preferida tanto por Luis Buñuel como por Yves Saint Laurent, dos temperamentos artísticos muy diferentes. Buñuel vio en ella algo inalcanzable que la hacía perfecta para sus intencionadamente perversas y agudas películas. Yves Saint Laurent, sin embargo, supo captar su elegancia natural y su estilo atemporal. Durante más de 30 años fue la cara de su sello, una musa fiel que sólo llevaba sus creaciones, la encarnación de una visión del diseñador.

-Zelda Fitzgerald  (Musa de  F. Scott Fitzgerald)

Pocas musas literarias han logrado personificar toda una época a la vez que inspiraban a su más brillante cronista.  Zelda Fitzgerald fue la “enfant terrible” más representativa de los llamados locos años veinte, quien, según sus propias palabras, “no tenía un solo sentimiento de inferioridad, timidez o duda, además de carecer del más mínimo principio moral”. Fue el árbitro no sólo de la edad moderna, sino también de todo lo que ha seguido, desde el culto a las celebridades a la idea de la belleza perdida. Y fue, sobre todo, el modelo literario para muchas de las heroínas que salieron de la pluma de su marido, F. Scott Fitzgerald, quien en una ocasión escribió sobre ella: “No sé si Zelda y yo somos reales o si somos personajes de una de mis propias novelas”.

-Alice Liddell  (Musa de  Charles Dodgson “Lewis Carroll”)

La musa niña de Charles Dodgson  (Lewis Carroll) fue Alice Pleasance Liddell, hija de un matrimonio amigo de Dodgson, quien a la edad de 10 años fue la inspiración que le llevó a escribir su famoso libro Alicia en el país de las maravillas, después de haber pasado una bonita tarde, el 4 de julio 1862, en compañía de Alice y sus hermanas disfrutando de una comida campestre e inventando historias para entretener a las niñas.

Charles Dodgson también la fotografió en muchas ocasiones, la más famosa, la toma que la representa como una niña mendigo, un retrato que combina la fantasía y la seriedad de un modo más bien inquietante. La naturaleza de la amistad/enamoramiento de Dodgson con Alice se ha convertido en una fuente de debate espinoso desde entonces, pero de cara a la historia basta decir que sin Alice, no habría existido Alicia.

-Patty Boyd (George Harrison y Eric Clapton)

Modelo y Musa inspiradora de muchos por su belleza, George Harrison le dedicó Something, Eric Clapton le dedicó Wonderful Tonight y todo el disco Layla habla sobre la relación con ella, y los problemas que le causó enamorarse de la esposa de su mejor amigo. Mick Jagger le dedicó Angie, hablando sobre el problema de Clapton y su sufrimiento. El origen de Layla se halla en la pasión amorosa de Clapton hacia Pattie Boyd, la mujer de George Harrison, el celebérrimo guitarrista de los Beatles, muy amigo suyo, la historia triangular Clapton-Boyd-Harrison forma parte de la mitología rockera.

Layla tuvo inicialmente una repercusión un tanto tibia, pero poco a poco fue consolidándose y hoy se la considera una de las grandes canciones de amor de la historia. Pattie Boyd inspiró también a Clapton Wonderful Tonight, una emocionante balada, y durante su matrimonio con George Harrison, fue la musa para que éste compusiera Something. Tres grandes canciones para una mujer afortunada.

Por suerte para Clapton, Pattie Boyd acabó abandonando a su marido para unirse a él. Ya durante la grabación del álbum se veían a escondidas, la canción “Layla”, trataba sobre un hombre que cae enamorado perdidamente de una mujer que le quiere pero no está disponible “Me la puso dos o tres veces, mientras miraba mi cara para ver mis reacciones. Mi primer pensamiento fue que todo el mundo me iba a reconocer” afirmo alguna vez la mayor musa de todos los tiempos.

Las dos  musas mexicanas más reconocidas:

  

-Sor Juana Inés de la Cruz  “Décima Musa” orgullosamente Mexicana

A Sor Juana debido a su genialidad poética alguien la considero digna de ser admirada por los dioses y formar parte de las musas, Juana Inés de Asbaje y Ramírez de Santillana, más conocida como Sor Juana Inés de la Cruz, nacida en Nepantla el 12 de noviembre de 1651, fue una religiosa y escritora novohispana del Siglo de Oro. Cultivó la lírica, el auto sacramental y el teatro, así como la prosa. Por la importancia de su obra, recibió los sobrenombres de “el fénix de América”, “la Décima Musa” o “la Décima Musa mexicana».

A muy temprana edad aprendió a leer y a escribir. Perteneció a la corte de Antonio de Toledo y Salazar, marqués de Mancera y 25° virrey novohispano. En 1667 ingresó a la vida religiosa a fin de consagrarse por completo a la literatura. Sus más importantes mecenas fueron los marqueses de la Laguna, virreyes de la Nueva España, quienes publicaron sus obras en la España peninsular. Murió a causa de una epidemia el 17 de abril de 1695.

Sor Juana Inés de la Cruz ocupó, junto a Juan Ruiz de Alarcón y a Carlos de Sigüenza y Góngora, un destacado lugar en la literatura novohispana. En el campo de la lírica, su trabajo se adscribe a los lineamientos del barroco español en su etapa tardía.

-María Félix “La Doña Mexicana”  (Musa de Agustin Lara, José Alfredo Jiménez y Juan Gabriel) 

Ya casada con Agustín Lara se convirtió en su musa y el compuso muchas de sus más bellas canciones inspirado por su amor a María, algunas de ellas como “Humo en los Ojos”, “Palabras de Mujer”, “El Chotiz Madrid”, y por supuesto “María Bonita”, que le es tocada y cantada a María cada vez que ella arriba a algún sitio donde hay músicos.

José Alfredo Jiménez le compuso” Ella” y se la mandó cantar a Argentina, no importa que después se las dedicara a tantas otras. Cuco Sánchez le compuso “Oiga Doña”. En Francia un joven de 20 años escribió la letra de la canción “Je Iáime a mourir”, cuenta la historia de un joven que sufre de amor por ella sin más recompensa que lo que ella quiera darle.

Con Agustín Lara hizo giras donde Lara tocaba el piano y ella cantaba aún cuando ya en ese momento ella estaba casada con Alex Berger. Hizo una gira también con Chucho Ferrer y Andrés Soler por Centro y Sudamérica, donde interpretaba canciones de Lara y hacia algunos sketchs con Soler.

 

 

 

 

Licenciado en comunicación con maestría en televisión educativa y duranguense de nacimiento, Geraldo Rosales ha sido creador de los programas de Radio como “Viaje Mágico y Misterioso” y “La Caverna de Liverpool”, se desempeñó por más de 11 años en el periódico Contexto de Durango como jefe de la sección de cultura y espectáculos .Actualmente imparte conferencias con temática de los Beatles y es el conductor del programa “El submarino Amarillo” que se transmite por TV UJED.

Radiohead, 20 años de su obra cumbre OK Computer.

Ahora que en este año se han celebrado los aniversarios de discos importantes y fundamentales en la historia de la música, como el Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band de The Beatles que cumplió 50 años o el Joshua Tree de U2 que llegó a las 30 primaveras, no podemos dejar atrás un álbum imprescindible, publicado en la década de los noventas, que precisamente cumple su vigésimo aniversario de haber sido lanzado y que se convirtió en una de las obras maestras del rock del siglo XX, nos referimos a OK Computer del quinteto Radiohead, integrado por Thom Yorke, Jonny Greenwood, Phil Selway, Ed O’ Brien y Colin Greenwood.

Durante los noventas se dieron interesantes movimientos musicales dentro del rock, por una parte en los Estados Unidos surgió en la costa oeste, en especial en Seattle, un género estridente y lleno de fuerza llamado Grunge, pero en respuesta los ingleses retomaron los viejos sonidos de grupos como The Kinks, The Beatles y The Jam y a este estilo lo bautizaron como Britpop, que ya venía cocinándose desde los ochentas con bandas como The Smiths y Joy Division. Si en la Unión Americana Seattle era la cuna y sede de bandas famosas, en Inglaterra fue Manchester. Grupos como Stone Roses, Suede, Oasis, Blur y Pulp rápidamente alcanzaron una gran popularidad en la isla y en Europa, pero de entre ellos surgió, en el sur del Reino Unido, una joven banda llamada Radiohead que atrajo las miradas del público y la crítica musical internacional.

La obra debut de Radiohead se llamó Pablo Honey (1993) la cual  no se alejaba mucho lo que hacían sus contemporáneos, aunque de ahí surgió un gran éxito llamado Creep. Una excelente canción llena de melancolía que relata el amor imposible al que aspiraba un personaje marginado. Su segundo material discográfico, The Bends (1995), tuvo una buena recepción con temas como High & Dry, My Iron Lung y Fake Platic Trees que llegaron a buenos lugares en los charts. Pero en 1997, Radiohead dio una sorpresa con OK Computer. Un disco que se alejó del estilo que habían trabajado en Pablo Honey y que fue más parecido a The Bends; ya no era el clásico Britpop, ellos fueron más allá al comenzar a experimentar con nuevas temáticas y sonidos en sus canciones.

Bajo la producción de Nigel Godrich y con un presupuesto, dado por su sello Parlophone debido al éxito del anterior disco, de 100 mil libras, Radiohead comenzó la grabación en septiembre de 1995 en los estudios de Canned Applause, dejándola en lapsos (para cubrir otros compromisos, como una gira previamente pactada para acompañar a REM) y continuar con ella en los siguientes dos años. Finalmente el álbum se lanzó el 16 de junio de 1997 y llegó al número dos en las listas de Reino Unido, mientras que en los Estados Unidos alcanzó la posición cuatro en la lista Top Ten Alternative Albums y la seis en el conteo del Top Rock Albums ambas de Billboard. De este disco se desprendieron los sencillos Paranoid Android, Karma Police, Lucky, No Surprises y Airbag.

Han pasado 20 años y la obra no ha envejecido, al contrario, se escucha vigente. Con OK Computer, Radiohead decidieron reclamar toda la herencia del pop y rock ingles de los sesentas, setentas y ochentas para hacerla suya y con esta crear un estilo propio que los catapultó entre los grandes músicos de la actualidad. Pero no se conformaron con tomar solamente el ritmo de The Kinks, The Who o The Beatles, sino se expandieron a géneros como el rock progresivo con representantes como Pink Floyd, Genesis o King Crimson. Asimismo tomaron el sonido de la primera etapa de Queen y no ignoraron la música norteamericana. Thom Yorke ha dicho que también se inspiró en el disco de jazz avant garde, Bitches Brew, de Miles Davis.

Ok Computer comienza con el tema Airbag que narra un accidente automovilístico que tuvo Yorke. La guitarra inicial de la melodía nos remite al inicio retumbante del disco Sgt. Pepper´s. Con la siguiente pieza, Paranoid Android, nos lleva al clímax sonoro. Paranoid Android es una canción dividida en tres partes melódicas a la que Thom York se refiere como una mezcla de Bohemian Rapsody de Queen con algo de Happines is a Warm Gun de The Beatles. El siguiente tema, Subterranean Homesick Alien, titulo inspirado en una canción de Bob Dylan, nos habla del aislamiento que muchas veces sentimos como seres humanos que nos lleva a sentirnos como aliens dentro de la sociedad. Exit Music (For a Film) iba a ser utilizada en la película de Baz Luhrmman, Romeo+Juliet, pero al final fue rechazada y entró perfectamente al álbum. Let Down es todo un guiño al sonido de REM con ese toque que le da la distorsión de la guitarra Rickenbacker. Karma Police utiliza una melodía con un piano tipo Sexy Sadie de The Beatles al cual se le añade Fitter Happier, en donde una voz enumera frases que describían a la sociedad de finales de los noventas, la cual no ha cambiado mucho desde ese entonces.

Electioneering es la pieza más rockera del álbum, Radiohead la tocaba durante la gira que compartían, como teloneros, con REM. Hubo planes para sacarla, en ese momento, como un sencillo, pero se guardó y entro en OK Computer. El álbum comienza a llegar a su parte final con las canciones Climbing Up The Walls, la bella No Surprises, Lucky y The Tourist que completan una obra maestra total. Puede ser que OK Computer no sea perfecto, pero su misma imperfección lo elevó a niveles que lo destacaron por encima de otras producciones discográficas de 1997 y que al momento de volverlo a escuchar no podemos dejar de sorprendernos como la primera vez que lo pusimos en nuestro reproductor.  Radiohead saben que son producto de generaciones de grandes bandas que los anteceden, por lo que decidieron treparse a sus hombros y apoyarse en ellos para concebir nueva música y abrir ese tragaluz al infinito, ese mismo que índica que el límite de la creación es el cielo.

Recientemente se editó su versión de 20 aniversario, Ok Computer – OKNOTOK, con un nueva remasterización y un disco extra que contiene material que pudo estar dentro de esta joya y que por decisiones del grupo fue dejado fuera. Ahí podemos apreciar canciones como I Promise, Man of War, A Reminder y Palo Alto. Ok Computer no ha pasado de moda, con este trabajo el estilo y sonido de Radiohead no volvió a ser el mismo, fue punta de lanza para comenzar su etapa experimental que hasta la fecha continua y le ha rendido frutos, convirtiéndolos en una banda importante de culto y con éxito internacional.

 

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Bee Gees, más allá de la película Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band.

Hace poco se festejaron los cincuenta años del Sgt. Pepper´s Lonely Heart Club Band de The Beatles. Pero ahora para el próximo 26 de septiembre saldrá a la venta en blu ray, completamente restaurada y remasterizada, la película basada en el álbum del cuarteto de Liverpool que fue un proyecto fílmico-musical llevado a cabo por los Bee Gees en el año de 1978, el cual en su momento fue duramente criticado por ser una obra fallida y ahora esperemos constatar si el tiempo pudo encargarse en convertirla en una obra de culto.

El trío formado por los hermanos Gibb, Barry (nacido el 1 de septiembre de 1946) y los mellizos Robin y Maurice (del 22 de diciembre de 1949) originarios de Isle of Man, isla perteneciente a la Corona Inglesa situada entre Irlanda y Reino Unido, en 1955 se mudaron al pueblo de su padre, Hugh Gibb, en Chorlton-cum-Hardy, en los suburbios de la ciudad de Manchester. Desde muy jóvenes formaron un grupo de skiffle, ritmo muy popular en Inglaterra, llamado The Rattlesnakes, en donde Barry tocaba la guitarra y sus hermanos menores se encargaban de las voces, los otros integrantes eran Paul Frost en la batería y Kenny Horrocks en el bajo de caja de té.

Cuando comenzaban a llamar la atención de algunos medios en Inglaterra, en agosto de 1958, la familia, que ya había crecido con la llegada de su pequeño hermano Andy, se mudó a la ciudad de Redcliffe, ubicada al noreste de Brisbane en Queensland, Australia. Ahí los hermanos Gibb retomaron su gusto por la música e hicieron de éste un trabajo por el cual eran contratados para dar varios shows; en uno de ellos el promotor y ex corredor de carreras Bill Goode, que los había empleado para actuar en el circuito de carreras de Brisbane, en donde el público le arrojaba monedas y como parte del trato con Goode ellos se quedaban con ese dinero, los presentó con un disc jockey de Brisbane de nombre Bill Gates, quien fue el que los bautizó con el nombre de BGs (cambiado después a Bee Gees) debido a la coincidencia en las iniciales de los nombre de Barry Gibb, Bill Goode y Bill Gates, aunque hay una creencia que señala que el nombre del trío es realmente por la iniciales de Brothers Gibb.

Para 1960 el grupo ya había tenido algunas apariciones televisivas y actuaban regularmente en resorts de Queensland. En el año de 1963, llamaron la atención del músico Col Joye que los ayudó a tener una prueba con la compañía Festival Records, subsidiaria de Leedon Records, con quien firmaron ya bajo el nombre de Bee Gees. Durante la primera mitad de los sesentas, en su periodo en Australia, el grupo no alcanzó la fama que ellos esperaban pese a tener algunos éxitos en aquel país. Por lo que para finales de 1966, regresaron a su natal Inglaterra para buscar una oportunidad. Pero antes de dejar Oceanía, el padre de los jóvenes, Hugh Gibb, envió unos demos a Brian Epstein, representante de The Beatles, que a su vez se los dio a un socio en NEMS de nombre Robert Stigwood (que se convertiría posteriormente en su manager) quien les dio una oportunidad para una audición y los firmó para la compañía discográfica Polydor y publicar sus discos en Reino Unidos, mientras que Atco Records distribuiría su material en Estados Unidos.

En la segunda mitad de los sesentas, los Bee Gees comenzaron a tener fama en Inglaterra por lo que fue inevitable, por parte de la prensa especializada, compararlos con The Beatles. Los jóvenes Gibb alcanzaron un gran éxito tanto en Europa como en la Unión Americana. Canciones como Jumbo, To Love Somebody y I Started a Joke ocuparon puestos importantes en las listas de popularidad en ambos continentes.

En los setentas seguían cosechando triunfos, Barry, Maurice y Robin Gibb ya habían alcanzado un enorme estatus como compositores. En 1976 participaron en la banda sonora de la película documental All This And World War II (dirigida por Susan Winslow), en donde se incluían a varios músicos, tales como Peter Gabriel, Keith Moon, Rod Stewart y Bryan Ferry entre muchos otros, haciendo covers a canciones de The Beatles. Bee Gees grabaron tres temas: Golden Slumbers/Carry That Weight, Sun King y She Came in Through The Batroom Window.

En 1977, Bee Gees vivió uno de sus mejores momentos, dentro del género disco, al colaborar con la música para la película Saturday Nigh Fever, dirigida por John Badham y protagonizada por John Travolta y Donna Pescow. El álbum con la pista sonora del filme llegó al primer lugar de popularidad en la lista de Billboard y las canciones Stayin´Alive, How Deep is Your Love, More Than a Woman, Night Fever y Jive Talkin´ se volvieron clásicos instantáneos en los clubes de baile. Así mismo el tema de Yvonne Elliman, If I Can´t Have You, de la autoría de Barry, Robin y Maurice Gibb alcanzó el número uno en los charts de Estados Unidos y de otras partes del mundo.

Para el año de 1978, ya con toda la fama gracias a su contribución musical para la película Saturday Night Fever, los Bee Gees se aventuraron a la filmación de un obra basada en el disco de The Beatles, Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band, en donde ellos eran los protagonistas junto a celebridades como Peter Frampton, Aerosmith, Billy Preston, Alice Cooper, Steve Martin y otras celebridades.

La idea surgió cuando Robert Stigwood, representante del trío, adaptó varias canciones de el cuarteto de Liverpool para un musical en Broadway que se llamaría Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band on the Road, pero el proyecto se abortó y decidieron llevarlo a la pantalla grande aprovechando la popularidad del grupo y de otras figuras de la música disco y del rock. La película comenzó su filmación en octubre de 1977 en el exterior de los estudios de la Metro Goldwyn Mayer en la ciudad de Culver, al oeste de Los Angeles. Para encargarse de la música, Stigwood llamó a George Martin para producirla, debido a que él tenía la experiencia y el conocimiento de las melodías de The Beatles. Martin trabajó la mayoría de las canciones, a excepción de Come Together con Aerosmith y Got to Get You Into My Life en la versión de Earth, Wind and Fire.

La película se estrenó el 21 de julio de 1978, la crítica y el público la despedazó, mientras que el disco del score del filme corrió con una suerte diferente ya que alcanzó al quinto lugar en la lista de Billboard, en Estados Unidos, y llegó a ser multi platino por sus buenas ventas. De la obra se desprendieron varios sencillos exitosos que fueron las ya mencionadas Come Together y Got to Get Into My Life, Get Back en la voz de Billy Preston y Oh Darling en la interpretación de Robin Gibb.

Se ha llegado a comentar que debido a este trabajo el grupo decayó en popularidad y afectó la vida personal de cada integrante, sumado a esto, también estaba la adicción a las drogas que vivían los hermanos Gibb. Además para la crítica, que desde los sesentas, no dejaba de compararlos con The Beatles y los llamaba imitadores, fue el pretexto perfecto para seguir atacándolos y denostando su música a la que llamaban “música de goma de mascar”. De igual manera sus viejos seguidores se sentían traicionados al cambiar su estilo rock pop por el de la música disco, en donde por cierto en este género ganaron nuevos adeptos.

En ese caótico 1978, el genio de Barry Gibb salió a flote de todas las malas reseñas de la versión fílmica de Sgt. Pepper´s y se apuntó otro hit al escribir el tema principal de la película musical Grease (protagonizada por John Travolta y Olivia Newton John) que fue interpretado por Frankie Valli. Aunque muchos sólo recuerdan a los Bee Gees como representantes del género discotequero, ellos fueron unos artistas completos. El compositor Tim Rice, conocido por ser el autor de musicales, junto con Andrew Lloyd Webber, como Jesus Christ Superstar, Evita y Joseph and The Amazing Technicolor Dreamcoat comentó en una entrevista, hecha por la BBC el 21 de mayo del 2012, que “las composiciones de los Bee Gees están a la par de las de Lennon y McCartney o Elton John y Bernie Taupin”.

Lamentablemente el 12 de enero del 2003 falleció Maurice Gibb  a la edad de 53 años debido a un infarto mientras lo operaban de una obstrucción intestinal. Mientras que el 20 de mayo del 2012 murió su hermano Robin, según declaraciones de su hijo Robin John, la causa de su muerte fue una falla en los riñones y no al cáncer con el que luchó por varios años. Con respecto a Robin Gibb, sir Tim Rice expresó: “Tenía una voz conmovedora (cuando cantaba I Started a Joke), muy inusual en un joven aún en su adolescencia. Todos ellos (Bee Gees) eran unos extraordinarios cantantes. Sus canciones perdurarán para siempre. Tuvieron muy buenas melodías y letras originales, son temas con las que mucha gente pudo identificarse”.

Los Bee Gees sin duda alguna se han ganado un lugar dentro de los grupos que han influenciado a generaciones de músicos. Quizá sin ellos no podríamos concebir el toque de calidad que le imprimieron a los diferentes géneros por los que experimentaron, desde el beat inglés, pasando por el soul hasta la música disco. Además su talento para crear canciones los llevaron a tener grandes éxitos para ellos y para otros artistas de la talla de Barbra Streisand, Diana Ross, Dionne Warwick y de su hermano Andy Gibb. Y quizá su homenaje a Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band haya resultado fallido, pero esto no les quitó su importancia y su legado en la música contemporánea.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Morrissey, de Manchester para el Festival Roxy

¿Hay algo que se le pueda reprochar a Morrissey cuando se encuentra en el escenario? La respuesta es llanamente una negativa. Sin duda el cantante de Manchester, Inglaterra, es todo un showman a la hora de presentar su espectáculo del que fuimos testigos en la primera edición del Festival de Música y Arte Gastronómico, Roxy, que se llevó a cabo en  Zapopan, Jalisco el día de ayer primero de abril, en donde Morrissey nos ofreció un paseo musical por su etapa con The Smiths así como muchos éxitos de su periodo como artista en solitario.

El Parque Trasloma fue testigo de uno de los eventos musicales importante de este año en México. La jornada sabatina se vivió, desde temprano, bajo un intenso sol primaveral en donde previo a Morrissey, los asistentes al festival tuvieron la oportunidad de presenciar las destacadas actuaciones del argentino Fito Páez, de la agrupación inglesa James la cual deleitó a los presentes con Laid, la conmovedora Moving On, Nothing But Love y Sit Down entre otras canciones; los estadounidenses de Smash Mouth prendieron al respetable con algunos one hit wonders como Walking On The Sun y el cover al grupo War, Why Can´t We Be Friends, y desde Australia llegaron los Empire Of The Sun que nos demostraron que también en este siglo XXI se ha hecho buena música.

La noche cayó en Jalisco, la espera para ver al llamado divo de Manchester se acentuaba cuando observábamos los relojes y veíamos que la medianoche se acercaba. El público asistente al Roxy fue variado, había gente que llegó de diferentes partes de la República Mexicana, jóvenes millennials (quienes muchos bailaron y corearon los temas de Empire of The Sun como High and Low) y adultos contemporáneos que fueron a disfrutar de sus artistas ochenteros y noventeros en donde la cereza en el pastel fue Morrissey. Aunque nunca pueden faltar aquellos, muy respetados, que no gustan de ninguna banda o tampoco de algún género musical en especial y que sólo fueron a ver a Caloncho “porque anda de moda y le gusta a mi novia” como expresó uno de ellos.

Después de una larga espera por fin salió al escenario Morrissey, los gritos y la ovación de los asistentes no se hizo esperar. Los primeros acordes de Suedehead, el clásico del álbum debut, como solista, Viva Hate de 1988 puso a brincar y a corear a todos los fans, de los cuales muchos ya lo habían visto en sus recitales previos en el Auditorio CitiBanamex en Monterrey y en El Palacio de los Deportes de la Ciudad de México. Y aunque se le haya visto varias veces en concierto, la emoción inicial siempre es la misma, la cual perdura a lo largo del show.

Para ese momento ya no importó el cansancio o el si fue un día caluroso, Morrissey, de casi 58 años, daba el saludo a sus seguidores para reafirmar aún más ese romance que existe entre ellos y el artista de Manchester en donde todos se entregaron a él. La bella Alma Matters continuó con el repertorio, “Alma matters in body, mind and soul in part and in the whole”. Nadie podía contener la emoción de estar frente a una leyenda musical, quien comenzó con el grupo mancuniano The Smiths en la década de los ochentas, de los cuales nos deleitó con las clásicas There Is A Light That Never Goes Out, How Soon is Now? Y Shoplifters Of The World Unite.

Morrissey, ahora con menos copete y más vientre, vestido de una ligera camisa blanca y un pantalón caqui, se paseó por todo el escenario, se acercaba al público para incrementar esa comunión entre el artista con sus simpatizantes. Una más del álbum Viva Hate, Everyday is Like Sunday, nadie podía dejar de festejar cada tema como Ouija Board Ouija Board, World Peace is None Of Your Business, Let Me Kiss o Jack The Ripper.

No se puede negar que esta primer edición del Roxy contó con un excelente cartel, cuando se anunció tiempo atrás que estaría Morrissey en él, muchos tuvimos el temor del fantasma de la cancelación por parte del británico, pero en la madrugada del domingo todos estos temores se habían disipado a ritmo de First Of The Gang To Die y You Have Killed Me. Con la garganta gastada de acompañar, a todo pulmón, cada una de las canciones del ex The Smiths. Vivimos un gran festival que fue coronado por este artista siempre polémico y aunque muchos de sus seguidores se quejaron de que su repertorio había sido más corto que en sus conciertos anteriores, creo que al final a nadie le importó. Morrissey simplemente brindó otro gran concierto del que nadie puede reprocharle nada.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Rod Stewart, una noche de alegría y nostalgia en México.

Hace 28 años que Rod Stewart ofreció sus primeros conciertos en nuestro país. Para el mes de abril de 1989 el cantante visitó México con la gira Out of Order la cual llegó a tres ciudades. El primer recital fue el 7 de ese mes en Monterrey, en el Estadio Universitario de Nuevo León, después le tocó el turno a Querétaro, en el Estadio La Corregidora, los días 9 y 10. Finalmente Guadalajara, el 12 de abril en el Estadio Jalisco. Para los que tuvimos la oportunidad de asistir a sus conciertos de Querétaro fue toda una odisea, desde el momento en adquirir los boletos los cuales increíblemente se agotaron en un santiamén para aparecer de inmediato mágicamente con los revendedores, hasta la mala organización afuera y dentro del inmueble por parte de promotores, autoridades y por supuesto de nosotros como público. Después de soportar empujones, el calor abrumador y los gases lacrimógenos con el famoso portazo por fin pudimos disfrutar de uno de los conciertos que a muchos nos marcó en nuestra vida.

Rod Stewart ha regresado varias veces a territorio mexicano, después de ese 1989, para deleitarnos con su música. Ahora lo pudimos ver, este domingo 26 de marzo, en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México con su tour simplemente llamado Hits. Hemos tenido una oportunidad más de disfrutar de un gran show, en esta ocasión pletórico de nostalgia pero también de sorpresas por parte del ex Faces. Rod Stewart ya no posee la misma voz de hace 28 años, los tonos de las melodías se han acoplado para que el cantante no desgaste más sus cuerdas vocales. Pero musicalmente hablando el espectáculo del mod sigue siendo uno de los mejores en la actualidad.

Después de la introducción con el tema Soul Finger, el cantante inglés entró al escenario del Domo de Cobre, ataviado de negro con un saco plateado, para comenzar la velada con las primeras canciones cien por ciento de carácter soul: Having a Party, original de Sam Cooke, que viene en su disco Unplugged and Seated, This Old Heart Of Mine y Some Guys Have All The Luck, que nos demuestra que Rod Stewart es un gran intérprete de este género musical al cual respeta con sus magnificas versiones. El espectáculo es ciertamente de éxitos, aunque muchos de ellos son covers ( Downtown Train de Tom Waits, River Deep Mountain High de Ike & Tina Turner, Have I Told You Lately de Van Morrison) el artista los ha hecho suyos, les ha dado su estilo con ese toque especial que sólo él tiene.

Técnicamente hablando el concierto es impecable, las pantallas nos transportan a distintas etapas del músico, ahí podemos apreciar su pasión por el futbol o ese momento en que la Reina hace los honores para darle el título de Caballero a Rod Stewart y demás detalles que lo han hecho una de las estrellas de la música de fama mundial. Los juegos de luces complementan todas y cada una de las canciones que interpreta. En alguna parte de la noche nos ofrece un montaje íntimo en donde colocan unas sillas para que el artista y algunos integrantes de su grupo se sienten para ejecutar las baladas que muchos hemos utilizado para dedicarlas a alguien especial en nuestras vidas.

Y aunque varias de las viejas canciones han perdido esa fuerza que las caracterizaba, Rod Stewart se ha convertido en todo un crooner que sabe qué es lo que su público desea escuchar, no importa si Baby Jane o Da Ya Think I’m Sexy ya no se escuchen como antaño. Acompañado de su banda, la cual está integrada por varias féminas talentosas y guapas, por supuesto, el interprete nos ofrece temas clásicos como Sailing, I Don´t Want to Talk About It, The First Cut is The Deepest, You are in My Heart y Forever Young, con todo y un solo de percusiones, que nos remiten a muchos a esa primera vez que lo vimos en Querétaro. Stewart hace el recorrido por la nostalgia a lo largo de la noche, pero también incluye temas nuevos como Can´t Stop Me Now del disco Time (2013) y Love Is de su álbum Another Country (2015).

Si ya el concierto en si era especial, el artista lo hace aún más, cuando recuerda su etapa con la agrupación setentera Faces al tocar los clásicos Oh La La (tema originalmente cantado y escrito, junto a Ronnie Lane, por su ex compañero de banda Ron Wood) y ya casi en la parte final, esa que nos lleva al encore, la infaltable Stay With Me. Pueden pasar los años, Stewart ahora posee una voz suave (en algunos momentos opacada por las coristas), pero indudablemente escuchar en vivo un himno como Maggie May es una experiencia que nadie de los que asistimos a un concierto de Rod Stewart puede pasar por alto. La piel se eriza, las lágrimas brotan y nos regresa por un momento en el tiempo a aquella vez en que la oímos por primera vez y nos conmovimos con su letra y melodía.

Rod Stewart, con sus 72 años, sigue siendo un icono de la música, nadie puede negar que el concierto sea toda una experiencia que va más allá de la nostalgia, sus canciones nos nutren el alma y ya con globos de colores en mano, le damos la despedida al cantante a ritmo de Enjoy Yourself (aunque no lo vimos en el escenario para esta parte final). El artista ha brindado un gran espectáculo, los rostros de los asistentes muestran esa alegría contagiada por las melodías del cantante británico, no importa si faltaron más éxitos. Y ya en los pasillos del Palacio de los Deportes nos preguntamos si a estas alturas Rod Stewart aún es sexy, la respuesta obviamente es y siempre será afirmativa.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

U2, 30 años de The Joshua Tree.

Han pasado 30 años desde el momento en que uno de los álbumes fundamentales en la historia del rock se publicó el 9 de marzo de 1987. Sus creadores, el grupo irlandés U2, el disco en cuestión, el extraordinario The Joshua Tree. Con este trabajo U2 cambió su propio rumbo musical, el cual ya venía gestándose desde su grabación anterior The Unforgettable Fire (1984). The Joshua Tree es la creación de un grupo que ha madurado, que ha encontrado su camino artístico y que ha logrado usar la música como un lienzo para en él poder pintar paisajes sonoros que nos tocan hasta lo más profundo de nuestro ser.

Ubicado en el número 27 dentro de la lista de los 500 más grandes discos de todos los tiempos, según la prestigiada revista Rolling Stone, The Joshua Tree, su quinto álbum, fue creándose cuando el grupo se encontraba en la gira de Unforgettable Fire de 1985, según The Edge, guitarrista de la banda, comenta en el libro U2 by U2 que “llegaron canciones como With or Without You, Red Hill Minning Town y una de nombre Woman Fish la cual piadosamente nunca vio la luz”. Una vez que el tour terminó entraron al estudio para grabar los demos de esas canciones que tenían preparadas para mostrárselas a Brian Eno y a Daniel Lanois, con quienes ya habían trabajado anteriormente, pero por un compromiso que tuvieron con el proyecto de Amnistía Internacional, el famoso mini tour Conspiracy of Hope de 1986 (en donde U2 compartió cartel con The Police, Lou Reed, Peter Gabriel, Bryan Adams y Joan Baez entre otros), el proyecto quedó pausado.

Al concluir su participación con Amnistía Internacional, regresaron llenos de ideas y sobre todo de influencias y experiencias nuevas. The Edge recuerda que después del tour tenían pocas canciones.” Hablamos un tiempo de lo que álbum debería ser. Bono estaba leyendo a Flannery O’ Connor y a Truman Capote, yo a Norman Mailer y a Raymond Carver. Estábamos bajo el hechizo de América, no el de la televisión, sino el del sueño, la versión de la que habló Martin Luther King”.

Mientras tanto las ideas políticas y sociales de Bono comenzaron a definirse aún más. Fue durante una visita a El Salvador en 1986, en donde participó, acompañado de su esposa Alison, como voluntario para auxiliar a los refugiados de la guerra civil en aquel país, cuando observó la posición intervencionista de Estados Unidos al inmiscuirse en un conflicto de carácter doméstico. Esto llevó a Bono a escribir letras como Mothers of The Disappeared y Bullet The Blue Sky que se incluyeron en el álbum.

En sus realizaciones anteriores como Boy (1980), October (1981), War (1983) y Unforgettable Fire nos ofrecían temas que tenían que ver con Irlanda y su problemática social, pero en The Joshua Tree, U2 decidió voltear hacía el otro lado del Atlántico. La música norteamericana, su literatura y su cultura fueron alusivas en varias de las letras de las canciones, mismas que se expandirían hasta el Rattle and Hum de 1988. El grupo decidió experimentar con diferentes sonidos y melodías que fueron adoptando de los artistas estadounidenses, pero sin perder su propia identidad, sin dejar de ser U2, sus ideales seguían conservándose intactos. El trabajo de Brian Eno y Daniel Lanois es impecable en la grabación, ellos les sirvieron de guías en todas las ideas que tanto Bono como The Edge llevaron al estudio.

Con la canción Still Haven´t Found What I´m Looking For, U2 muestra su influencia por el góspel, la letra nos habla de una búsqueda espiritual. “You broke the bonds, You loosened the chains, You carried the cross of my shame, You know I believe it”. Mientras que el tema de apertura, Where The Streets Have no Name, nos da la pauta para saber que estamos ante una obra casi perfecta, con ese órgano, con el que inicia la melodía, que nos da la sensación de llevarnos dentro de una iglesia para decirnos “We still building and burning down love”. En With or Without You, el primer sencillo extraído del álbum, nos habla del dolor en una relación amorosa, mientras que en Bullet The Blue Sky arremeten en contra de la política exterior de Estados Unidos y su hipocresía ante el mundo, para luego encontrarnos con Running To Stand Still, a la que Adam Clayton refiere como una segunda parte del tema Bad, por tratar acerca de la problemática de la adicción a la heroína.

En Red Hill Mining Town, dan cuenta, con una bella letra, de la huelga de mineros de 1984 en el Reino Unido. Cada una de las melodías está perfectamente elaborada para que las letras de Bono encajen en ellas y establezcan un ambiente que vuelven la individualidad de estas en un todo. El fracaso del sueño americano en In God´s Country, la tristeza de perder a un ser querido en One Tree Hill, la sencillez de Trip Through Your Wires y la violencia sin sentido de Exit son como escenas de una película que se pueden apreciar cada una por su textura sonora.

Al estar fascinados, en ese momento, por la cultura de la Unión Americana, para la portada del disco querían algo que fuera visualmente relevante y que sirviera como un punto de referencia hacía la atmósfera musical que habían creado. Una vez que el álbum se terminó de grabar la banda se subió a un automóvil y comenzaron un peregrinaje para buscar un lugar en donde fotografiarse. Adam Clayton, bajista del grupo, recuerda que viajaron por unos días de Los Angeles al desierto de Mojave , junto al fotógrafo Anton Corbijn y el artista gráfico Steve Averill, que fue el encargado del diseño de la portada. The Edge narra que condujeron al norte de San Francisco en donde encontraron un pueblo fantasma llamado Bodie. Entre el recorrido de Death Valley y Zabriskie Point comenzaron a hablar de las plantas. “Le preguntamos al chofer ¿Qué son esos extraños cactus que hemos visto todo el camino? Él respondió son árboles Joshua. Creo que fue Bono el que dijo: es un nombre muy interesante. Seguimos conduciendo hasta encontrar una gran ladera abierta con estas plantas tipo prehistórico, nos bajamos y Anton se encargó de buscar un árbol y nos fotografiamos por alrededor de 20 minutos. Fue algo bastante espontáneo”.

Se puede afirmar que después de The Joshua Tree, U2 ascendieron al estatus de mega estrellas de rock, situación que a Bono le parecía ridícula. “No creo que yo sea una estrella del pop, me siento muy incomodo con ese rol, creo que hay gente que llena mejor ese traje que yo. Creo que eligieron al tipo equivocado. Miren, yo soy más como un mecánico o carpintero, miren mis manos son manos de albañil”. Lo cierto es que con este trabajo U2 atrajo muchos más seguidores que vieron en ellos a una banda honesta que no temía expresar su sentir.

The Joshua Tree cumple 30 años en los cuales han habido muchísimos cambios culturales, políticos, sociales, científicos y tecnológicos. El disco aún suena fresco como cuando apareció en 1987, no ha envejecido y sigue demostrando que las obras maestras perduran a pesar del tiempo.

 

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.

Blue and Lonesome, The Rolling Stones y su regreso al Blues.

El blues, ese género musical referente en la cultura norteamericana y para ser más precisos ligado a la raza afroamericana, es el canto a la melancolía, a la tristeza que nos recuerda el sufrimiento de la esclavitud que vivieron los negros por décadas en la parte sur de los Estados Unidos. Ante la impotencia de no poder hacer nada por los maltratos de sus amos blancos, la música fue el refugio espiritual para hacer los días más llevaderos y mantener la esperanza de que su situación algún día cambiaría; los cantos religioso, conocidos como góspel, salían de sus bocas como lamentos que invocaban la presencia de un ser superior que los confortara en esos momentos de angustia. El blues se nutrió de esa religiosidad y conforme fue pasando el tiempo tomó su forma como tal.

Para la década de los cincuentas la música blues era popular en todo el país, pero sólo dentro de la comunidad negra, aunque muchos jóvenes blancos fueron atrapados por su melodía, con lo que nacieron diversos géneros musicales. Si somos justos con el blues éste sembró las semillas para que nacieran el Rock and Roll, El Soul e incluso el Pop. Con el tiempo el blues cambió y pasó de ser el lamento de esclavos de los sembradíos de algodón a ser también el canto de los corazones rotos por una mujer que se ha marchado o la voz que se quejaba de las injusticias sociales de la segregación. Sin duda alguna unos de los elementos que nutrió este género fue el invento de la guitarra eléctrica (recurrente en el llamado blues estilo Chicago), la cual le imprimió su característica principal que son esos requintos que en cada despunte nos tocan las fibras del alma.

Grandes representantes ha dado este género, tales como BB King, Buddy Guy, Willie Dixon. Robert Johnson, Sonny Boy Williamson, Howlin’ Wolf y muchos más, los cuales con su arte cruzaron fronteras a finales de los años cincuentas para llegar a Inglaterra en donde la juventud británica adoptó y abrazó al blues como la voz de su generación, en esa donde se incluían a grupos como The Yardbirds, Cream y por supuesto The Rolling Stones.

Desde sus inicios la agrupación inglesa formada por Mick Jagger, Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman y Charlie Watts se inclinó por interpretar música blues. En su primer disco de 1964 incluyeron covers a canciones de bluseros como Willie Dixon y Jimmy Reed. Incluso cuando llegaron a los Estados Unidos, en la famosa invasión británica, mucha gente pensó que ellos eran negros debido el tipo de música que hacían.

En la actualidad ya convertidos en unas septuagenarias leyendas del rock, The Rolling Stones rinden tributo en su más reciente disco, llamado Blue and Lonesome (2016), a ese estilo musical que los ha influenciado en toda su obra artística, el blues.

Bajo la producción de Don Was (excelente músico, famoso por haber formado el grupo Was Not Was en la década de los ochentas y producir álbumes para artistas de la talla de Elton John, Stone Temple Pilots, John Mayer y Annie Lennox entre muchos otros) quien prácticamente ha trabajado de la mano con los dupla Jagger y Richards (conocidos como The Glimmer Twins) desde la década de los noventa, el nuevo disco de The Rolling Stones es quizá su obra más solida en muchos años (no olvidemos que el anterior long play, A Bigger Band, es del 2005). Sin incluir ninguna canción original por parte del grupo, el álbum es una colección de viejos temas de blues, a los cuales el propio Keith Richards llamó “un montón de blues estilo Chicago”.

La realización de Blue and Lonesome comenzó en diciembre de 2015, cuentan que las sesiones de grabación sólo duraron tres días. Además los Stones deciden tomar el riesgo al interpretar canciones no muy conocidas de Wilie Dixon, Buddy Johnson, Magic Sam, Howlin’ Wolf entre otros artistas del blues. Dicen que Dios los hace y los blueseros se juntan, para esta producción discográfica contaron con la presencia de Eric Clapton (amante del blues de hueso colorado y quien ya había hecho una obra similar en 1994 a la que bautizó como From The Cradle) quien los acompaño con la guitarra principal en la canción Eveybody Knows About My Good Things conocida anteriormente en la voz de Little Johnny Taylor.

El mérito de The Rolling Stones para este álbum es que en ningún momento lo sobrepruducen con efectos o instrumentos de más. Incluso podemos afirmar que cada canción suena cruda, como debe sonar el blues, con la fuerza que esta música lleva implícita. Las guitarras de Keith Richards y Ron Wood en cada tema nos ofrecen una maestría que solamente el talento y el tiempo dan; Charlie Watts demuestra el porqué es uno de los grandes bateristas en la historia del rock, sin olvidar el bajo de Darryl Jones y los teclados de Chuck Leavell que dan firmeza a la parte rítmica. Por supuesto sin dejar de mencionar la insuperable voz que Mick Jagger le imprime a cada tema que llega a igualar esos lamentos desgarradores de las versiones originales; aparte nos muestra que es un excelente ejecutante de la armónica presente en todas las canciones del disco.

A estas alturas del partido podríamos pensar que The Rolling Stones ya no tienen nada que demostrar con su exitosa carrera a lo largo de todos estos años. Pero con Blue and Lonesome suenan vigentes, pese a ser viejos temas de blues los Stones los hacen propios, no se trata de simplemente hacer el tributo a sus ídolos, sino de meterse en su piel, en su esencia y compartirnos la tristeza, el dolor y melancolía de esos artistas negros que le dieron mucho a la música. Por un momento nos olvidamos que son el grupo que llena estadios en cualquier parte del mundo y los podemos escuchar y recordar como esos veinteañeros que en los primeros años de la década de los sesenta entraron a los estudios de la Decca para grabar su primer disco y mostrarle al mundo la madera de las cual están hechos.

Blue and Lonesome es el recordar que todo tiene un origen, que nadie ha nacido o se ha hecho por generación espontánea, que al final somos un cumulo de influencias y experiencias que nos definen, The Rolling Stones regresa a su pasado y nos los trae al presente para disfrutar del blues que los hizo lo que son ahora, una de las más grandes agrupaciones de rock que existen hasta nuestros días.

Originario de la Ciudad de México, estudió la carrera de periodismo en el Centro Universitario de Periodismo en Arte, Radio y Televisión(PART). Se describe a si mismo como beatlero de alma y rockero de corazón.