Grease, ¡40 años de grasa, cuero, copetes y rock n’ roll!

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Estamos ela antesala de los festejos por los 40 años de Grease -Vaselina en Hispanoamérica-, la película inspirada en los años 50’s que contaba las alocadas aventuras de un grupo de adolescentes enredados en líos de amor, música, alcohol, cigarrillos, bailes, y que cambió la vida de muchas generaciones al implementar un estilo de vida, porque sí, la vida fue distinta después de que Grease se proyectó en las pantallas de cine.

Mucho se ha hablado ya de las canciones y las magnificas actuaciones de Jhon Travolta y Olivia Newton-Jhon como protagonistas de esta historia, pero ¿cuál fue el impacto que genero Grease durante las futuras generaciones de adolescentes rebeldes? Supongo que para saber esto a detalle se tendría que hacer un interminable estudio durante décadas ya que no sólo influenció a la Generación X, sino que incluso en la actualidad “la moda Grease” sigue viva.

A finales de los 70’s la vida de la clasificada Generación X era un tanto insípida y sin una influencia realmente marcada en los adolescentes; las chicas pretendían ser un poco más rebeldes en su forma de vestir, la moda estaba cargada de colores llamativos, accesorios imposibles y pelos repletos de spray. Vaselina fue toda una revolución entre la juventud voraz de formas de expresión, de querer sentir y vivir el mundo de una manera diferente.

Imaginen entonces -o recuerden si a algunos les acomoda-, en esos años no existían millones de millenials marcando un estilo y ritmo de vida diferentes cada cinco minutos, las personas aún tenían marcada la forma de vida con la que vivían los Baby Boom (entre 62 y 77 años actualmente): Las chicas guardaban su virginidad hasta el matrimonio, se enamoraban locamente a primer vista, vestían tan tapadas como si el invierno durara todo el año y sus labores se centraban principalmente en el ámbito doméstico. El impacto de ver a una Sandy siendo irresistible con leggins negros entallados y zapatillas rojas brillantes en Grease fue inmenso.

Pero no solamente del lado femenino marcó tendencia, con Danny pasa lo mismo; un tipo supuestamente “rudo” que debe dar una imagen “rebelde” ante su pandilla, de repente lo vemos como todo un vanidoso chico metrosexual y sensible. Grease fue sin duda un adelanto en su tiempo, el cambio que mostraban los actores era lo que añoraba una generación con falta de identidad, leggins ajustados, autos tuneados, copetes levantados, chaquetas de cuero y actitud rock and roll… Es por eso que fue un éxito en taquilla y es por eso que el tiempo la convirtió en un clásico.

Y así fue como se instaló en los ideales de apariencia y comportamiento en los adolescentes de esa época, los modelos impuestos por los protagonistas fueron reproducidos y reproducidos hasta el cansancio principalmente por la Generación X, esa que ha visto cambiar constantemente los modos del mundo; desde el “como debe ser” de los Baby boomers hasta la euforia del internet y las redes sociales que manejan los Millenials, porque aunque no lo creas, no solamente fue un modelo a seguir exclusivo de esa generación, los copetes, las chamarras de cuero, los leggins, entre otros artículos han formado parte del outfit de las generaciones predecesoras que han sabido mezclarlos para mantenerlas aún vigentes.

Incluso es curioso ver que en pleno 2018 se sigue implementando en muchos lados las canciones y atuendos de la película, ya sea en festivales escolares, estilos musicales, teatro e incluso bandas que han copiado la forma (y no, no me refiero al rockabilly). Porque Grase vivirá por siempre entre las generaciones hasta que algún otro musical llegue a romper la barrera que puso.

Aquí, algunos datos curiosos para rememorar la cinta estrenada en 1978 y que seguramente no sabías:

  • A Elvis Presley le ofrecieron un papel importante dentro de la cinta, pero el rey del rock and roll rechazó rotundamente su participación.
  • Ninguno de los actores estaba en edad para asistir a la preparatoria ya que el actor más joven tenía 19 años e incluso superaban los 30.
  • “Hopelessly Devoted to You”, la canción nominada a los premios Oscar, fue grabada al final de la película porque no era del gusto total de los productores pero sentían que hacía falta una balada.
  • Durante las grabaciones de la escena de la carrera de coches, los actores se enfermaron debido a que el agua debajo del puente estaba contaminada.
  • La escena final, en la que Sandy y Danny cantan y bailan juntos, fue filmada en un sólo día en una feria pasajera que estuvo únicamente un día. Cuando intentaron grabar más ya se había ido.
  • Las canciones no seleccionadas para el musical, fueron colocadas inteligentemente en otras escenas como fondo musical.
  • “Look at me, I’m Sandra Dee” menciona a Elvis Presley, extrañamente fue filmada el mismo día en el que el cantante murió (16 de agosto de 1977).

¿Y tú que recuerdos tienes de esta maravillosa película?

 

 

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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Covers de Rock And Roll Que Igualaron y Superaron A Su Original (3a. Parte)

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En México, como en el resto de países hispanoparlantes fuimos testigos de un fenómeno asaz curioso: el conocer a los más vertiginosos y movidos rocanroles y a las baladas más fresas y dulces, parejo y general como rocanrol en español; aunque en USA también tuvieran ambos géneros éxito al mismo tiempo, en América Latina se tuvo el agravante de que algunas canciones se conocieron hasta dos, tres o más años después, gracias a que los directores artísticos de las disqueras habían descubierto el éxito fácil que te daba una canción probada, Top 40 gringo casi siempre, para encontrar rolas de éxito garantizado, además de que las modas musicales iban evolucionando rápidamente allende las fronteras.

Es por ello que le llamamos rocanrol en español a la mezcla obligada de Rock n’Roll, Balada Rítmica, Twist, High School, Hully Gully, Stroll, Bop, Rockabilly, Balada Lenta, y muchas otras modas musicales más; uno de los subgéneros musicales más populares de esos años se ha clasificado hasta fechas recientes como PopCorn, el origen de dicha clasificación aún no es muy claro para un servidor, pero es la categoría musical en donde podemos agrupar a la mayoría de los baladistas triunfantes de esos días y a sus canciones, a los cuales de forma muy errónea y simplista se les ha dado en llamar “ídolos del rock and roll” y rocanrol en español.

(Nota del autor: cuando se habla de Rock And Roll nos referimos al ritmo machacón de cuatro tiempos por compás, que aquí en Mexicalpán de las Garnachas tocaron en 1959,1960 y 1961 primordialmente grupos musicales con guitarras, con suerte y lana bajo y batería, tales como Black Jeans, Crazy Boys, Teen Tops. Locos Del Ritmo, Loud Jets, Sparks, Hooligans, Blue Caps, Silver Rockets y Rippers entre algunos otros; es debido aclarar que personalidades notables de la época como Alberto Vázquez, Angélica María, Oscar Madrigal y la gran mayoría de baladistas de moda en esos días JAMÁS cantaron Rock n´Roll. Es tan equívoco llamarles rocanroleros como decir que el flamante gobernador electo de Morelos, Cuahutémoc Blanco es un referente del Béisbol o que Gustavo Díaz Ordaz era tolerante y benévolo con la juventud. Thanks.)

El PopCorn de finales de los 50’s y principio de los 60’s es una canción balada rítmica, con arreglo orquestal indefectiblemente, alto nivel de producción discográfica, y con tonadas ubicadas perfectamente entre el Rock and Roll básico y los standards de los años 40 y 50, con toque juvenil gracias a sus intérpretes; escuchando estas canciones en la actualidad me doy cuenta que era el producto musical ideal para mantener a los jóvenes tranquilitos, con canciones que aceptarían mamá y papá sin broncas, y que podrían disfrutarse en familia todos los sábados en la noche, en programas como The Ed Sullivan Show o American Bandstand, o aquí en México en la multicitada Premier Orfeón a Go-Go, o en programas antecesores tales como Las Estrellas y Usted o Estudio Raleigh. Y también habrá que reconocer que son canciones de excelente manufactura, orquestación impecable y cantadas por un intérprete preciso y generalmente bien seleccionado.

Esta entrega será acerca de tres muestras de ese género musical, con tres exponentes nacionales que si bien no son los más renombrados, son siempre citados como “rocanroleros” inefables, aunque en honor a la verdad y como ya he inferido anteriormente, de Rockers tenían lo mismo que yo de físico nuclear. Sin embargo, y a pesar de muchas limitaciones anteriormente explicadas, lograron excelentes versiones que serían más atractivas y mejor logradas que sus respectivas originales, malteada de fresa en mano, ve a tu sillón favorito y disfruta:

Olvídalo, Alberto Vázquez, 1961/ Forget it, John Gary, 1960

John Gary Strader nace en noviembre de 1932, y su gracia fue ser cantante y animador de televisión, por cierto muy activo y con un récord de recorrer América y Canadá varias veces, al grado de actuar en un promedio de 40 conciertos al año; su show televisivo fue muy importante también desde 1963 en la CBS, reemplazando a un clásico, The Danny Kaye Show.

Tenía un registro de voz muy agradable, algo que es evidente en este track, y que llegaba a un registro de tres octavas tranquilamente y sin despeinarse. Este single para Fraternity Récords, con el acompañamiento de la orquesta de Edward Labunsky, y del LP ” John Gary Song Book” fue grabado a finales de 1959 y publicado en 1960. Vale mencionar que Gary fue uno de los cantantes favoritos de Elvis Presley, quien también la grabó, aunque hasta el momento la RCA Víctor no ha editado su versión.

Cuenta la leyenda que a mediados de 1946 llegó procedente de Guaymas, Son. Un niño de hermosa voz, radicándose en casa de unos familiares avecindados en la hermosa colonia Condesa de mi Mexico City, en un segundo piso de un edificio cercano a una de las esquinas de Sonora y Amsterdam (dato curioso, hay ocho esquinas en esa confluencia) con el paso del tiempo, creció y acudió a estudiar pintura en San Carlos y la entrañable La Esmeralda. Se cuenta que su padre lo llevaba a cantar en los intermedios de las funciones del cine Alameda, pues trabajaba allí como gerente; en 1957 empezó a trabajar en el cabaret Cadillac (Cópernico y Herodoto, col. Anzures) y posteriormente paso a ser la estrella del programa en el cabaret Afro, donde fue invitado a grabar un LP para la Orfeón, de donde sale su primer pequeño éxito radiofónico, “Rosa Lee”. En 1960, y después de rechazar un ofrecimiento para cantar en Las Vegas (¿¿¿quién en sus cabales rechazaría esa oportunidad???) es llamado por Enrique Acosta, quien le graba un LD en la Musart publicado en 1961, en donde aparece este excelente cover, grabado con la orquesta de Jorge Ortega. Hay mucho que contar del señor Vázquez Gurrola, poco a poco lo iré reseñando aquí.

Original:

Cover:

Cosas, Óscar Madrigal, 1962/Things, Bobby Darin, 1962

El gran Walden Robert Cassotto, bajo el nombre artístico de Bobby Darin, es por mérito propio uno de los más grandes cantantes del siglo XX, y no es por una voz de rango de cinco octavas, ni por ser muy guapo, ni nada de eso; pero es poseedor de un estilo inigualable, un multinstrumentista notable, y una voz característica. Sin duda, merece un artículo por sí mismo con su semblanza, lo único que les platicaré aquí es que “Things” es una canción publicada en junio de 1962, que llegó al 3er. lugar de popularidad del Billboard, y que tuvo que lidiar con una sospecha de plagio de una canción muy de moda por 1934 pero que hoy día nadie recuerda ni mucho menos conoce: Summer Things.

Jaime Escudero Hinojosa, nacido en Mayo de 1943 en esta muy noble y leal Ciudad de México, fue my conocido en nuestro país, Sudamérica y España con el nombre artístico de Oscar Madrigal, y es uno de los cantantes de aquella época de quien menos se saben datos concretos y verificables. Lo que sí se sabe con certeza es que estudió el inicio de high school en USA, y que su estilo de media voz, sin mucha potencia ni color, pero con un característico timbre que hacía muy fácil el cantarlo en el radio de tu casa o el de transistores; quizás eso, junto con su comedida presencia lo hizo un ídolo natural en la época, que para su caso particular duró solamente tres años, de 1961 en el cual graba sus primeros discos, hasta el año de 1964, en donde registra su última canción importante en la radio, llamada “Puerto Príncipe” la cual podemos escuchar en la última película que filmó, “Campeón del Barrio” al lado del malogrado Javier Solís, la muy atractiva chamaca de oro Sonia López, Gina Romand ( la original rubia Superior que todos queríamos) y la institución de la actuación Don Fernando Soler.

A partir de ahí, es donde se sabe menos de su vida, la versión más escuchada es que se fue a estudiar y radicar en definitiva a los Estados Unidos, que se volvió un empresario muy exitoso, que además era una lumbrera para el golf ganando trofeo tras trofeo(campeón nacional, nada más), y que solo regresó por invitación personal de Jaime Almeida a participar en la memorable rocanroleada del reconocido periodista Ricardo Rocha en su programa de 1987, “En Vivo” queda como tarea de los auténticos investigadores como mi buen cuate Ricardo Rico– saludos amigo!- que le hagan una entrevista abundante y sabrosa. Tuvo varios éxitos radiofónicos, con el gran mérito de que quién le hacía sus pistas musicales originales, era sumamente fregón y tenía una calidad sobresaliente, al parejo del trombonista Chuck Anderson; solo le he detectado tres pistas de las versiones originales, “Camina Derechito”, “Que Clase de Amor Es” y ” Vete lejos de Mí “. Esta pista, en “Cosas” es notable por lo bien hecha que está. Disfrútenla.

Original:

Cover:

La Favorita del Profesor, Julissa, 1961/ Teacher’s Pet, Doris Day, 1958

La rubia del millón de dólares, la hermosa Doris Day, quien para estas fechas ya llevaba una carrera musical de quince años, graba esta composición de Joe Lubin como tema de la película del mismo nombre hace 60 años exactamente, en la que Day comparte créditos con Clark Gable y Mamie Van Doren. No fue la única ocasión en que la canción replica el título de una de sus películas; como ejemplo están también la muy divertida Pillow Talk (Problemas de Alcoba, aquí en México) y la no menos hilarante Tunnel of Love, buenas canciones, películas agradables y taquilleras, que llegábamos a disfrutar aquí en cines tan bellos y evocadores como el Roble, Las Américas, Real Cinema o París, por mencionar algunos; de rigurosos cuatro pesos la entrada, pues no eran “de piojito” como eran conocidos los cines de barriada back in the good old days. Después de esta película, que tal un cafecito y un pastel a la moda, de la mano de una belleza cincuentera? Aaaah….! Por eso esas épocas son entrañables y provocan nostalgia de lo no vivido.

Julia Elisa De Llano Macedo, la guapa y talentosa hermana del productor televisivo Luis De Llano Macedo, hija de la primera actriz Rita Macedo y del pionero de la televisión mexicana Luis de Llano, también esposa del vocalista de Los Yaki, el simpático Benny Ibarra. A pesar de los blasones familiares, logros personales y parentescos aparte, la etapa de su carrera artística que nos interesa para efectos de esta columna es la de sus inicios en la música, que abarca del año 1958, cuando empieza a coquetear con la música moderna al cantar en un grupo musical en donde su hermano Luis intervino, y que muy difícilmente podría calificarse de “rocanrolero” cuando su repertorio estaba integrado por canciones de Paul Anka o Johnny Restivo; de alguna extraña manera, y sin duda por gracia y obra de sus influyentes padres, resultaron finalistas en el ya tan mencionado concurso de Radio Éxitos, de noviembre de 1960. Aún sigue escapando a mi entendimiento como estos chavos podrían haber ganado un concurso de rock and roll donde estaban grupos como Los Hooligans, Loud Jets, Sparks o Los Blue Caps. Sin embargo así fue. Por lógica, y por qué no daban para más, Los Spitfires graban un único disco sencillo (Ven Cerca/Loco Amor), pero la muy atractiva Julissa persevera en esto de la cantada, y con poner en práctica lo aprendido en los Estados Unidos acerca del canto y la danza clásica y de jazz, pues fue más fácil obtener en Discos Columbia la oportunidad de grabar; como en el caso de Madrigal, no necesito más que una voz apenas entonada para colocar grabaciones en el gusto popular.

Con su primer single en 1961, Columbia 5110, inicia una exitosa carrera discográfica, siendo su mérito más grande el ser la punta de lanza de una segunda generación de vocalistas mexicanas dentro de los grandes años del rock, al renovar cuadros de otras “rocanroleras” (jajaja) tales como las ya veteranas María Eugenia Rubio, Lety Cisneros, Queta Garay, y en conjunto con jovencitas más frescas como lo serían ella misma, Angélica María, Leda Moreno, Mayté Gaos y Las Hermanas Jiménez. Por cierto, todas ellas, jovencitas y maduras tenían de rocanroleras lo que un servidor de goleador del Real Madrid. Debemos encontrar una mejor clasificación para la música de estas chicas en el futuro inmediato, para no lastimar a genuinas rockeras como Wanda Jackson, por mencionar a alguna de las más conocidas. Con todo en contra, aún así esta versión de Julissa es muy agradable, se las recomiendo.

Original:

Cover:

Sin duda disfrutables, ¿no es cierto? La verdad es que para apreciar este tipo de música debemos despojarnos de esa típica soberbia que acompaña a estos tiempos llenos de internet y de recompensa inmediata, para ubicarnos en aquellos días donde tener teléfono y televisión en casa te ubicaba en un lugar de privilegio ante otros camaradas, tener tu radio de transistores y tu tocadiscos portátil para disfrutar de la maravillosa música de esos años en tu recámara podría verse como un símbolo de status incluso; ya si disponías del auto de papá para salir la noche de viernes o de sábado y recoger a tu chica era puntuación extra. Como todo eso ya es ciertamente más común hoy día, resulta difícil explicar a las nuevas generaciones por qué esta música nos conmueve y apasiona. Y dando el honor que se merecen los actores de esa época, quienes con todas las limitaciones nos regalaron covers memorables, sirvan estas humildes líneas para brindarles un pequeño homenaje.

Como siempre a sus órdenes en mi correo marco@elcirculobeatle.com para peticiones, comentarios, mentadas o lo que tercie, lo recibimos con mucho gusto como cada semana. ¡Los espero en la próxima!

 

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Seis Éxitos Beatle no compuestos por ellos (4a entrega)

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“…si he visto más lejos, es porque estoy sentado sobre los hombros de gigantes…”

                                                                                  Isaac Newton 

Cuánta razón tiene este científico, no sólo en el ámbito de la ciencia sino para cualquier disciplina en la vida. Newton escribe esta frase en una carta dirigida a Robert Hooke ( El de la Ley De Hooke) haciendo mención a los predecesores Copérnico, Kepler, Galileo y varias calles más de la colonia Anzures, aludiendo a que es debido y correcto seguir el camino de los grandes que vienen antes de ti.

Nunca más válido que en la música dicho enunciado, y mis adorados Beatles serían todo, menos la excepción; cabe mencionar que a pesar de que Elvis o Buddy Holly fueron enorme influencia en los cuatro grandes, la discografía oficial (en la que me estoy basando para estas entregas) consigna solo un cover del texano y ninguno de Elvis, también es muy extraño que Bill Haley and His Comets tampoco haya sido versionado por los cuatro grandes. Todavía más interesante saber que hicieron más covers de Carl Perkins, Little Richard, Arthur Alexander y un rocker poco conocido y menos reconocido por los nuevos fans del rock and roll, a quien The Beatles versionaron hasta en tres ocasiones, y con un legado musical muy interesante, me refiero a Lawrence Eugene Williams, Larry Williams para los cuates. A él dedico esta entrega y, junto con Berry, Perkins y Penniman, hacen los compositores rocanroleros más covereados por The Fab Four. Un poco de su historia:

Bad Boy, 1959, Slow Down, Dizzie Miss Lizzie, 1958, Larry Williams

Nace en la nueva Nueva Orleans, LA. El 10 de mayo de 1935, es cantante, compositor y pianista, y se sabe muy poco de su vida en sus primeros veinte años.

Lo poco que se ha sabido es que fue pésimo estudiante, no se llevaba bien con sus congéneres e incluso, se ha sabido que ” andaba en muy malos pasos” desde su adolescencia; de hecho, llego a ser un pimp (regente de prostitutas) y estuvo envuelto en varios problemas por tráfico de estupefacientes, joyita preciosa este amigo.

Sin embargo, podemos decir sin problemas que su lado positivo estuvo lleno de música Doo-Wop y buena inspiración musical. Para 1957, su sello discográfico Speciality Records buscaba urgentemente a alguien que cubriera la vacante que había dejado Richard Penniman para irse de predicador; quien mejor que este chico avezado, hábil con el piano y que en sus principios imitaba tan fielmente a Little Richard, que tenía un estilo interesante, con letras extrañas, silbidos y ruidos raros. En su primer éxito, Bonnie Moronie, escucharemos a un Larry prototipo, con estas características. A continuación, una canción conocida como “Frénate” o como diríamos hoy, bájale dos rayitas….

Larry Williams muere en 1980, a los 44 años de edad, en algo que se declaró “suicidio” por las autoridades y que nunca fue aclarado a totalidad, lo único que se supo con certeza es que una bala acabó con su vida, nadie sabe y nadie supo.

Su legado musical logró que fuera covereado por The Beatles, The Rolling Stones (She Said Yeah) El mismo Little Richard, (Short Fat Fannie), entre muchos otros. En México, algunas de sus canciones fueron covereadas por los Teen Tops (Popotitos/ Bonnie Moronie) así como un muy medianito cover de Los Apson Boys (¿se han fijado que un alto porcentaje de covers de Los Apson son de medianos a malos? ¿Y que la gente, a pesar de ese hecho irrefutable los adora? Es algo que me resulta difícil de entender, pero pensándolo bien, creo que mucha gente ama los covers chafones y no aprecia o recuerda los buenos, habrá que hacer labor de evangelización, jejeje…) a la siguiente canción, grabada para la Peerless en 1965 y que se conoció con el extraño título de “El Microscópico Bikini”

Maggie Mae, tradicional, circa 1850

Hablar de una versión original sobre una canción tradicional es una labor titánica y que escapa a mi alcance de todas todas, no pretendo determinar quién lo hizo, ni cuándo ni dónde. Es el caso de esta alegre canción, himno no oficial de la ciudad de Liverpool, y que tiene como tema central el caso de una prostituta que roba a un marinero; de aquí viene el llamar por su tonada a algunas canciones como ” muy marineras” por el ritmo original que tenía Maggie Mae para mediados del siglo XIX, con una tonada que nos recordaría hoy el escuchar “I’m Popeye The Sailor Man” poco más o menos.

Se dice que hay una canción norteamericana “gemela” llamada “Nellie Gray” que recoge en un tono más lánguido la misma temática, pero ubicada en los estados del sur gringo, y que fue evolucionando hasta convertirse en el éxito treintero de la mismísima Bessie Smith, “Strange Fruit”, al escuchar ambas canciones, es muy poco perceptible dicha similitud para un servidor, aunque en el número especial del centésimo aniversario de la revista Billboard así se consigne.

Hubo una canción que sirvió de despunte de la carrera tan exitosa de Rod Stewart en 1971, después de su salida del grupo Faces (antes Small Faces) y que fue sencillo de doble cara A, llamada Maggie May; nada que ver, entre ambas canciones, de hecho la rola de Rod es una de las más finas piezas de rock de inicio de los 70’s, y llegó a primer lugar de popularidad en las listas mundiales.

La versión Beatle fue grabada en los estudios Apple el 24 de enero de 1969, después de formar parte informal del repertorio de The Beatles desde las heroicas épocas de The Quarrymen; Lennon grabó como solista en 1979 su propia versión. Con 39 segundos de duración, curiosamente no es la canción más corta de The Beatles, siendo el track final de Abbey Road, Her Majesty, de escasos 23 segundos de duración, la más corta. Debo confesarles que dirty ole robbin’  Maggie Mae es una de las seis canciones de la discografía oficial Beatle que NO me gustan.

Matchbox, Carl Perkins, 1957

Rolita Beatle muy sabrosa, producto de la inspiración de su buen amigo Carl Perkins, quien escribe esta canción en 1956 y la graba en 1957, formando parte de su disco LP “Dance Album of Carl Perkins”. Comparte unas frases de canciones antiguas de Blues, ” Lost Wandering Blues” de Ma Rainey, y de “Matchbox Blues” de Blind Lemon Jefferson, en la que está basada esta canción.

Debo de confesar que el efecto de retraso-delay– en la sobregrabación de la voz de Ringo hace que cueste trabajo entender lo que dice para traducir la rola, y se llega a empastar un poco el trabajo vocal; de igual manera se percibe un efecto de reverberación que ayuda a confundir un poco más esto cuando escuchamos la versión en estéreo, por lo cual fue para un servidor una revelación macaca el saber que la primera frase de la letra decía algo así como:

Well I’m sitting here wondering 

Will a matchbox hold my clothes? (Letra original de Perkins)

Y con The Beatles:

I said I’m sitting here watching 

Matchbox hole in my clothes…!

 Como curiosidad, Ringo canta una estrofa que no aparece en la grabación original de Carl, esa que dice:

Well, if you don’t want my peaches honey, please don’t shake my tree….

 Que equivale a “si no compra, no mallugue “; debo decir que nunca pude saber el porqué de esta estrofa ni de dónde salió. Pudo haber sido una de tantas bromas Beatle, que le dieron color y sabor a sus canciones también; como colofón a ésta entrada, se debe mencionar que desde 1961, que está canción está en el repertorio Beatle, siempre la cantó el baterista, siendo Pete Best el encargado de cantarla en la época del Star Club, y luego Starkey.

Act Naturally, Buck Owens, 1963

Canción de la inspiración de los compositores Johnny Russell y Voni Morrison, que grabara Buck Owens con su grupo The Buckaroos y saliera a la venta en marzo de 1963, habiendo sido grabada el mes anterior. The Beatles ya habían coqueteado con una temática Country desde el álbum Beatles For Sale, con la rola ” I Don’t Want To Spoil The Party” y en 1965 con ” I’ve Just Seen A Face” del LP “Help”, en donde el uso de la guitarra Texana de 12 cuerdas es preponderante; para “Act Naturally” George toma su fiel Gretsch Country Gentleman en acabado Cherry y le saca el sonido para el cual fue creada. Pure Country.

Voni Morrison no participó en la composición, la cual es íntegramente de Russell, ella solo cumple con presentar a Bobby y a Buck entre sí, gracias a un acuerdo de credit sharing que tenían entre los dos; la canción llego a estar 15 semanas en primer lugar de popularidad de las listas Country en 1963, y con la grabación de The Beatles podemos decir que Morrison se sacó la lotería. Hubo también una exitosa versión de Loretta Lynn, (The Coal Miner´s Daughter) lo cual sirvió para resolverles la vida económicamente hablando al par de amigos compositores.

Grabada por los cuatro grandes el 17 de Junio de 1965, se incluyó como lado B del single “Yesterday” y su inclusión en algún larga duración americano fue en el célebre “Yesterday and Today” mítico álbum de interesante historia. Bendito sea Dios, no tuvimos cover mexicano de esta rola.

¡Hemos llegado al fin de esta saga! Una vez más, reiterar que estos son los covers que la discografía oficial consigna, y está comprendida en las cuatro entregas que he escrito, si te gustaría saber anécdotas, datos y trivia de otros cover Beatle previos a la discografía oficial, házmelo saber en tus comentarios, opiniones o a mi correo electrónico marco@elcirculobeatle.com espero les haya gustado esta serie, y hasta la próxima!

  “…well I bet you, I’m gonna be a Big Star….”

                                                                             Buck Owens, 1963

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Covers de Rock and Roll que igualaron o superaron a su original (Segunda Parte)

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“…Es que contigo, y con el Rock and Roll/ es como puedo, puedo ser feliz…”

                                                      Tú y el Rock, Los Blue Caps, 1960

Como lo mencioné en la primera entrega de esta serie, no es que hayan despertado los demonios patrioteros en este humilde servidor, ni que grite a voz en cuello que nada más truenan los chicharrones de lo hecho en México; de hecho, quien ha tenido la paciencia de leerme se dará cuenta de que soy un crítico muy ácido de los covers nacionales, y que reconozco que de cada 10 covers solo dos o tres tienen mérito y calidad. Esto obedece a varios factores, uno de los más importantes es que en mis años de estudio de esta serie, que abarcan desde finales de los 50’s y hasta 1964, la versión original de estas rolitas era más difícil de encontrar y por ende de escuchar en la radio; cierto es que existían por aquellos años los famosos “servicios postales” de publicidad, de las grandes cadenas discográficas, que trabajaban en conjunto con las casas disqueras de una manera muy peculiar: se reunían de 20 a 50 discos sencillos de 45 RPM a mes vencido por servicio( por decir algo, los éxitos de febrero de 1960, recibidos en los primeros días de marzo de ese año aquí) generalmente bajo los rubros de Top 40, novedades interesantes, novelties humorísticos, o el nuevo lanzamiento de un artista consagrado; por ejemplo, Capitol trabajaba con Liberty, Dolton, y dos marcas más de la región de California, y así por el estilo. Pero la gran mayoría de material original era o  desconocido o escasamente difundido, o de plano ignorado.

Todavía en el año de 1962, cuando Radio Mil se mudó de las calles de Ayuntamiento a su nuevo corporativo en la colonia Florida del sur del DF, la mudanza de la discoteca solamente fue todo un suceso, con varios sobres del servicio corresponsal sin abrir, valiosos paquetes que la mayoría de las veces se quedaron en las colecciones privadas de la gente cercana; aunque como estos servicios se contrataban por cada radiodifusora, había siempre de 4 a 7 u 8 personas que lo recibían. De ahí se cuadraban gustos musicales con los productores de las radiodifusoras y las disqueras, y de ahí la orden directa para los artistas emergentes, directores de orquestas y arreglistas para tener material fresco para grabar. Esto era un poco diferente en los años heroicos de 1958, 1959 y buena parte de 1960, donde no era tan regulado el repertorio de los primeros grupos juveniles.

Con gusto retomo el tema con tres covers que se llevan las palmas por méritos musicales sobre todo, que sigo pensando que es harto meritorio dadas las condiciones reales de los músicos aficionados de nuestro país, en competencia directa con músicos profesionales, mejores instrumentos musicales y mejores condiciones de ensayo, grabación y comercialización de su música. ¡A disfrutar!

Lo Siento, Lety Cisneros, 1960/I’m Sorry, Brenda Lee, 1960

Es chiquita (1.45m.) y era muy bonita, la Georgiana Brenda Mae Tarpley, nacida en 1944 y famosa alrededor del mundo. Numerosas actuaciones en Francia, Alemania, Italia, Gran Bretaña….hasta en Rusia la querían escuchar; a partir de la grabación “One Rainy Night in Tokyo”, la cual realiza en Nashville, se detona una gira japonesa en 1965, en donde literalmente la veneran (como a los Ventures y Cheap Trick, por ejemplo, en donde tendrían asegurada su existencia de tres generaciones en adelante, de las regalías que se pagan por sus ventas) en 1966, graba en Inglaterra y con Jimmy Page como músico de sesión, “Coming on Strong ” y la excelente “Is It True”. “I’m Sorry” es uno de sus éxitos más notables en su carrera, y llegó a primer lugar de popularidad según el Billboard, en Junio de 1960, fue grabada a finales de 1959, pero la guardaron un rato los productores de Decca Records, ya que creían que no estaba ni medio bien que una chavita de quince años se expresara de una forma suficientemente madura referente al amor no correspondido. Imposible de pensar tal cosa en nuestros días, ¿no creen? Ahora las niñas de 10 años para arriba demuestran amplia experiencia en esas lides.

Se agradecerá cualquier información adicional acerca de la guapa Lety Cisneros, ya que es muy poco lo que se publicó tanto en su tiempo (octubre de 1960) sobre Lety, como información actual disponible de ella, y por ello escasamente podremos elegir sólo notas sueltas y en algunos casos curiosas; se dice que fue sobrina del músico y compositor del Trío Los Dandys Güicho Cisneros, y que gracias a eso y varias audiciones logra entrar a RCA Victor, que junto con todos los rocanroleros mexicanos notables de 1960 (qué raro que incluyeran a una baladista fresa aquí) debería haber sido convocada al Zócalo o alguna plaza amplia para un fusilamiento masivo(???!!!) por dañar los castos y puros oídos de un gorilesco seudo periodista de aquellos días llamado Roberto Blanco Moheno, y que Notitas Musicales recomendaba la compra de sus éxitos “Juntos Muy Juntos” Cover a  la niña inglesa Hayley Mills, “Viento Huracanado ” original de Gogi Grant, y “Tiempo Tempestuoso” de Della Reese, todo ello en su LP RCA Camden CAM 36, y su EP MKE 774. La orquesta de Chucho Ferrer hace alarde de recursos en esta grabación, ya que copia el arreglo original con exactitud y precisión suiza, y hay que reconocer que el tono de mujer llorada que le imprime doña Lety aquí hace la versión mexicana más agradable por todos lados.

Original:

Cover:

Hermosa Laura, Loud Jets, 1961/Lana, The Velvets, 1959

Grupo texano de Doo-Wop, The Velvets es formado en 1959 en su natal Odessa por un maestro de preparatoria, Virgil Johnson, y cuatro de sus alumnos. El mismísimo Roy Orbison los escucha y los contrata para Monument Records en 1960. Apoyan en la grabación de la versión de Orbison de “Lana” en coros y guitarra, y les es permitido grabar una versión propia de la canción; para Roy fue una canción más, sin relevancia, para los Velvets fue su gran éxito regional, y en México es una de las rolas seminales del Rock and Roll.

La historia del muy bien recordado grupo defeño los Loud Jets, comienza con los Hermanos Munguía Castellot, Alejandro en la voz y Lalo en el requinto, y la Escuela Nacional Preparatoria número 6 de la Ribera de San Cosme, donde estudiaban. Los demás integrantes de esta primera alineación fueron Francisco Gastellum Flores en el bajo, Alfredo García Pérez el famoso Freddy del saxofón, Sergio Balderas Crespo a la bataca  y el excelente guitarrista Victor Constantino, de quien ya hemos hablado anteriormente de su participación con otros grupos.

Formados el mismo año que su escuela, la Preparatoria 6 de Santa María la Ribera, casa de Mascarones – y antes de su mudanza a Coyoacán- en 1959, surgen a la fama en el también anteriormente mencionado concurso de Radio Éxitos de noviembre de 1960, del cual debemos aclarar que se iba a celebrar su fase final en el lujoso restaurante Ciro’s de las Lomas De Chapultepec; y que tuvo que suspenderse por qué ese mismo día se presentaría ante los medios un nuevo cantante solista, el mismísimo Enrique Alejandro Guzmán Vargas. Es por ello que cambió de sede, al foro del patio interior de la iglesia de San Antonio de Padua en la Colonia Nápoles, que daba a las calles de Tennessee, y donde los Camisas Negras armaban sus tardeadas para pagar sus instrumentos. Siempre he creído que esos padrecitos gustaban del rocanrol mexicano como un servidor, si no es que más.

Los Loud Jets gozaron de año y medio de éxitos discográficos en 1961 y 1962, año en el cual empiezan a salir de gira por el interior de la república primero, y luego Estados Unidos, Canadá , Sudamérica y Europa, con su representante Gabriel Pardo Arzate, actividad que llevaron a cabo del 31 de marzo del 62′ hasta el 79′ en forma ininterrumpida, teniendo logros notables, como llegar a presentarse en el show de Ed Sullivan, y de tocar en Las Vegas con el espirigonzalezco (saludos Federico Arana) nombre de los Mexican Jets. Otros nombres que usaron fueron los Jumping Beans, con el cual alternaron con Sammy Davis Jr. y Johnny Mathis. Eduardo Munguía fallece en abril de 2001, y este es sin duda su éxito más notable; es clara la superioridad y arreglo más atractivo a la versión de los Velvets, y mucho más a la original de Roy Orbison, las guitarras son más acompasadas, y el órgano electrónico de fondo conjunta en su lugar a todos los instrumentos; el bajar un tono completo la versión original (de Fa a Mi bemol) ayuda a hacer la canción más asequible para los oídos del público mexicano, por alguna extraña razón, que me declaro incompetente para explicar. A la vuelta de mi disco sencillo Columbia 5099, “Twist de Tomás”

Original:

Cover:

Melodía de amor, Rebeldes del Rock, 1960/Melodie D’Amour, Paul Anka, 1957

Este nativo de Ottawa, Canadá es un claro ejemplo de “Teen Idol” con 0% de Rock and Roll en sus venas, mucha fama durante el período, muchos éxitos discográficos, muy buenas canciones compuestas por él mismo, y una popularidad mundial. De los pocos superstars que se presentó en México en su momento de popularidad máxima, en el Auditorio Nacional de esta capital.

Con una vocación de crooner al estilo de Sinatra o Bennett, sus baladas amorosas siempre estaban respaldadas por orquestas tan afamadas como las de Stan Applebaum o la de Don Costa (apellido que usó nuestro chico local César para su nom de guerre) logrando con ello éxitos tan importantes como “Puppy Love” “Crazy Love” “Adam and Eve”, ” My Hometown ” y unos 34 etcéteras más; vigente discográficamente desde 1955, todavía hasta hace un par de años se presentaba en el Caesar´s Palace de Las Vegas con mucho entusiasmo y vitalidad.

Por otra parte, un buen día de 1957 los dos hermanos mayores Tena, Guillermo Américo y Waldo, deciden llevar su afición de cantar sabrosos boleros y música de tríos one step beyond; junto con un amigo de la cercana colonia Condesa, Francisco Domínguez, conocido ya a pesar de su juventud como “el abuelo” y un simpático chaparrito, excelente amigo actualmente y originalmente trompetista, el buen José María Silva, empiezan a ensayar en la colonia Roma algo parecido a lo que escuchaban en Radio Mil y la 6:20, Rock and Roll. A la vuelta de su lugar de ensayos, sobre la calle Puebla y enfrente a la iglesia de la Sagrada Familia existió una tienda de discos que era sitio de reunión de varios rocanroleros en ciernes: “El Disco Rayao”, donde se traían discos importados por encargo, y según dicen los que lo conocieron había dos cabinas para escuchar discos sin necesidad de comprar nada; lugar favorito para pasarla bien , y teniendo a 5 cuadras las nieves de la legendaria “La Bella Italia” casi todos los integrantes de los grupos pioneros recalaban ahí: Black Jeans, Crazy Boys, Locos del Ritmo, así como los cuatro muchachos de los que les platicaba antes y que para 1957-58 seguían llamándose Los Reyes del Rock.

El corredor centro histórico- Juárez-Roma-Condesa-San Miguel Chapultepec fue muy importante para la época protorocanrolera mexicana , de ahí salieron muchísimos grupos e integrantes de ellos, entre los que podemos contar al güero Sammy Fournier, al inolvidable Antonio Verdes Sánchez (El mítico Toño de la Villa)y a su gran amigo Víctor Blanco Labra; todos cantaron en esta primera alineación de lo que después serían Los Rebeldes del Rock, que aún no tenían bajista, chamba que recayó, después de alguna insistencia y resistencia de los integrantes del grupo, en el menor de los hermanos Tena, Marco Polo.

Una noche de 1959, y después de una primera tanda en el Teatro Follies de Sta. María La Redonda, Jesús Martínez “Palillo”, cómico de la legua consagrado y poseedor de récords de arrestos policiacos por lo que en ese entonces se llamaba “disolución social” -que no era más que poner en su lugar a los políticos de ese entonces en donde se merecían realmente-, al ver a seis chamacos con instrumentos exclamó: ” ¿quiénes son estos p….chamacos rebeldes?” “Son acaso rocanroleros?” Después de tragar grueso, el más avispado de ellos, un jovencito delgado y muy moreno, Juan José Laboriel, hijo de padres hondureños y radicado en las calles de Puebla a la vuelta de Romita, con todo su aplomo y valentía ganada a pulso como miembro de la pandilla de rebeldones llamada los “Arañas” donde compartía y repartía trancazos con el después famoso Paco Stanley, le contestó al cómico que para nada (en otras palabras, que no transcribiré aquí), que eran Los Reyes del Rock, y que si no le gustaba, que lo compusiera. La anécdota cuenta que ese arranque de Johnny dejó muy bien impresionado al papá de Ana Martín, quien después fue su cuate, y les cambió el nombre para siempre. Por cierto, aún al día de hoy existe todavía una especie de competencia para saber cuál fue el primer Rock and Roll juvenil difundido por la radio, en abril de 1960: la gran mayoría de las escasas fuentes consultadas confirman que fue Radio Mil, incluyendo en su programa diario ” El juicio de los discos”  la famosa versión a “La Hiedra Venenosa” de The Coasters, contra “La Plaga” de los Teen Tops, y “Leroy”, de los Crazy Boys.

Cabe mencionar que “Melodía de Amor” tiene su versión primera con un grupo vocal muy famoso en USA en los años 40’s y 50’s, Los Ames Brothers, de donde Laboriel toma algunos elementos de fraseo y coros para su versión; Continuaré platicando de la anecdótica historia de los Rebeldes del Rock en entregas posteriores. El arreglo musical de los Rebeldes es más juvenil, más fresco y más atractivo, en comparación a la balada rítmica con aires quesque latinos que canta Paul Anka, quien es incovereable en otras rolas, pero aquí si les dan la vuelta mis rebecos.

Original:

Cover:

¿Qué tal el paseo por esas épocas adorables y fresas? A más de cincuenta años de haber sido publicadas, estas rolitas poseen el encanto de los tiempos idos, tiempos que casi siempre salen ganadores en comparación a los actuales, revestidos con la pátina piadosa de la nostalgia y con un mejor gusto en general. Coméntame que te parecen estas selecciones, si te gustarían una o más canciones que consideres que deban ser incluidas y analizadas en esta serie, y en general cualquier comentario que quieras, en la sección de comentarios de este artículo o bien a marco@elcirculobeatle.com

“…Volver la vista atrás es bueno a veces, uuh /mirar hacia adelante es vivir sin temor…”

                                   El Baúl de los Recuerdos, Karina, 1968

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Covers de Rock and Roll en español que igualaron o superaron al original (1a.parte)

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“…Los frijolitos, doña Chonita, me gustan más refritos que como salen de la olla…”
Luis Aguilar, en un anuncio de frijoles de los años 90’s

Lejos de mi intención cualquier manifestación de patrioterismo o chovinismo en mis opiniones, quien me conoce bien, sabe que no soy así. Pero lo que sí vale la pena subrayar, es que a pesar de algunas cuestiones insondables tales como la escasa preparación musical de muchos de los chavos que interpretaron este ritmo, los instrumentos musicales de calidad mediana, algunas veces “hechizos” de plano, la ignorancia de los “directores artísticos” de las marcas disqueras de entonces, que no tenían idea de cómo grabar Rock and Roll, la poca disponibilidad de información sobre las grabaciones originales, además de no dominar la lengua de Shakespeare en muchos de los casos, es notable y sobresaliente que se tuvieran resultados tan alentadores como los que analizaré en esta serie, casos que nos asombran por lo insólito y que resultan de franco entusiasmo, si te gusta el Rock And Roll en español tanto como a un servidor.

Si de plano te parece que estoy loco, te invito a que las escuches con imparcialidad, partiendo de la premisa que alguna vez me comentó mi querido amigo, el Contador Gonzalo Gutiérrez, autoridad en este tema y amplio conocedor musical que me dijo: “Ni todo el Rock en español es malo ni todo el Rock en Inglés es bueno”, seguro te llevarás alguna que otra agradable sorpresa. ¡Play Ball…!

No Viviré Sin Ti, “El Che”, 1962/ Don’t Take Away Your Love, Johnny Nash,1961

Johnny Nash, nacido John Lester Nash en 1940 ,es un cantante nativo de Houston, TX, que tuvo su oportunidad de ser todo un “Teen Idol” aunque por lo general los años 50’s y 60’s no eran el periodo de tiempo más idóneo para serlo siendo afroamericano; aún seguían siendo los años de la segregación racial en la Norteamérica de entonces, los pocos que si llegaron a ser superestrellas a pesar de ese handicap en contra, fueron Sam Cooke, Jackie Wilson, Muddy Waters y a mediados de los sesentas Marvin Gaye o James Brown. En 1968, Johnny Nash se muda a Jamaica, continuando su carrera de cantante con ritmos locales, logrando los más grandes éxitos de su carrera con creaciones como “Hold me Tight” gran éxito en USA y México hace 50 años, su primer lugar de popularidad “I Can See Clearly Now” de 1972, y “Stir It Up” del mismo año.

Manuel Reyes López, oriundo de Campeche y nacido en 1941, fue parte de la alineación más exitosa de Los Locos del Ritmo a partir de 1960, reemplazando al Rocktor Alberto Figueroa (quien se fue a Los Zipp’s), participando como guitarra de acompañamiento hasta 1962, año en que es invitado a participar como solista en el establo de figuras de la nueva ola para un sello subsidiario de DUSA -Discos Universales, S.A.- Llamado Discos Belart. Los ejecutivos de Artistas y Repertorio de la marca le eligen buen material, pero para variar y no perder costumbre es promocionado escasamente por la disquera, aunque en estaciones de radio como Radio Variedades, Radio Felicidad y la 590 tuvo una difusión decente; su follow-up, “Bajaré al Río” , cover a Johnny Burnette, también es apreciada pieza de colección roquera, en “No Viviré….” podemos notar que la orquesta de Raúl Stahl le compone la plana a la versión original de Stan Applebaum (no poca cosa; Stan llegó a acompañar a artistas de la talla de Eddie Fisher y Paul Anka), colocándolo a la altura del gran trombonista americano Chuck Anderson- responsable del éxito de Enrique Guzmán, Julissa, Leda Moreno y Al Suárez, entre otros-, acompañamientos orquestales que comparados a la Orquesta Dimsa, Gustavo Pimentel y otras que ni vale la pena mencionar, resultan casi sinfónicos y celestiales.

“El Che”, remoquete originado por cierta propensión a arrastrar las sh que le observaron sus cuates los Locos, volvió al grupo en 1964 por dos situaciones que derivan de la siguiente historia: resulta que cuando muere Toño de La Villa, en Mayo del 62′ el grupo pensó en disolverse de plano, Pepe Negrete decide cambiar hasta de género musical pasando a formar parte de “Los Tribunos” de quienes era amigo desde su temprana adolescencia en la colonia Guerrero; sin pianista y sin voz principal, Manuel ve la oportunidad de volverse solista, quedando solamente unos desconcertados Rafael Acosta y Chucho González como base del grupo original.

Había que cumplir con los compromisos pactados con la Orfeón, por lo cual se platicó con otros buenos amigos del rumbo de Narvarte y Letrán Valle, los excelentes Rippers, que estaban también desintegrándose para ese entonces, se organiza una nueva versión de Los Locos del Ritmo a partir de Agosto del 62′, con Gustavo Salcido (voz) y Lalo Toral (piano) provenientes de los desgarradores, y en adición un amigo en común de todos, Javier Garza. Con ellos se graba el primer sencillo después de la muerte de Toño, “Me Botó” y “Blanca Nieves”.

Esta nueva alineación se mantiene activa desde agosto del 62′ y hasta 1964, periodo que coincide con la estancia de Los Locos en Discos CBS, tiempo interesante musicalmente para la agrupación, con no pocos éxitos, pero lleno de tensiones internas; el grupo regresa a la Orfeón después de esto, reencontrándose con Manuel después del tiempo solista de la Belart, y de ese feliz reencuentro, quedan como éxitos discográficos una primera versión de “Las Mellizas” (cover de medio pelo a “I Saw Her Standing There”) y la muy afortunada versión a “Sabor a Nada” del Argentino compositor de moda en 1964, Ramón Bautista Ortega, mejor conocido como Palito Ortega.

Después de este disco, Reyes regresa a grabar a DUSA como solista, logrando solamente un mediano éxito en 1965, que se llamó “El Mustang”, manteniendo un perfil bajo en los años subsecuentes hasta 1968, año en el cual forma con algunos coterráneos en Campeche el grupo “Los Alushes”, que tuvo alguna relevancia por la difusión de sus covers a “La Lluvia, el Parque y Otras Cosas” de The Cowsills- bastante chafita por cierto- y el mejor logrado “Algo Pasa” de la canción del mismo nombre de Alzo & Udine; después de esta aventura musical se dedica a labores ejecutivas en Televisa, presentándose esporádicamente con los Locos en los 80’s 90’s, dos miles y a inicios de esta década incluso. Actualmente, está retirado del medio artístico, hasta donde se sabe en su natal Campeche. Algunas informaciones lo ubican en estos días como instructor hípico. Nunca fue muy afecto a las entrevistas, parece que ahora menos.

Original Johnny Nash:

Cover:

Popotitos, Teen Tops, 1962/ Bonnie Moronie, Ritchie Valens, 1958

Ricardo Steven Valenzuela Reyes, originario de la naranjera y jitomatera región de Pacoima, CA. nacido un día 13 de Mayo de 1941, y fallecido el día que la música murió, se distinguió dentro del Rock and Roll por ser el primer gran exponente de ascendencia mexicana del género, con alta producción de composiciones originales para lo breve de su carrera, que duró realmente unos ocho meses, y también por ser el representante más conocido en México de esta vertiente, los primeros grupos de rock juvenil en México lo coverearon no pocas veces, siendo los más notables de la época:
Donna, Los Sinners
La Bamba, Los Camisas Negras y Los Rebeldes del Rock
That’s My Little Suzie, Los Adolescentes
Come On, Let’s Go, Los Demonios del Rock
We Belong Together, Los Rogers

Y nuestra canción analizada. Nada mal para una carrera tan breve.
Para inicios de 1959, estaciones de radio como Radio Mil, Radio Éxitos, Radio Capital y la six-twenty radiodifundían a Valens de forma continua, y se llegó incluso a manejar la posibilidad de una presentación en México, sin embargo, adicionales a la muerte trágica e inesperada de Mi Richi,- como le decía su mexican mamacita Connie en “La Bamba” de 1987- estaban como estorbo en la agenda su minoría de edad, su miedo a volar (real) así como la dificultad de conformar un cartel con grupos mexicanos de teloneo, y la costumbre de aquel entonces de armar un pack interesante para la gira; eso hubiera puesto a Ricardo junto con algunas celebridades como Buddy Holly, Eddie Cochran, Dion & The Belmonts en tierra azteca…¿ se imaginan una presentación de todos estos ídolos en, digamos por ejemplo, el Auditorio Nacional? Otro gallo nos hubiera cantado.

Para 1962, el muy importante grupo de Los Teen Tops ya había pasado por muchas experiencias, tres cambios de cantante, el pirateo despiadado de su vocalista y bajista Enrique Guzmán (desde finales de 1960) y muchos éxitos discográficos; sin lugar a dudas, fue el grupo musical de aquellos ayeres con más hits en la radio y ventas de discos en corto tiempo. Para cuando los hermanos Martínez recibieron la consabida copia en 45 RPM de “Bonnie Moronie” traída vía aérea, Enrique había regresado brevemente a la agrupación para grabar un último álbum con ellos, como testimonio tenemos los singles “La Suegra” y está sabrosa rola, que fue una inclusión natural en el cine para el debut de Guzmán en “Twist, Locura de Juventud” donde es acompañado por única vez por los Locos del Ritmo, así como en “Pilotos de la Muerte” donde es canturreada por el vocalista más chafa y desabrido que podrían haber tenido los Tops, Ken Smith Jr., primogénito del picudo locutor Ken Smith, quien fue la voz institucional de Stereo Rey 102.5 FM, e inolvidable narrador de los cartoons del Correcaminos y del Coyote (“píldoras para hacer terremotos; y estas tampoco son marca ACME” por cierto, y totalmente fuera del tema, ¿saben que significa ACME? es un acrónimo que se creó en la época de la Segunda Guerra Mundial, como una muestra de “Los gringos las podemos todas” y que se usó por primera vez en los episodios dirigidos a la milicia gringa del Soldado SNAFU; Americans Can Make Everything…perdón por la divagación del tema principal.

Vale la pena comentar como colofón a esta nota, que dicho LP tuvo que terminarse con la inclusión de las voces de Gastón Garcés, quien también se integró a Los Locos del Ritmo posteriormente y de Julio Carranza (ex- Twisters), así como notar que este es un caso de “recover” pues la versión original de esta rolita es composición de Larry Williams, que dejó para la posteridad esta “Bonnie Moronie” así como “Short Fat Fannie” (cover de los Loud Jets aquí en México) y las que refritearían con gran éxito nuestros amados Beatles, “Bad Boy” y “Dizzie Miss Lizzie”.
Tristemente, los Teen Tops en 1963 se ven presionados por su grabadora para grabar más discos, pero ante el desánimo natural por la separación definitiva de Enrique, la gran idea fue recoverear éxitos de los Locos, Rebeldes, Crazy y otros grupos; esto para cubrir la demanda que Centroamérica, Argentina, Chile y España presentaban, sin duda debió haber sido muy humillante para este magnífico grupo el tener que rendir tributo a su competencia. “Popotitos” tuvo otros Covers en español, a cargo de los Jiggers en México, y del Jefe del Rock en Español, el Granadino Miguel Ríos, cuando empezaba su mítica carrera, y prefería ser llamado Mike.

Original de Richie Valens:

Cover:

Chica Alborotada,Locos del Ritmo,1961/Tallahasee Lassie,Freddy Cannon,1959

Del disco LP Swan “The Explosive”, y en single SR-4031, inicia con un solo épico de guitarra Gibson Les Paul, a cargo de Kenny Paulson, y una letra que aún hoy suena un poco mandada:
Well, she comes from Tallahasee (Florida)
She’s got a fine class chassis
Well she looks a little sassy…

Lo increíble fue que la escribió ¡la mamá! de Freddy, la señora Mimi Piciarello, basada en un poema (?) que escribió ese mismo año y que había intitulado “Rock and Roll Baby”, que tal, eh?

Después de 50 tomas para su grabación, los autores y productores “Bob Crewe y Frank Slay decidieron de plano lanzar como sencillo la versión del demo, que se escucha cruda y sin pulimento, gracias al sonido tan fuerte del bombo de la batería, lo que provocó que a partir de ese momento se conociera a Cannon como “Boom Boom”; fue el primero de ocho hits Top 40 para Freddy, cuya canción más famosa en USA fue la dedicada al parque de diversiones “Palisades Park” que cerró sus puertas en 1963, y cuya montaña rusa nos fue heredada para nuestros juegos mecánicos de Chapultepec en 1964, maderos más, maderos menos.

Siempre he creído, y no nada más yo, que Los Locos del Ritmo son el grupo de Rock and Roll juvenil más completo y trascendente de la primera época, siendo los Teen Tops el segundo, y en tercer lugar un múltiple empate, su importancia me hace citarlos y recordarlos una y otra vez en mis crónicas.

El inicio de este grupo obliga a citar a Pepe Negrete Gilbert, actual alto funcionario de la rectoría de la Universidad LaSalle y en ese entonces estudiante de leyes en la UNAM, y a otro jovencito de enorme talento, estudiante de ciencias químicas también en mi alma mater, nacido en Francia en 1940 y conocido como Antonio Verdes Sánchez, el adorado Toño De La Villa, talentosísimo cantante con voz enronquecida y llena de Rock. Ellos dos, junto con Pepe del Río, Álvaro González y el Rocktor José Alberto Figueroa Becerra conforman la primera alineación oficial de los Locos, la cual pasó por varios integrantes y nombres efímeros, como por ejemplo ” Los Reyes del Rock” en el que tuvieron que ver futuras figuras del movimiento, como los hermanos Tena de los Rebeldes del Rock, el Rubio vocalista Sammy Fournier, que formaría “Sammy y sus Estrellas”, el pianista Sergio Martell, el buen amigo Víctor Blanco Labra, escritor especialista de Rock, y fundador de la columna referente “Rock en Español” para la revista “Notitas Musicales”, entre varios que la memoria de aquellos pioneros ya incluso no registran.

Cabe mencionar que “Chica Alborotada” ya pertenece a una etapa del grupo en la cual la alineación era la siguiente:
Toño de La Villa: Voz y saxofón, que solo se registra en la banda sonora de la película “Twist, Locura de Juventud” de 1962.
José Negrete: Piano.
Manuel Reyes López: Guitarra de Acompañamiento.
Mario Sanabria Atilano: Bajo eléctrico. (Nota del autor: en esta grabación en específico, y en “Pólvora”, así como en otras del segundo LP, también interviene un contrabajista de estudio, el famoso “Médico” Aguiar, así como el requinto de “Cuatro Ases de Amor” lo hace el jefe Hooligan Humberto Cisneros. Mario es hermano del Arq. Enrique Sanabria Atilano-ya fallecido- catedrático de la UNAM en la Escuela Nacional de Arquitectura y asesor sinodal de Tesis Profesional de un servidor.)
Jesus González Biestro, guitarra líder.
Rafael Acosta Córdova, batería.

Aquí la grabación ya es más cuidada, con más tiempo de estudio, mejor ingeniero de sonido y mejores instrumentos musicales; Rafa ya toca una batería completa (en el primer LP, de 1958, solo toca con una tarola y un platillo crash), Mario tiene ya un hermoso Precision Bass de Fender, Chucho estrena en esta grabación una Fender Stratocaster color Daphne Blue, y “El Che” nos presume una Fender Jazzmaster 3-tone sunburst de colección. Y vaya que le corrigen la plana al buen Freddy Cannon, haciendo toda una creación de esta rola.

Original de Cannon:

Cover:

Esta primera entrega es solo una pequeña probada de miel de un género musical que merece un mayor y mejor reconocimiento, incluso dentro de nuestro medio musical; he escuchado algunas opiniones de gente joven que desdeña esta etapa de nuestro cancionero por qué le resulta ñoña, inocentona o excesivamente dulce, no debemos olvidar que ese es su encanto y atractivo precisamente, y que nos hace sentir un fenómeno muy curioso: la nostalgia por épocas no vividas. Los invito a dar un paseo por esas épocas.

“….Dicen que recordar es vivir, y todos queremos vivir un poco más”
Alejandro Lora

Marco es un adicto al Rock and Roll, al Jazz y al Blues, sobre todo con buena compañía a su lado. Conversador ameno y entrometido si de opinar se trata, gusta de encontrar opiniones diversas sobre las cosas interesantes de la vida; fanático de la trivia y de las citas citables.

Eddie Cochran: La estrella de Rock and Roll que sigue brillando

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El 3 de octubre hubiera cumplido 79 años uno de los más destacados cantantes del rock and roll y uno de los pioneros del rockabilly: Eddie Cochran, quien fallecería a la temprana edad de 21 años el 17 de abril de 1960. Su paso por la vida fue muy corto, pero significativo, dejando una de las carreras más brillantes en el mundo del rock.

El creador de Summertime Blues es una de las piedras angulares del rock de mediados de los 50 y principios de los 60 e incluso hasta nuestros días sigue cautivando a nuevas generaciones que al escucharlo quedan prendados de su estilo de cantar y rasgar la guitarra. Obras como “C´mon Everybody”, “Twenty Flight Rock”, “Love again”, “Sittin in the balcony” “Hallelujah i love her so” “Something else”, “Cherished Memories”, “Weekend” y “Three steps to heaven” fueron solo la muestra de un talento firme y arrollador capaz de sobrevivir a su propio tiempo.

Su trayectoria arrancó desde 1954 cuando conoce a Hank Cochran con quien forma el dueto The Cochran Brothers e incluso graban algunos temas en género country, pero no fue sino hasta 1956 que dio sus primeros pasos hacia el éxito como solista y cantante de rock and roll, animado por este género tras ver a Elvis Presley en vivo.

En 1957 participa en la cinta “The girl can’t help it” donde dio a conocer el tema que dicho sea de paso fue el que le interpretó Paul McCartney a John Lennon cuando se conocieron en julio de ese mismo año: “Twenty Flight Rock”, mismo que ha sido versionado por muchos músicos de varias épocas musicales, sin embargo su consagración definitiva sería en 1958 gracias a Summertime blues y C´mon everybody las cuales conquistaron las listas de popularidad tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos.

Eddie destacó desde el primer momento no solamente por su forma de cantar sino también por tocar la guitarra de una manera muy particular, además componía parte del material que cantaba y se inmiscuía en demasía en los arreglos y nuevos sonidos en las grabaciones, cuestión que a pocos cantantes de su tiempo les interesaba.

Amigo cercano de la leyenda musical Buddy Holly, se sumió en una profunda depresión cuando éste falleció junto a Ritchie Valens y Big Bopper en febrero de 1959. Tras este suceso que lo conmocionó de sobremanera escribió y les dedicó el tema “Three stars”.

Incontables temas han salido a la luz tras su muerte, lo que ha permitido tener un panorama más amplio sobre su camino musical que si bien ocurrió hace siete décadas no deja de maravillar a quien lo comienza a escuchar, convirtiéndose en más de una ocasión en uno de los favoritos de todo el que se precie de ser un fiel seguidor rocanrolero.

Después de 57 años sin Eddie Cochran, físicamente hablando, es que su estrella parece brillar con más intensidad atrayendo a miles de fans rocanroleros de todo el orbe. Su estilo ha cautivado e influenciado a estrellas de la música como George Harrison, The Who, Bruce Springsteen, Los Stray Cats, Paul McCartney o inclusive The Sex Pistols.

Muchos de los seguidores de la escena del rockabilly lo mencionan como referencia directa y hasta se emocionan con tan solo nombrarlo, ese es el efecto que proporciona Eddie Cochran con su música, misma que le coronó casi a la par de Elvis Presley. Elvis Presley mismo le consideró un serio competidor, pero su destino ya estaba escrito.

En 1960 Cochran se embarcó a una gira por Gran Bretaña en enero de 1960 y en abril, tres días antes de regresar a su país murió en un desafortunado accidente de tráfico en la ciudad de Chippenham donde viajaba con su novia Sharon Sheeley y su gran amigo Gene Vincent quienes sobrevivieron tras recibir serios golpes.

En compañía de Gene quien era aficionado a la bebida desahogó la depresión por la que atravesaba desde la muerte de Holly. Después de tres días de hospitalizado, Vincent tenía la intención de regresar a Los Ángeles con el cuerpo de Eddie e indicaría alguna vez que llamó a su madre el 20 de abril para decirle: “Eddie y yo empezamos juntos y volvemos juntos a casa”. Cochran sería enterrado en el Cementerio Forest Lawn en Cypress, California el lunes 25 de abril de 1960.

Desde ese momento nacería con su muerte la leyenda del joven músico que con sólo 21 años había logrado su objetivo: Subir a la cumbre para quedarse ahí por siempre.

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Eddie Cochran: La estrella de rock and roll que sigue brillando.

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El 3 de octubre hubiera cumplido 79 años uno de los más destacados cantantes del rock and roll y uno de los pioneros del rockabilly: Eddie Cochran, quien fallecería a la temprana edad de 21 años el 17 de abril de 1960. Su paso por la vida fue muy corto, pero significativo, dejando una de las carreras más brillantes en el mundo del rock. 

El creador de Summertime Blues es una de las piedras angulares del rock de mediados de los 50 y principios de los 60 e incluso hasta nuestros días sigue cautivando a nuevas generaciones que al escucharlo quedan prendados de su estilo de cantar y rasgar la guitarra. Obras como “Summertime blues”, “C´mon Everybody”, “Twenty Flight Rock”, “Love again”, “One kiss”, “Live fast love hard die young”, “Sittin in the balcony”, “Theresa”, “Hallelujah i love her so” “Something else”, “Cherished Memories”, “Weekend” y “Three steps to heaven” fueron solo la muestra de un talento firme y arrollador capaz de sobrevivir a su propio tiempo.

Su trayectoria arrancó desde 1954 cuando conoce a Hank Cochran con quien forma el dueto The Cochran Brothers e incluso graban algunos temas en género country, pero no fue sino hasta 1956 que dio sus primeros pasos hacia el éxito como solista y cantante de rock and roll, animado por este género tras ver a Elvis Presley en vivo.

En 1957 participa en la cinta “The girl can’t help it” donde dio a conocer el tema que dicho sea de paso fue el que le interpretó Paul McCartney a John Lennon cuando se conocieron el 6 de julio de ese mismo año: “Twenty Flight Rock”, mismo que ha sido versionado por muchos músicos de varias épocas musicales, sin embargo su consagración definitiva sería en 1958 gracias a Summertime blues y    C´mon everybody las cuales conquistaron las listas de popularidad tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos.

Eddie destacó desde el primer momento no solamente por su forma de cantar sino también por tocar la guitarra de una manera muy particular, además componía parte del material que cantaba y se inmiscuía en demasía en los arreglos y nuevos sonidos en las grabaciones, cuestión que a pocos cantantes de su tiempo les interesaba. Además era dueño de una simpatía natural y un físico atractivo para las chicas, atributos que los hacían más popular que otros cantantes del momento.

Amigo cercano de la leyenda musical Buddy Holly, se sumió en una profunda depresión cuando éste falleció junto a Ritchie Valens y Big Bopper en febrero de 1959. Tras este suceso que lo conmocionó de sobremanera les escribió y  dedicó el tema “Three stars”.

Incontables temas inéditos han salido a la luz tras su muerte, lo que ha permitido tener un panorama más amplio sobre su camino musical que si bien ocurrió hace siete décadas no deja de maravillar a quien lo comienza a escuchar, convirtiéndose en más de una ocasión en uno de los favoritos de todo el que se precie de ser un fiel seguidor rocanrolero.

 

Es justo decir que a 57 años sin Eddie Cochran, físicamente hablando, es que su estrella parece brillar con más intensidad atrayendo a miles de fans rocanroleros de todo el orbe. Su estilo ha cautivado e influenciado a estrellas de la música como George Harrison, The Who, Bruce Springsteen, The Stray Cats, Paul McCartney o inclusive el punk ha mostrado su predilección por él de la mano de The Sex Pistols.

Muchos de los seguidores de la escena del rockabilly lo mencionan como referencia directa y hasta se emocionan con tan solo nombrarlo, ese es el efecto que proporciona Eddie Cochran con su música, misma que le coronó casi a la par de Elvis Presley. Elvis Presley mismo le consideró un serio competidor, pero su destino ya estaba escrito.

En enero de 1960 Cochran se embarcó a una gira por Gran Bretaña y en abril, tres días antes de regresar a su país murió en un desafortunado accidente de tráfico en la ciudad de Chippenham donde viajaba con su novia Sharon Sheeley y su gran amigo Gene Vincent quienes sobrevivieron tras recibir serios golpes.

En compañía de Gene quien era aficionado a la bebida desahogó la depresión por la que atravesaba desde la muerte de Holly. Después de tres días de hospitalizado, Vincent tenía la intención de regresar a Los Angeles con el cuerpo de Eddie e indicaría alguna vez que llamó a su madre el 20 de abril para decirle: “Eddie y yo empezamos juntos y volvemos juntos a casa”. Cochran sería enterrado en el Cementerio Forest Lawn en Cypress, California el lunes 25 de abril de 1960.

Desde ese momento nacería con su muerte la leyenda del joven músico que con sólo 21 años había logrado su objetivo: Subir a la cumbre y quedarse ahí para siempre.

 

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.