De las profundidades progresivas

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De Profundis, honda sorpresa en la música mexicana contemporánea.

….It is the one thing that has in it the elements of life, of a new life, VITA NUOVA for me.

Oscar Wilde

 

 

Existe un tipo de semilla que es resistente a casi todo; puede permanecer latente hasta esperar el momento preciso y germinar. De Profundis con su disco titulado Proyecto Paisajes demuestra algo que no se encuentra en el páramo musical actual: autenticidad, búsqueda, rigor y rendición a sus raíces.

En esta obra, De Profundis nos entrega ocho imágenes auditivas del estado de Chihuahua (estado de hermosos e improbables escenarios). Son ocho temas producto de la mente de Jaime Arturo Uribe, músico mexicano de trayectoria digna de encomio: egresado del conservatorio del INBA, director de orquesta y musicólogo, docente y crítico musical. Pianista y musicalizador de documentales galardonados; su obra ha sido exhibida en España, París y Nueva York. Se necesitaría un espacio más grande para profundizar en su trayectoria; como se necesitan espacios para exhibir las obras de creadores que como él, dan lustre a nuestro país.

El consorcio De Profundis es un proyecto musical interdisciplinario que nos entrega esta obra heroica en muchos sentidos.

Cielo de nubes abre con lánguidas notas que generan atmósferas volátiles en contrapunto con una arritmia percusiva que da paso a un silencio profundo, espacio que equivale al papel en blanco. Se retoma el discurso, es inevitable recordar la música de Silvestre Revueltas en algunas formas de nube.

Paquimé, música de trazo geométrico y repetitivas percusiones que dan cauce a teclados graves en el más puro buqué progresivo. Hay algo de Krautrock en estos montículos de arena.

Cumbres de Majalca me recuerda al gran Mario Lavista por unos instantes, me sorprende leer que Jaime Arturo Uribe fue su discípulo. In crescendo que se convierte en piedra… sobre piedra.

Basaseachic quizás la composición más lírica, con pasajes de agua que no termina de caer. No es descabellado pensar que esta composición me transporta a un viaje al centro de la tierra.

 Médanos, bienvenido al desierto.

Grutas. Eco de aguas subterráneas que emana imágenes que se desvanecen en el más puro estilo electrónico. Rendición a Edgar Froese y su Aqua, -llego a pensar en voz alta-. Esta pieza es un viaje sin boleto.

Llanuras, beat y dominio de la técnica con aroma jazzy… una trompeta, un solo de piano groovy para bajar del ultraligero en La Barranca del Cobre. Se cierra el ciclo, una interpretación solemne pero esperanzadora.

De la misma manera que la carta de Wilde, la grabación de De Profundis evidencia sus susceptibilidades, su pasión y su gran amor, aunque el precio a pagar sea muy alto; un castigo desmesurado. En las notas del booklet el artista sentencia: ¨Hago votos por que (en México) llegue el día en que no sean necesarios el sacrificio y la abnegación, el pequeño heroísmo de los involucrados en proyectos como el presente¨.

 A pesar del páramo de la fast music, la semilla rindió frutos abriendo su camino a punta de creatividad.

Nuestro país sería muy diferente si se apoyasen semillas como esta. Sin duda alguna.

 

 

 

 

 

 

Soy apasionado de la creatividad y el diseño. Me encanta leer, cocinar, pintar y escuchar música, sobre todo jazz; pero disfruto mucho la música del cuarteto de Liverpool, la cual siempre me ha acompañado.

El Arte de versionar a The Beatles parte 1

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A lo largo de la historia se han dado a conocer infinidad de “Versiones” en todas las ramas del arte pasando por la antigua Roma donde autores célebres descaradamente copiaban todo lo que venía de Grecia, los conocedores dirán que sí hubo copia pero con resultados favorables transformándolo en algo mucho mejor, cuestión de opiniones. Lo único cierto es que sea bueno o no, hay un caso por analizar.

En este sentido la música tiene lo suyo, aquí el debate se ha convertido en un tópico de polémica porque lo que para unos es música para otros no lo es, el problema radica en cómo y en qué circunstancias se dé, porque puede ser por emular el éxito de alguien famoso para así escalar la cima de la montaña o bien por una clara influencia. En muchos de los casos se han registrado adaptaciones con gran éxito, sin embargo otros por el contrario han dejado mucho que desear, haciéndose acreedores a duras críticas. 

En este aspecto es clave mencionar que el hecho de versionar a otro cantante o grupo siempre, siempre es un arma de dos filos, porque así como hay quien mire con buenos ojos el resultado final puede que exista también el rechazo que lo sepulte hasta que pasados los años quizás se le dé otro valor. Claro está que todo es cuestión de gustos, pero nunca está de más analizar con cuidado el experimento que alguien famoso o neófito se haya atrevido a hacer.

En esta entrada hablaremos sobre algunos temas que realizaron algunos personajes consagrados y otros no tanto a temas compuestos por THE BEATLES. En este terreno y más tratándose de ellos es muy difícil deliberar si es mejor o tan sólo un buen resultado, pero como ya lo dije antes, todo es cosa de enfoques y lo que para mí puede ser bueno para otros ni la sombra, pero ahí les va una selección.

 

El primer tema a destacar salió a la venta originalmente en 1967 en el álbum “Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band” y que dio a conocer todo lo no explorado hasta ese momento y como era de esperarse levantó gran éxito en todo el mundo. El track que cierra el disco es una obra cumbre: “A day in the life” misma que ha fascinado a más de uno y entre las versiones que existen está la que se lanzó entre 1969 y 1970 por un casi desconocido trío originario de  Noruega llamado RAIN que tras ser influenciados por la música clásica de STRAVINSKY y VANILLA FUDGE dieron a conocer un increíble remake a “Un día en la vida” mismo que traba en la genialidad mezclando varios géneros como el jazz, la psicodelia y el rock progresivo.

En este su disco “Nork Suite” Carl Jurgen, Knut Heljar y Asmund Feidje se las arreglaron de muy buena manera para plasmar dos temas más de inspiración BEATLE: “Strawberry Fields Forever” y “Isolation”, éste último lanzado por JOHN LENNON como solista y cabe destacar que entre las múltiples versiones que ha tenido, se cuenta que ésta fue primero que todas. RAIN dejó una clara muestra de lo que es sonar como nadie con instrumentos como violín, guitarra fuzz y órgano Hammond.

En tanto el cuarteto de Folk-Rock THE MAMAS AND THE PAPAS lanzó en 1966 una versión de “I call your name” muy a su estilo, la cual estaba contenida en su primer trabajo de larga duración llamado “If You Can Believe Your Eyes and Ears” el cual se publicó en marzo de 1966 bajo la producción de LOU ADLER.

Michelle Phillips, Mama Cass Eliot, John Phillips y Denny Doherty complementaron fenomenalmente sus armoniosas voces para dejar uno de los remakes más memorables y recordados de los años 60.

Cabe resaltar que este álbum llegó al número uno de los Billboard 200 en ese mítico 1966.

Esta versión termina con la icónica frase en homenaje: “I call your name ye-ah” ya que THE BEATLES fueron los que impulsaron el famoso grito de “Yeah, Yeah”, mismo que marcaría a toda una generación.

Este remake fue interpretado por el Mágico Círculo en el Festival Monterey Pop en 1967 donde fueron los organizadores y los que cerraron dicho evento.

Las Mamás y Los Papás también interpretaron “Nowhere Man” en vivo vía el programa Hullabaloo en 1966. ¿El resultado? Alucinante.

Continuamos con una banda más conocida y seguida por millones de seguidores del rock progresivo llamada YES, quienes en 1969 dieron a conocer su primer Long Play conteniendo entre sus múltiples covers “Every Little thing” de THE BEATLES, convirtiéndola en un cohete psicodélico cargado de sonidos que más adelante darían paso a su estilo inconfundible. La banda liderada por Jon Anderson dando cátedra de cómo debe hacerse una adaptación.

Así mismo en el año 1968 el infravalorado conjunto norteamericano FEVER TREE se aventuraría a grabar una mezcla de “Day tripper” y We can work it out”, curiosamente el single doble cara A que lanzaran en 1965 los FAB FOUR. ¿El resultado? Una carga infinita de Psicodelia y buena voz por parte de Dennis Keller, fusión que te va envolviendo conforme la escuchas.

Ese órgano al inicio es un viaje astral.

También en su LP debut en 1968, DEEP PURPLE aún representados en la voz principal por Rod Evans realizaron una versión de “Help” bastante aceptable, tomando en cuenta que bajaron la velocidad de la canción recreando algo quizás y sólo quizás más íntimo. Se destaca que muchos seguidores surgieron tras este remake.

Pero la influencia BEATLE en la banda británica no paró ahí, en su segunda placa “The Book of Talyesin” cubrirían “We can work it out” con una introducción que muestra de donde viene parte del estilo de DEEP PURPLE: variaciones de música de Tchaikovsky.

Se dice que el combo decidió grabar esta creación BEATLE tras una declaración de PAUL MCCARTNEY donde afirmaba que lo sorprendió su versión a “Help”.

Por último mencionaremos a THE GODS, semillero de virtuosos como Ken Hensley, Lee Kerslake y Paul Newton, futuros miembros de URIAH HEEP, Mick Taylor quien fuera miembro de THE BLUESBREAKERS DE JOHN MAYALL y por supuesto el remplazo de Brian Jones en THE ROLLING STONES.

Por otro lado también figuraron Greg Lake que formaría EMERSON LIKE & PALMER y el bajista John Glascock, parte fundamental de JETHRO TULL.

Este proyecto británico sólo grabó dos larga duración separándose en 1970 no sin antes dejar plasmado en el single de 1969 un muy peculiar remake de “Hey Bulldog” compuesto por LENNON-MCCARTNEY en 1968.

Creo que por el sólo hecho de ser temas de THE BEATLES hubieran podido brillar un poco más, sin embargo a pesar de que no es un asunto fácil superaron el tiempo y lo importante es que hoy en día se pueden descubrir o redescubrir y disfrutar en dado caso y más si entre sus intérpretes destacan verdaderos genios musicales.

Sirva este pequeño texto para dar referencia a uno de los placeres más grandes musicalmente hablando: Recrear un tema del CUARTETO DE LIVERPOOL que dicho sea de paso es todo un arte y no cualquiera logra conseguirlo.

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Hello, I Love You celebra 50 años

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El 3 de agosto del presente año se cumplieron 50 años de que el tema “Hello, I love you” de The Doors  llegara al número 1 de las listas de Billboard y para celebrarlo se lanzará un vinilo de colección del sencillo el 10 de agosto con nuevas versiones de ella y de su lado B emblemático “Love Street” las cuales también ya se pueden conseguir digitalmente. 

El corte se lanzó en 1968 y alcanzó el primer puesto en tan sólo unos días repitiendo la fórmula de “Light mi Fire” en 1967. 

Originalmente fue lanzado en junio 1968 bajo el sello de Elecktra Records y formó parte del tercer álbum del grupo estadounidense llamado “Waiting For the Sun”. Su sonido remite inmediatamente a “All Day and All of the Night” de The Kinks, sin embargo el guitarrista Robbie Krieguer aseguró en su momento que tenía más influencia de “Sunshine of Your Love” de Cream.

Pero Ray Davies, compositor de “All Day and All of the Night”, interpuso una demanda por supuesto plagio lo que representó un triunfo a favor de The Kinks.

Juzguen ustedes:

 

 

Aquí un análisis más crítico:

 

Fue escrita por Jim Morrison en 1965 y su producción corrió a cargo de Paul Rothchild siendo el segundo y último número 1 de la banda.

Así mismo la disquera Rhyno lanzará una edición especial del disco “Waiting For the Sun” que contiene tanto “Hello, I Love You” como “Love Street”. Esta edición se lanzará el 14 de septiembre de este año e incluirá dos CDs y un larga duración con la versión en stereo que también aportará grabaciones inéditas, entre ellas temas en directo recientemente descubiertos en el archivo del grupo por el ingeniero Bruce Botnick.

A continuación algunas versiones que se han realizado del tema:

  1. “Hello, I Love You”- The Cure.
  2. “Hello, I Love You”- Simple Minds.
  3. “Hola, qué tal”- Los Rockin Devils.
  4. “Hello, I Love You”- Eurythmics.
  5. “Hello, I Love You”- The Newlydeads.
  6. “Hola, te quiero”- Las Moskas.
  7. “Hola, te quiero”- La Terrible Experiencia.
  8. “Hola, te quiero”- Los Zignos.
  9. “Hola, te quiero”- Bodo Molitor.
  10. “Yo te amo” – Los Teddy´s.
  11. “Hello, I Love You”- Siouxsie Sioux.
  12. “Hello, I Love You”- Missing Persons.
  13. “Hello, I Love You”- Los Versátiles.

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la Psicodelia parte 7: The White Ship.

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1.- The White Ship: H.P. Lovecraft -1967. Esta banda fanática del extraordinario escritor de terror y fantasía Howard Phillips Lovecraft, nació en 1967 en Chicago, Illinois pero floreció en San Francisco donde se coló en la escena psicodélica. 

Tras recibir la liberación del nombre del escritor se organizaron bajo la batuta de George Edwards en la guitarra y voz y Dave Michaels en el órgano, piano, clavicornio y voz, para después integrar a Tony Cavallari en guitarra de acompañamiento y voz, Michael Tegza en la batería y voces y a Jerry McGeorge en el bajo y la voz.

Este tema fue adaptado de uno de los célebres cuentos cortos que dieron fama a H.P Lovecraft cuya creación y publicación se diera a conocer en 1919 en la revista The United Amateur volumen 19.

Describe el viaje maravilloso que emprendió a la tierra de los sueños un vigilante de faro llamado Basil Elton en un Barco Blanco en medio de la neblina.

 

Fue escrita por Edwards, Michaels y Cavallari lanzada como lado B de su álbum debut “HP Lovecraft” en noviembre de 1967, así mismo su grabación fue producida por George Badonsky en los estudios Universal Recording Studios ubicados en Chicago, Illinois.  

El bosquejo fue creado por George Edwards en tan sólo 15 minutos, pero Dave Michaels (músico de extracción clásica) y Tony Cavallari aportaron armonías y retroalimentación dándole un conjunto creativo que derivó en una pieza barroca impulsada por las voces de barítono, un clavicémbalo, sonidos orientales, una campana de barco del año 1811 y rematada por un puente exquisito creado con órgano, muy propio de esos tiempos del rock ácido.

Aquí el resultado: Una carga magnífica de magia y misterio:

Fue la pista más larga del disco con una duración de seis minutos y medio pero también fue lanzada como single en Norteamérica con duración de dos minutos 58 segundos lo que derivó a una buena maniobra ya que cuando salió a la venta éste último el tema era ya favorito de los seguidores de la banda en la costa oeste de San Francisco.

En febrero de 1968 se prensó un segundo sencillo con la versión completa y acompañada por “I’ ve Been Wrong Before” en el lado B, esta vez lanzada tanto en US como en Reino Unido y también apareció en el álbum de recopilación “Dreams in the Whitch House: The Complete Phillips Recordings” impreso en 2005.

Aunque el tema no tuvo gran impacto comercial en aquél tiempo fue favorito de la escena subterránea y hoy en día valorado como obra de culto y de hecho es hasta la fecha considerado como la joya de la corona del material grabado por esta legendaria banda y que sirve de marco para alimentar e ilustrar el impacto de la Psicodelia de todos los tiempos.

Otros temas psicodélicos relevantes:

  1. – Love – Morgen.
  2. – Citadel – The Rolling Stones.
  3. – Theme from the movie “Mord und Totschlag” (A Degree of Murder) – Brian Jones.
  4. – Curse Of The Whitches – Strawberry Alarm Clock.
  5. – Sunshine of Your Love –Cream.
  6. – Hole In my Shoe – Traffic.
  7. – Can You Travel in the Dark Alone – Gandalf.
  8. – Crown and Creation – Jefferson Airplane.
  9. – Green – Green.
  10. – Season of the Witch – Donovan.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Brian Jones: El legado de una Piedra Rodante

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 “Brian era la persona de aspecto más vanidoso que he conocido. Pero también fue uno de los músicos más convincentes en el escenario”: Ray Davies (The Kinks)

Para junio de 1969 los Rolling Stones dieron un giro de 360 grados a su historia despidiendo a nada menos que a su fundador y primer líder: Brian Jones, aquél joven “dandy” sesentero que aportó el nombre de la banda gracias a la canción “Rolling Stone” de Muddy Waters y que desde sus inicios los proyectó a tocar música en serio. 

Brian Lewis Hopkins Jones sería el “culpable” de que todo diera marcha a fines de 1962, él fue el motor que comenzó la carrera de una de las bandas de rock más exitosas de todos los tiempos.

Pero no todo fue miel sobre hojuelas, Brian Jones fue además del líder del grupo, un personaje que con el tiempo se fue desmoronando y el mismo conjunto al final de sus días no lo tenía precisamente en un pináculo, pero también quizás faltó compresión por parte de sus compañeros.

Mucho se ha dicho sobre que Jones no era bueno escribiendo música y mucho menos canciones completas, pero sólo basta echar un clavado a su trabajo, que con el tiempo y gracias a la tecnología se ha ido descubriendo.

Su pasión desmedida por el blues y en determinado momento la música clásica le permitieron desarrollar su talento nato para ser en primera instancia un músico que dominaba la guitarra slide, el piano, la armónica y cuanto instrumento se le presentara, pero a decir de muchos de sus allegados que pareciera no se ponen de acuerdo, Brian no enseñaba el material que escribía y quizás era porque se sentía menospreciado. 

Muy en el fondo sentía que su material no era comercial porque derivaba en el blues pero quería grabar sus propias canciones argumentando que tenía buena voz para el folk.

Su música y versos eran, a decir de su novia Anita Pallenberg de corte romántico y espiritual del tipo de Donovan.

Una mezcla de timidez y baja autoestima fueron lo que determinaron el lugar de Brian en los Stones dando como resultado que Mike, Keith y el productor Andrew Oldham lo eclipsaran poco a poco.

Ante esto podríamos afirmar que era un gran arreglista e incluso podríamos darle el crédito de compositor ya que la mayoría de las canciones de Jagger y Richards (entre ellas “She’s A Rainbow”, “Play with Fire”, “Child of the Moon”, “Dandelion”, “Ruby Tuesday”, Sittin on a Fence) fueron embellecidas por su aporte de diversos instrumentos como el dulcimer, la flauta, la mandolina, las maracas, el pandero, el oboe, el órgano, el melotrón, entre otros.

Creador además de los riffs en “(I Can´t Get No) Satisfaction”, “Let´s Spend the Night Together” y “The Last Time”.

Aquí una prueba: Lady Jane con Brian Jones en las guitarras acústicas, clavicornio y dulcimer. Del álbum “Aftermath”:

Al final de sus tiempos en la banda consideraba que ya no congeniaba con el estilo pop que habían adoptado e incluso cuando lo “corrieron” lo tomó de forma tranquila porque ya tenía planes de formar otro grupo y participar en varios proyectos con Lennon, Hendrix y hasta con Denny Laine.

Es curioso que a casi un mes de que fuera despedido de las piedras rodantes falleciera de forma trágica ahogado en su alberca, a partir de esto han corrido muchos rumores tales como que fueron Keith Richards y Mike Jagger los que lo mandaron matar, que si el albañil que restauraba su casa lo había liquidado tras alguna discusión, que si fue un paro cardíaco a causa del asma y las drogas o que incluso compuso mucho material que se adjudicaron Mike y Keith como “Ruby Tuesday” y un sinfín de mitos que no se han demostrado totalmente pero que aún levantan eco a 49 años de distancia.

A continuación Backstreet Girl del álbum aparecido en UK “Between the Buttons” y en la placa americana “Flowers”. Aquí Brian contribuyó con el vibráfono, el xilófono, el celeste y el glockenspiel y en algunas fuentes señalan que también ejecutó el acordeón.

Y más extraño es que ni Richards ni Jagger acudieran a su funeral pero sí le dieron un homenaje gratuito en Hyde Park el 5 de julio de 1969.

Sea como sea, en el círculo de Los Rolling Stones no era ya soportado por varios, incluso lo tachan de desagradable, sin embargo es de extrañar que entablara amistades tan especiales con Superstars del momento como John Lennon, George Harrison, Eric Clapton, Jim Morrison, Marianne Faithfull, Bob Dylan o Jimi Hendrix, con algunos de los cuales incluso participó en proyectos musicales.

En “Under my Thumb” Jones deleita con la marimba, piano y guitarras eléctrica y acústica.

“El primer chico blanco que escucho que toca como negro”: Buddy Guy.

Su influjo era y es tal que hasta es mencionado en temas musicales tanto de su tiempo como después de su muerte.

Aquí un ejemplo: Monterey fue el tema emblemático que retrató el primer festival de rock masivo en 1967 donde Brian Jones apadrinó a Jimi Hendrix y en cuya letra es presentado como “His Majesty, Prince Jones smiled”.

Justo también destacar que contribuyó en temas clásicos del rock como “Love Me, Baby” junto al dueto británico Peter and Gordon donde colaboró tocando la armónica, así mismo se destaca su participación también en la armónica con este dúo en “A Mess of Blues” y en “Good Morning Blues”.

“Conocía a Brian bastante bien. Tuvimos posiciones similares en nuestras bandas. Solía verlo en sus momentos difíciles. Era una persona muy amable y eso es lo que debemos recordar que era. No había nada malo con él que una pequeña porción de amor no hubiera resuelto”: George Harrison.

Por otra parte participó con el saxo alto en “You Know my Name”, en los coros de “Yellow Submarine” e hizo gala con el oboe en “Baby Your a Rich Man” de The Beatles.

También ejecutó magistralmente el sitar en “Ain´t Nothing Wrong With That” de Jimi Hendrix.

Como músico independiente podemos rescatar dos célebres proyectos, el primero de 1967 componiendo y produciendo la banda sonora de la cinta alemana “A Degree of Murder” y el disco póstumo “The Pipes Of Pan At Jojouka”.

“No voy a derrotar a nadie más en The Stones, pero Brian fue el verdadero artista en esa banda. (…) Gran parte de su creatividad temprana se debió a él”: Dave Davies (The Kinks)

En resumen The Rolling Stones son una leyenda musical sin embargo es inminente destacar que sin Brian Jones no hubieran sido lo que son, él fue el alma e inspiración y aunque tienen muchos discos interesantes nunca fue lo mismo sin su presencia y talante.

Aquí un pequeño recuerdo para Brian Jones (El Stone Mágico) quien fallecería un día como hoy de 1969 a la corta edad de 27 años.

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la psicodelia parte 6: Mundo, Demonio y Carne

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Retomando el conteo de grandes temas que impulsaron la psicodelia, es preciso situarnos no solamente en Estados Unidos o Inglaterra que fue donde floreció sino abarcar también más lugares donde tuvo una repercusión muy relevante.

En esta entrada viajaremos a la España de principios de los 70 para recordar (o dar a conocer en su caso) temas que fueron parte del soundtrack de la vida de muchos jóvenes ávidos de nuevos sonidos, mismos que fueron y son quizás más importantes y añorados debido al franquismo que trató de contener lo más que pudo toda la evolución y revolución musical que sin embargo avanzaría a pesar suyo.

Nos concentraremos en el grupo favorito de muchos (me incluyo) un cuarteto formado a la usanza de grupos ingleses como Los Beatles y que en sí fueran considerados su equivalente en España: Los Brincos. 

Este conjunto quizás de menos impacto comercial que Los Bravos tuvieron tres etapas, la primera conformada por Antonio Morales “Junior”, Juan Pardo, Manuel González y Fernando Arbex, esta época duraría de 1964 a 1966 cuando Pardo y Junior se separan para emprender una nueva aventura: Juan y Junior.

A partir de 1966 seguirían Arbex y González bajo el nombre de Los Brincos pero esta vez junto a Vicente Martínez y Ricardo Morales (hermano de Junior) y más adelante se les uniría Oscar Lasprilla y Miguel Morales (también hermano de Junior) sustituiría en determinado momento a Vicente Martínez, completando así un último aire musical digno de rememorarse.

Para estos momentos se lanzaron materiales tan sorprendentes y menospreciados en su momento como la placa Mundo Demonio y Carne (World, Evil and Body) cuyo lanzamiento en 1970 bajo la etiqueta Zafiro/Novola tuvo una fría bienvenida, esto similar a muchos del tiempo, pero que con los años (y como los buenos vinos) sabe mejor su contenido.

El genio de Fernando Arbex desencadenó en una obra que hoy es considera de culto no sólo en la Madre Patria sino en gran parte del mundo conocedor del rock.

En su largo éxtasis encontramos verdaderas bellezas sonoras acompañadas de una mezcla perfecta de cuerdas, órganos y guitarras españolas que crean una fusión psicodélica y hasta progresiva que pone en alto lo que se quería experimentar por esos instantes y en este caso se aventuró Fernando Arbex dejando para la postre una gran obra conceptual.

Una joya que se grabó y lanzó en español e inglés con algunos tracks distintos y que no puede de ninguna manera faltar en cualquier colección preciada.

Aquí la portada dibujada por Claudio Bravo que fue censurada por el régimen franquista porque aparecían desnudos de la cintura para arriba.

Pero para dejar más claro de lo que hablamos aquí la muestra:

Primera versión en castellano: Incluye nueve temas:

  1. Mundo, Carne y Demonio
  2. Vive la realidad
  3. Hermano Ismael
  4. Esa mujer
  5. Jenny la genio
  6. Emancipación
  7. Carmen
  8. Butterfly
  9. Kama-Sutra

La edición anglosajona contiene ocho tracks:

    1. World, Evil, Body (Este tema es cantado siempre en inglés tanto en las dos primeras ediciones como en las reediciones)
    2. Emancipation (Emancipación)
    3. Where is my love (Esa Mujer)
    4. Jenny Miss Genius (Jenny la genio)
    5. Keep on loving me (Vive la realidad)
    6. Y los tres que no se encuentran en su versión al español
    7. Misery and Pain
    8. Too Cheap, Cheap
    9. I don’t know what to do

Otros temas relacionados a la psicodelia en España:

  1. Amor de niña–Los Grimm (Cover a Love child de Steppenwolf)
  2. Danza del fuego – Los Relámpagos.
  3. La Droga – Los Polares (Cover a LSD de The Pretty Things)
  4. Quiero creer – Los Banzos.
  5. El problema de mis pelos – Micky y Los Tonys.
  6. El Don Juan – Los Salvajes.
  7. Tiene la Tarara – Marisol.
  8. Hey – Los Brincos.
  9. Nadie te quiere ya – Los Brincos
  10. Peppermint Frappé – Los Canarios.
  11. El Séneca – Taranto’s.
  12. Tengo sueños – Los Grimm.
  13. Algo más – Los Zooms.

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la Psicodelia parte 5

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Para este antepenúltimo salto en el tiempo sobre temas que impulsaron la psicodelia retomaremos a verdaderas instituciones musicales que no sólo fueron parte del movimiento hippie sino que lo alimentaron a tal grado de ser considerados por los jóvenes de los años 60 (y ahora también) como representantes de toda una generación.

1: Comenzamos con Grateful Dead y su enorme hit “Golden Road”, una carga infinita de energía lisérgica que estremece durante sus 2:13 minutos y segundos que proyectaron toda una era. Fue incluido en su álbum debut llamado simplemente “Grateful Dead” lanzado en 1967, en pleno ascenso sicodélico.

Escrita por todo el grupo lo cual nos habla de una verdadera familia musical y de hecho así era considerada. Jerry Garcia, Phil Lesh y compañía nos trasladan por un verdadero viaje musical que no sólo representó a la juventud de San Francisco sino a la del mundo entero.

Abre no sólo su primer disco sino parte de los llamados happenings donde el principal atractivo eran los jams que esta enorme banda ejecutaba y con los cuales electrificaba a los asistentes.

 

2: Embryonic Journey – Jefferson Airplane: Un dardo instrumental glorioso que navega entre lo melancólico y celestial. Compuesto por su guitarrista líder Jorma Kaukonen y quien deleita con cada rasgueo que ejecuta tan magistralmente.

De su fantástico “Surrealistic Pillow” de 1967 y que fuera y es una de las placas representativas del argot hippie. Kaukonen compuso esta enorme melodía en 1962 como parte de un taller de guitarra que tomó en Santa Clara, California y lo incluyó en la “Almohada Surrealística” del Jefferson, logrando uno de los mejores cortes del larga duración.

 

De esos temas que puedes escuchar una y otra vez y siempre te quedas con la impresión de que es la primera vez que lo escuchas. Maravilla de maravillas  acústica que incluso ha repercutido a través del tiempo incluyéndose en películas como “A Walk on the Moon”, “Berkeley en los años 60” y el episodio final de la serie cómica Friends.

El dueto Hot Tuna conformado por Jorma Kaukonen y el también exJefferson AirplaneJack Casady, la incluyen de vez en cuando en sus presentaciones.

Un noveno track impregnado de folk-rock insuperable grabado el 22 de noviembre de 1966.

3: Monday Monday – The Mamas and The Papas. Lanzada en 1966, escrita por John Phillips y producida por Lou Adler fue el único número musical del grupo que alcanzó el # 1 del Billboard Chart. En España inauguró los 40 principales de ese año.

La cara A de “Got a Feeling” y compuesta en 20 minutos fue en sus inicios un tema “odiado” por casi todo el grupo, pero sería a la postre su tema más popular junto a “California Dreamin”.

 

Tan popular ha sido su paso por la historia del folk-rock que muchos cantantes y conjuntos la han versionado, entre los remakes más interesantes se encuentran los realizados por Neil Diamond, Petula Clark, Marianne Faithfull, The Beau Brummels, Dionne Warwick y por supuesto el trío Wilson Phillips conformado por las hijas de Brian Wilson y la primogénita de Michelle y John Phillips, que firmaron una gran interpretación en su disco “California” del año 2004, del cual se desprendió en sencillo también una espléndida variación a capella.

En México Angélica María grabó un cover llamado “Este lunes” que si bien no forma parte de sus éxitos reconocidos, es una verdadera rareza digna de rememorarse.

 

En España los Rocking Boys dejaron cuenta de una muy agradable versión en una placa difícil de conseguir.

 

Otros temas psicodélicos o con marcada referencia:

1: Do you Believe in Magic – The Lovin Spoonful.

2: Groovin – The Young Rascals.

3: Sky Pilot – Eric Burdon and The Animals.

4: Piece of my Heart – Janis Joplin.

5: White Room – Cream.

6: Hole in my Shoe: Traffic.

7: Dear Eloise – The Hollies.

8 : The Weight – The Band.

9: The White Ship – HP. Lovecraft.

10: White Bird – It´s a Beautiful Day.

11: Hush – Deep Purple.

12: Child of the Moon – The Rolling Stones. 

13: Sunshine Superman – Donovan.

14: Lovely Rita – The Beatles.

15: Volunteers – Jefferson Airplane.

16: Turn, Turn, Turn – The Byrds. 

17: Peace of Mind – Blue Cheer.

18: Love – Country Joe & The Fish.

19: Bluebird – Buffalo Springfield.

20: The Crystal Ship – The Doors.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la psicodelia parte 4

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Como bien se sabe la psicodelia fue un golpe mediático en prácticamente todo el mundo y aunque para muchos lo más representativo fue en Estados Unidos o Inglaterra, también es cierto que en otros horizontes como México tuvo un auge muy importante.

Era 1968 y en tierra azteca el grupo de Los Ovnis, comandados por Armando Vázquez Castañeda dieron un giro significativo a la era del naciente rock psicodélico con su último larga duración registrado bajo el nombre de “Hippies”.

Este proyecto tiene al menos dos peculiaridades interesantes: Fue un trabajo que aportó en su mayoría cortes originales (recorrido que grupos pioneros como Los Locos del Ritmo ya habían perseguido anteriormente) así mismo es uno de los discos más buscados por coleccionistas no sólo de México sino que en España tiene un lugar muy especial entre los seguidores del rock.

El grupo azteca entusiasmado por el movimiento hippie decidió lanzar para la marca ECO un disco que concentrara los ideales de la época del “Flower Power” y es así como nacen temas emblemáticos como “Mugre” o “Mi Protesta”.

A pesar del entusiasmo del conjunto, no logra captar la acogida del público que aún continuaba embelesados por ritmos como el Jerk o el A go go y sobretodo seguían enfrascados en los covers.

La misma compañía creía arriesgado grabar material original y al final accedió aunque con la condición de que incluyeran aunque fuera un cover. Se decidieron por un track lanzado por el grupo norteamericano The Doors y cuyo influjo estaba flotando en todo el ambiente musical de ese momento: “Light my fire”, que Los Ovnis cubrieron bajo el nombre de “Enciende mi fuego”.

La formación que participó en este viaje psicodélico fue la siguiente: Armando Vázquez Castañeda en la voz, Jaime Pérez en el bajo, Guillermo Soto Cantú en la batería, Luis Alanis en el órgano y en el requinto estuvo el famoso músico Ernesto de León, quien más adelante participaría en La Máquina del Sonido y en Three Souls in my Mind.

Tras el poco reconocimiento del público y por algunas cuestiones internas, el grupo se desintegra poco tiempo después, dejando así una joya musical que ha ido captando la atención no sólo de los melómanos de aquél tiempo sino de las nuevas generaciones, dando a “Hippies” un lugar privilegiado dentro del mundo del rock mundial.

Los nueve cortes compuestos por Armando Vázquez, Luis Alanis, Ernesto de León y Jaime Ruiz, dieron en el blanco y se colaron y continúan haciéndolo con verdadero espíritu en el ya nostálgico argot hippie.

A continuación la lista de los temas.

  1. Mugre
  2. Cuando era niño
  3. Mi Protesta
  4. Infinito
  5. Fe
  6. Enciende mi fuego
  7. Grito al vacío
  8. Frío
  9. Ya se va
  10. Te doy tu lugar.

Paz, amor, libertad, idiosincrasia y hasta temas sugerentes, en resumen “Hippies” es un recorrido lisérgico que no debe faltar en ninguna discoteca personal.

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la Psicodelia parte 3: San Francisco (Be Sure To Were Flowers In Your Hair)

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Para esta entrada sobre temas que impulsaron la psicodelia nos centraremos en el que le dio identidad propia al “Flower Power”: “San Francisco (Be Sure To Were Flowers In Your Hair)“ canción escrita por el compositor e integrante de The Mamas and The Papas, John Phillips, y que “regalara” a su viejo amigo Scott McKenzie, cuya letra invitaba a los “niños arcoíris” a llevar flores en el pelo.

Su lanzamiento se dio el 13 de mayo de 1967 y tal fue su impacto que se le reconoció enseguida como el “Himno Hippie” por excelencia y colocó a McKenzie en los primeros puestos de popularidad por semanas, vendiendo siete millones de copias en todo el mundo.

Se colocó en el peldaño número 4 en la Unión Americana y escaló al número 1 en Europa.

John Phillips la compuso a pedido expreso de las autoridades que claramente estaban preocupadas por la cantidad enorme de jóvenes que se esperaba acudiera al Festival Monterey Pop en ese 1967, para lo cual se le pide tomar cartas en el asunto para controlar y prevenir lo que según ellos podría desencadenar una serie de inseguridades dentro del evento.

“Papa John” concibe la idea de escribir un tema que hermane a la audiencia asistente y es cuando surgen las líneas que narran:

                “Si vas a San Francisco el verano

                  será una celebración de amor”.

Ante el apoyo de las autoridades se resuelve grabar de inmediato el corte y es cuando Phillips reconoce en Scott McKenzie al que sería su mejor portador ya que la indumentaria de este encajaba perfecto con los ideales hippies, pues andaba siempre descalzo y con flores en el pelo.

Es así como su estreno ocurre en pleno festival, llevándolo a ser reconocido como el “Gurú” de la meca Hippie. El éxito fue inusitado, dándole una fama hasta ese momento desconocida ya que aunque formó parte de grupos a fines de los 50 y principio de los 60 con John Phillips, hasta ese momento probó las mieles del éxito, mismas que sólo le procuró “San Francisco, Flores en tu Pelo”.

McKenzie y The Mamas and The Papas fueron los que cerraron Monterey Pop ante 200, 000 mil almas congregadas que fueron testigo del fortalecimiento de la era hippie.

El track tuvo muchas referencias no sólo en aquél tiempo sino en el cine donde no sólo ha formado parte en diferentes momentos de bandas sonoras como “Forrest Gump” sino ha sido parte de luchas sociales, sirviendo como referente para pedir por la paz y la libertad.

También “San Francisco (Be Sure To Were Flowers In Your Hair)” fue el tema que le dio mayor identidad a la ciudad homónima y por supuesto a su distrito Haight-Ashbury, que le abrió las puertas a todo aquél que peregrinara portando el lema de “Amor y Paz”.

Como curiosidades, Led Zeppelin la utilizó durante sus presentaciones en su primera etapa y las orquestas de Fausto Papetti y Paul Muriat registraron versiones muy aceptables de esta composición.

Aquí el mítico himno del “Verano del Amor” interpretado por Scott Mckenzie.

 

En México el popular y famoso pionero del rock, convertido a baladista solista, Lalo Carrión grabó una versión casi desconocida y muy diferente en su letra pero interesante de “San Francisco”.

 

Y en España el grupo originario de Cataluña, Los Mustang grabaron una versión también distinta en su espíritu lírico pero que tuvo buena repercusión a fines de la década sesentera.

 

Todo un himno que fue representativo de toda una generación y que sigue fascinando…

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la sicodelia parte 2

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En el anterior artículo sobre esta lista de canciones que impulsaron la sicodelia, mencionamos bandas tan prominentes y respetadas como The Beatles o The Byrds quienes realmente fueron hilos conductores para esta vertiente que explotó en plena segunda mitad sesentera.

Era el tiempo del LSD, los hongos alucinógenos y las drogas psicotrópicas que en determinado momento dieron rienda suelta a estados de la conciencia más profundos y pocas veces explorados y el resultado se marca en varios temas, entre ellos, los que a continuación expondremos.

1. California Dreamin – The Mamas and The Papas. Escrita en 1963 por Michelle y John Phillips a raíz de la nostalgia que la joven cantante sentía por la costa oeste y grabada en 1965 bajo la producción de Lou Adler para Dunhill Records, este tema es uno de los emblemas de la década sesentera. Se publicó entre noviembre y diciembre de 1965 y fue el primer gran éxito del grupo metiéndose en el número 4 de las listas y manteniéndose en ese sitio por 17 semanas consecutivas.

Primero fue grabada por los New Journeymen donde ambos cantantes participaban, pero su fama estaba escrita para inmortalizarse bajo el nombre de “The Mamas and The Papas”.

La fuerza vocal del cuarteto fue desde el primer momento una carga explosiva para el público que los acogió junto a este corte como uno de los referentes no sólo del  “Flower Power” sino de toda la historia musical y para muestra las múltiples versiones que se han realizado por diversos artistas entre ellos José Feliciano, The Beach Boys y ¿Por qué no? Hasta Mocedades, así mismo Los Tijuana Five y Los Juniors realizaron en México sus respectivas versiones dejando clara la influencia de “Los Papás y Las Mamás” por estos lares.

2. Good Vibrations – The Beach Boys. Para 1966 Brian Wilson escribió junto con su primo Mike Love esta canción que fue inspirada por su madre, quien le hablaba cuando era niño sobre las vibraciones que los perros perciben con las personas, llevando al genio musical a componer algo al respecto basándose también en la percepción sensorial y desde luego en su experiencia con el ácido lisérgico.

Aclamada por críticos y conocedores como una de las mejores canciones pop sicodélicas de todos los tiempos, “Good Vibrations” surgió durante las grabaciones del álbum “Pet Sounds” sin embargo no se incluyó aunque sí se contempló para ser parte de él y se lanzó en sencillo junto con “Let´s Go Away For Awhile” que sí venía en la placa. Se consideró para el proyecto truncado “Smile” y finalmente se registró para el Long Play “Smiley Smile” de 1967.

La popularidad de la letra y sus acordes cobran fuerza día con día posicionándose entre conteos especiales entre los primeros lugares de popularidad. Se grabó entre febrero y septiembre de 1966, lanzada el 10 de octubre y se posicionó en el primer lugar en Reino Unido el 17 de noviembre, para asumir el mismo puesto el 10 de diciembre en Estados Unidos. Fue interpretada magistralmente por Carl Wilson quien sustituyó a Dennis Wilson tras sufrir un cuadro de laringitis. Brian y Mike Love participan en los coros.

Aquí una versión un poco distinta a la dada conocer oficialmente.

Considerada por el publicista de la banda, Derek Taylor como “una sinfonía de bolsillo” por la gama de instrumentos inusuales que incluía, ha sido hasta ahora la canción más cara de la historia del rock ya que entre su creación y producción pasaron varios meses en los que Brian Wilson se involucró en ella. Ante esto el compositor ha indicado que el sonido del violonchelo en el estribillo fue influenciado por “Da Doo Ron Ron” de Phil Spector.

Capitol tuvo dudas de su lanzamiento por su clara influencia psicodélica pero Wilson se salió con la suya una vez más y reclutó a varios de los mejores músicos de sesión, en su mayoría los famosos “The Wrecking Crew” para que participaran en la grabación e incluso se permitió experimentar con instrumentos como arpa o clavecín, órgano Hammond, arpa de boca y violonchelo.

3. I’m a Man- Spencer Davies Group. Entre los temas que eran sumamente populares en la meca hippie se puede contar este blues-rock compuesto por el cantante y organista Steve Winwood y el productor Jimmy Miller.   

Su éxito fue inmediato, de hecho se cuenta que fue el último sencillo de gran fama del cuarteto antes de la partida de los hermanos Steve y Muff Winwood. Aunque no se define muy bien si su fecha de grabación fue a fines de 1966, mucho se apunta que se dio a conocer entre enero y marzo de 1967 bajo la etiqueta Fontana Records.

Su influencia continúa hasta nuestros días dando como resultado versiones de bandas como Chicago y en la cual se puede escuchar a Terry Kath en la voz principal durante el primer verso, esto en 1970.

4. The Word – The Beatles. Para cerrar esta segunda parte de temas que forjaron la etapa psicodélica sesentera aparecen de nuevo los melenudos de Liverpool con este tema aparecido en el álbum “Rubber Soul” y grabado el 10 de noviembre de 1965.

Aunque pocas veces es citado como un tema psicodélico su estructura con armonio (ejecutado por George Martin) y la letra hablando abstractamente sobre el amor darían la pauta a lo que muchos grupos realizarían en adelante ya que prácticamente el “peace and love” eran los principales ideales de la generación Acuario, así también el órgano predominaba en la mayoría de los temas representativos de esa época.

Fue escrita principalmente por John Lennon aunque hay ayuda de McCartney quien declararía que era de ese tipo de canciones que les gustaba componer a John y a él basado en un solo acorde. Es cantada principalmente por Lennon en las frases principales y es perfectamente acompañado en los coros por Paul y George.

De esos temas Beatle poco valorados quizá pero que sin duda es un entrañable viaje musical. Todo en su lugar, el rasgueo de George y el ritmo excelentemente acompasado por Paul y Ringo.

Con esto damos fin a esta segunda parte a un conteo que se vislumbra un poco extenso, pero interesante. Es posible que por ahí haya algunos temas que tal vez no son muy recordados, pero fueron parte relevante en el inicio, desarrollo y clímax de una de las vertientes más asombrosas y experimentales de todos los tiempos.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.