Marty Balin: In Memoriam

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“La vida es toda sobre el amor, la felicidad es su divino derecho, nunca dejes de encontrarlo”: Marty Balin.

La escena sesentera estuvo representada por diversos genios musicales que patentaron un sonido alimentado por corrientes como el folk y el rock and roll; además sirvieron como bandera para toda una generación que reconoció en ellos una manera idílica de vivir, Marty Balin fue, es y será uno de ellos.

Balin, uno de los mayores estandartes del Folk Rock, el Acid Rock y el Rock Pop desde los años 60, se adelantó en el camino el pasado 27 de septiembre y se despidió de este mundo terrenal para acceder a otra dimensión. La noticia tomó por sorpresa porque a pesar de haber sido intervenido del corazón en 2016, se sabe que estaba recuperándose y en 2017 lanzó un nuevo disco.

Aquí un pequeño homenaje a quien dejara un gran legado en vertientes como la música y la pintura.

En 1962 lanzó dos temas para el sello Challenge Records: “Nobody But You” y “I Specialize in Love”. Durante su carrera pasó por el cuarteto de folk The Town Criers y por The Gateway Singers.

Formó parte de una de las bandas consentidas de la escena del “Verano del Amor” en San Francisco y por ende del movimiento contracultural de la década de los 60: Jefferson Airplane, la cual formó junto a Paul Kantner, Jack Casady y Jorma Kaukonen en 1965, después llegarían Signe Toly Anderson y Skip Spence para completar el conjunto, mismo que registró su álbum debut “Takes Off” en 1966, un despegue que tenía más tintes de folk-rock.

Debutaron el 13 de agosto de 1965 en The Matrix Nightclub en San Francisco. Esta integración sufrió cambios y el grupo tomó verdadera forma a fines de 1966 con la llegada de Grace Slick y Spencer Dryden, quienes serían parte de la época dorada de la banda.

En 1967 lanzaron su placa histórica “Surrealistic Pillow” que se ha posicionado entre los mejores 500 discos de todos los tiempos. Este álbum también alcanzó disco de oro. Es una carga sensacional de psicodelia pura y delirante. Contenía dos ases bajo la manga, mismos que se colocaron en el primer puesto de las listas y aportados por Grace Slick: “Somebody to Love” y “White Rabbit”.

Balín, verdadero promotor del Peace and Love, fue creador de gran parte de los mayores hits del Aeroplano de Jefferson.

En 1972 se salió del grupo y más tarde, en 1974 Paul Kantner lo mandó llamar para que se uniera al nuevo proyecto que tenían Slick y él: Jefferson Starship, en el que de nuevo marcó una racha de éxitos y donde contribuyó con varios temas emblemáticos.

En 1978 se retiró de este conjunto para emprender una carrera en solitario en la cual dio muestra de un gran talento.

En 1981 lanzó su primer placa en solitario con éxitos como “Hearts” y “Atlanta Lady”.

Músico versátil, que lo mismo tocaba y aportaba al sonido de Jefferson con la guitarra, el pandero o el piano, tuvo visión para dejar un legado potente e indispensable.

En memoria de este gran valor musical, cuya voz de tenor fue una de las más profundas y emotivas del rock de todos los tiempos hacemos un repaso por cinco temas de su autoría.

  1. “I Specialize in Love”: Realizado en 1962 y escrita por un incipiente cantante Marty Balin en coautoría con Harry Collins. Fue reeditada en 1992. Un tema que deja entrever el rango de voz de Balin en toda su expresión.

Fue incluida en el disco “Hard to Get: The Challenge Story, 50 original recordings 1957-1962”, lanzado en agosto de 2014.

  1. “It´s No Secret”. Este tema lanzado en su primer trabajo con Jefferson Airplane en 1966 nos lleva por un sonido que más tarde sería icónico en el argot hippie sólo que fusionado por sonidos de folk, género en el que Marty comenzó su carrera en 1962.

Este tema maravilloso reza entre sus líneas: “No es secreto, no todos saben cómo me siento, no es secreto cuando digo que mi amor es real porque te amo, sí te amo”. Fue lanzado como cara A en sencillo con “Runnin´Round This World” en febrero de 1966.

  1. “Today”. Proveniente de “Surrealistic Pillow”, fue escrito en coautoría con Paul Kantner, se grabó el 2 de noviembre de 1966 y lanzado en 1967 bajo la producción de Rick Jarrard. Una verdadera mezcla de folk rock en toda su expresión.

Balin lanzó una nueva versión en 1999 en su álbum “Marty Balin Greatest Hits”.

Jerry García, guitarra líder de Grateful Dead, tocó el riff en esta joya musical.

Richie Havens y Ricky Lee Jones han realizado remakes a este hit imperecedero.

  1. “Comin Back To me”. Otra cereza de folk rock en el pastel. Marty Balin la escribió tras fumar marihuana de primera calidad, misma que le había proveído el músico y cantante de blues Paul Butterfield.

Se grabó el 1 de noviembre de 1966 y fue lanzada también en “Almohada Surrealística” también bajo la producción de Rick Jarrard, bajo la etiqueta RCA Victor.

Es una canción netamente acústica donde todos los integrantes a excepción de Grace Slick intervienen en las guitarras, además de Jerry García.

Balin lanzaría también otra versión en 1999 en su disco Marty Balin Greatest Hits.

  1. “Miracles”. Ya durante la etapa de Jefferson Starship. Canción que alcanzaría el número 3 de las listas del Billboard Hot 100 durante tres semanas en 1975. Grabada en febrero y liberada en marzo de ese año.

Fue lanzada en el disco “Red Octopus” bajo la etiqueta Grunt/RCA Records y su producción corrió a cargo del grupo y por Larry Cox.

Para que pudiera será emitida en más estaciones su duración se redujo a la mitad, entre otras cosas para retirar un extracto con orientación sexual.

Este corte ha sido considerado como uno de los grandes del rock pop de todos los tiempos. También fue rescatada en Marty Balin Greatest Hits en 1999.

Fue utilizada en la cinta “Crank” de 2006. Fue inspirada en el gurú Sathya Sai Baba, a quien se cree obraba milagros, así como también se dice una parte está influenciada por una mujer de la que estaba enamorado Balin en ese momento.

  1. “Summer of Love”. Un emotivo tema en donde Marty Balin habla de que –“El Verano del Amor de 1967 fue el cielo”-. Se lanzó en el octavo y último larga duración llamado Jefferson Airplane en 1989. Su grabación se registró en el estudio The Record Plant, ubicado en Los Ángeles.

Su producción corrió a cargo de Ron Nelson, Greg Edward y claro, por Jefferson Airplane. Se publicó como sencillo en agosto de 1989.

Sirva este pequeño homenaje para un artista que afianzó su leyenda con su partida … ¡Larga vida a Marty Balin!

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

El Arte de versionar a The Beatles parte 1

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A lo largo de la historia se han dado a conocer infinidad de “Versiones” en todas las ramas del arte pasando por la antigua Roma donde autores célebres descaradamente copiaban todo lo que venía de Grecia, los conocedores dirán que sí hubo copia pero con resultados favorables transformándolo en algo mucho mejor, cuestión de opiniones. Lo único cierto es que sea bueno o no, hay un caso por analizar.

En este sentido la música tiene lo suyo, aquí el debate se ha convertido en un tópico de polémica porque lo que para unos es música para otros no lo es, el problema radica en cómo y en qué circunstancias se dé, porque puede ser por emular el éxito de alguien famoso para así escalar la cima de la montaña o bien por una clara influencia. En muchos de los casos se han registrado adaptaciones con gran éxito, sin embargo otros por el contrario han dejado mucho que desear, haciéndose acreedores a duras críticas. 

En este aspecto es clave mencionar que el hecho de versionar a otro cantante o grupo siempre, siempre es un arma de dos filos, porque así como hay quien mire con buenos ojos el resultado final puede que exista también el rechazo que lo sepulte hasta que pasados los años quizás se le dé otro valor. Claro está que todo es cuestión de gustos, pero nunca está de más analizar con cuidado el experimento que alguien famoso o neófito se haya atrevido a hacer.

En esta entrada hablaremos sobre algunos temas que realizaron algunos personajes consagrados y otros no tanto a temas compuestos por THE BEATLES. En este terreno y más tratándose de ellos es muy difícil deliberar si es mejor o tan sólo un buen resultado, pero como ya lo dije antes, todo es cosa de enfoques y lo que para mí puede ser bueno para otros ni la sombra, pero ahí les va una selección.

 

El primer tema a destacar salió a la venta originalmente en 1967 en el álbum “Sargent Peppers Lonely Hearts Club Band” y que dio a conocer todo lo no explorado hasta ese momento y como era de esperarse levantó gran éxito en todo el mundo. El track que cierra el disco es una obra cumbre: “A day in the life” misma que ha fascinado a más de uno y entre las versiones que existen está la que se lanzó entre 1969 y 1970 por un casi desconocido trío originario de  Noruega llamado RAIN que tras ser influenciados por la música clásica de STRAVINSKY y VANILLA FUDGE dieron a conocer un increíble remake a “Un día en la vida” mismo que traba en la genialidad mezclando varios géneros como el jazz, la psicodelia y el rock progresivo.

En este su disco “Nork Suite” Carl Jurgen, Knut Heljar y Asmund Feidje se las arreglaron de muy buena manera para plasmar dos temas más de inspiración BEATLE: “Strawberry Fields Forever” y “Isolation”, éste último lanzado por JOHN LENNON como solista y cabe destacar que entre las múltiples versiones que ha tenido, se cuenta que ésta fue primero que todas. RAIN dejó una clara muestra de lo que es sonar como nadie con instrumentos como violín, guitarra fuzz y órgano Hammond.

En tanto el cuarteto de Folk-Rock THE MAMAS AND THE PAPAS lanzó en 1966 una versión de “I call your name” muy a su estilo, la cual estaba contenida en su primer trabajo de larga duración llamado “If You Can Believe Your Eyes and Ears” el cual se publicó en marzo de 1966 bajo la producción de LOU ADLER.

Michelle Phillips, Mama Cass Eliot, John Phillips y Denny Doherty complementaron fenomenalmente sus armoniosas voces para dejar uno de los remakes más memorables y recordados de los años 60.

Cabe resaltar que este álbum llegó al número uno de los Billboard 200 en ese mítico 1966.

Esta versión termina con la icónica frase en homenaje: “I call your name ye-ah” ya que THE BEATLES fueron los que impulsaron el famoso grito de “Yeah, Yeah”, mismo que marcaría a toda una generación.

Este remake fue interpretado por el Mágico Círculo en el Festival Monterey Pop en 1967 donde fueron los organizadores y los que cerraron dicho evento.

Las Mamás y Los Papás también interpretaron “Nowhere Man” en vivo vía el programa Hullabaloo en 1966. ¿El resultado? Alucinante.

Continuamos con una banda más conocida y seguida por millones de seguidores del rock progresivo llamada YES, quienes en 1969 dieron a conocer su primer Long Play conteniendo entre sus múltiples covers “Every Little thing” de THE BEATLES, convirtiéndola en un cohete psicodélico cargado de sonidos que más adelante darían paso a su estilo inconfundible. La banda liderada por Jon Anderson dando cátedra de cómo debe hacerse una adaptación.

Así mismo en el año 1968 el infravalorado conjunto norteamericano FEVER TREE se aventuraría a grabar una mezcla de “Day tripper” y We can work it out”, curiosamente el single doble cara A que lanzaran en 1965 los FAB FOUR. ¿El resultado? Una carga infinita de Psicodelia y buena voz por parte de Dennis Keller, fusión que te va envolviendo conforme la escuchas.

Ese órgano al inicio es un viaje astral.

También en su LP debut en 1968, DEEP PURPLE aún representados en la voz principal por Rod Evans realizaron una versión de “Help” bastante aceptable, tomando en cuenta que bajaron la velocidad de la canción recreando algo quizás y sólo quizás más íntimo. Se destaca que muchos seguidores surgieron tras este remake.

Pero la influencia BEATLE en la banda británica no paró ahí, en su segunda placa “The Book of Talyesin” cubrirían “We can work it out” con una introducción que muestra de donde viene parte del estilo de DEEP PURPLE: variaciones de música de Tchaikovsky.

Se dice que el combo decidió grabar esta creación BEATLE tras una declaración de PAUL MCCARTNEY donde afirmaba que lo sorprendió su versión a “Help”.

Por último mencionaremos a THE GODS, semillero de virtuosos como Ken Hensley, Lee Kerslake y Paul Newton, futuros miembros de URIAH HEEP, Mick Taylor quien fuera miembro de THE BLUESBREAKERS DE JOHN MAYALL y por supuesto el remplazo de Brian Jones en THE ROLLING STONES.

Por otro lado también figuraron Greg Lake que formaría EMERSON LIKE & PALMER y el bajista John Glascock, parte fundamental de JETHRO TULL.

Este proyecto británico sólo grabó dos larga duración separándose en 1970 no sin antes dejar plasmado en el single de 1969 un muy peculiar remake de “Hey Bulldog” compuesto por LENNON-MCCARTNEY en 1968.

Creo que por el sólo hecho de ser temas de THE BEATLES hubieran podido brillar un poco más, sin embargo a pesar de que no es un asunto fácil superaron el tiempo y lo importante es que hoy en día se pueden descubrir o redescubrir y disfrutar en dado caso y más si entre sus intérpretes destacan verdaderos genios musicales.

Sirva este pequeño texto para dar referencia a uno de los placeres más grandes musicalmente hablando: Recrear un tema del CUARTETO DE LIVERPOOL que dicho sea de paso es todo un arte y no cualquiera logra conseguirlo.

 

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la Psicodelia parte 5

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Para este antepenúltimo salto en el tiempo sobre temas que impulsaron la psicodelia retomaremos a verdaderas instituciones musicales que no sólo fueron parte del movimiento hippie sino que lo alimentaron a tal grado de ser considerados por los jóvenes de los años 60 (y ahora también) como representantes de toda una generación.

1: Comenzamos con Grateful Dead y su enorme hit “Golden Road”, una carga infinita de energía lisérgica que estremece durante sus 2:13 minutos y segundos que proyectaron toda una era. Fue incluido en su álbum debut llamado simplemente “Grateful Dead” lanzado en 1967, en pleno ascenso sicodélico.

Escrita por todo el grupo lo cual nos habla de una verdadera familia musical y de hecho así era considerada. Jerry Garcia, Phil Lesh y compañía nos trasladan por un verdadero viaje musical que no sólo representó a la juventud de San Francisco sino a la del mundo entero.

Abre no sólo su primer disco sino parte de los llamados happenings donde el principal atractivo eran los jams que esta enorme banda ejecutaba y con los cuales electrificaba a los asistentes.

 

2: Embryonic Journey – Jefferson Airplane: Un dardo instrumental glorioso que navega entre lo melancólico y celestial. Compuesto por su guitarrista líder Jorma Kaukonen y quien deleita con cada rasgueo que ejecuta tan magistralmente.

De su fantástico “Surrealistic Pillow” de 1967 y que fuera y es una de las placas representativas del argot hippie. Kaukonen compuso esta enorme melodía en 1962 como parte de un taller de guitarra que tomó en Santa Clara, California y lo incluyó en la “Almohada Surrealística” del Jefferson, logrando uno de los mejores cortes del larga duración.

 

De esos temas que puedes escuchar una y otra vez y siempre te quedas con la impresión de que es la primera vez que lo escuchas. Maravilla de maravillas  acústica que incluso ha repercutido a través del tiempo incluyéndose en películas como “A Walk on the Moon”, “Berkeley en los años 60” y el episodio final de la serie cómica Friends.

El dueto Hot Tuna conformado por Jorma Kaukonen y el también exJefferson AirplaneJack Casady, la incluyen de vez en cuando en sus presentaciones.

Un noveno track impregnado de folk-rock insuperable grabado el 22 de noviembre de 1966.

3: Monday Monday – The Mamas and The Papas. Lanzada en 1966, escrita por John Phillips y producida por Lou Adler fue el único número musical del grupo que alcanzó el # 1 del Billboard Chart. En España inauguró los 40 principales de ese año.

La cara A de “Got a Feeling” y compuesta en 20 minutos fue en sus inicios un tema “odiado” por casi todo el grupo, pero sería a la postre su tema más popular junto a “California Dreamin”.

 

Tan popular ha sido su paso por la historia del folk-rock que muchos cantantes y conjuntos la han versionado, entre los remakes más interesantes se encuentran los realizados por Neil Diamond, Petula Clark, Marianne Faithfull, The Beau Brummels, Dionne Warwick y por supuesto el trío Wilson Phillips conformado por las hijas de Brian Wilson y la primogénita de Michelle y John Phillips, que firmaron una gran interpretación en su disco “California” del año 2004, del cual se desprendió en sencillo también una espléndida variación a capella.

En México Angélica María grabó un cover llamado “Este lunes” que si bien no forma parte de sus éxitos reconocidos, es una verdadera rareza digna de rememorarse.

 

En España los Rocking Boys dejaron cuenta de una muy agradable versión en una placa difícil de conseguir.

 

Otros temas psicodélicos o con marcada referencia:

1: Do you Believe in Magic – The Lovin Spoonful.

2: Groovin – The Young Rascals.

3: Sky Pilot – Eric Burdon and The Animals.

4: Piece of my Heart – Janis Joplin.

5: White Room – Cream.

6: Hole in my Shoe: Traffic.

7: Dear Eloise – The Hollies.

8 : The Weight – The Band.

9: The White Ship – HP. Lovecraft.

10: White Bird – It´s a Beautiful Day.

11: Hush – Deep Purple.

12: Child of the Moon – The Rolling Stones. 

13: Sunshine Superman – Donovan.

14: Lovely Rita – The Beatles.

15: Volunteers – Jefferson Airplane.

16: Turn, Turn, Turn – The Byrds. 

17: Peace of Mind – Blue Cheer.

18: Love – Country Joe & The Fish.

19: Bluebird – Buffalo Springfield.

20: The Crystal Ship – The Doors.

 

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Grandes temas que impulsaron la Psicodelia parte 3: San Francisco (Be Sure To Were Flowers In Your Hair)

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Para esta entrada sobre temas que impulsaron la psicodelia nos centraremos en el que le dio identidad propia al “Flower Power”: “San Francisco (Be Sure To Were Flowers In Your Hair)“ canción escrita por el compositor e integrante de The Mamas and The Papas, John Phillips, y que “regalara” a su viejo amigo Scott McKenzie, cuya letra invitaba a los “niños arcoíris” a llevar flores en el pelo.

Su lanzamiento se dio el 13 de mayo de 1967 y tal fue su impacto que se le reconoció enseguida como el “Himno Hippie” por excelencia y colocó a McKenzie en los primeros puestos de popularidad por semanas, vendiendo siete millones de copias en todo el mundo.

Se colocó en el peldaño número 4 en la Unión Americana y escaló al número 1 en Europa.

John Phillips la compuso a pedido expreso de las autoridades que claramente estaban preocupadas por la cantidad enorme de jóvenes que se esperaba acudiera al Festival Monterey Pop en ese 1967, para lo cual se le pide tomar cartas en el asunto para controlar y prevenir lo que según ellos podría desencadenar una serie de inseguridades dentro del evento.

“Papa John” concibe la idea de escribir un tema que hermane a la audiencia asistente y es cuando surgen las líneas que narran:

                “Si vas a San Francisco el verano

                  será una celebración de amor”.

Ante el apoyo de las autoridades se resuelve grabar de inmediato el corte y es cuando Phillips reconoce en Scott McKenzie al que sería su mejor portador ya que la indumentaria de este encajaba perfecto con los ideales hippies, pues andaba siempre descalzo y con flores en el pelo.

Es así como su estreno ocurre en pleno festival, llevándolo a ser reconocido como el “Gurú” de la meca Hippie. El éxito fue inusitado, dándole una fama hasta ese momento desconocida ya que aunque formó parte de grupos a fines de los 50 y principio de los 60 con John Phillips, hasta ese momento probó las mieles del éxito, mismas que sólo le procuró “San Francisco, Flores en tu Pelo”.

McKenzie y The Mamas and The Papas fueron los que cerraron Monterey Pop ante 200, 000 mil almas congregadas que fueron testigo del fortalecimiento de la era hippie.

El track tuvo muchas referencias no sólo en aquél tiempo sino en el cine donde no sólo ha formado parte en diferentes momentos de bandas sonoras como “Forrest Gump” sino ha sido parte de luchas sociales, sirviendo como referente para pedir por la paz y la libertad.

También “San Francisco (Be Sure To Were Flowers In Your Hair)” fue el tema que le dio mayor identidad a la ciudad homónima y por supuesto a su distrito Haight-Ashbury, que le abrió las puertas a todo aquél que peregrinara portando el lema de “Amor y Paz”.

Como curiosidades, Led Zeppelin la utilizó durante sus presentaciones en su primera etapa y las orquestas de Fausto Papetti y Paul Muriat registraron versiones muy aceptables de esta composición.

Aquí el mítico himno del “Verano del Amor” interpretado por Scott Mckenzie.

 

En México el popular y famoso pionero del rock, convertido a baladista solista, Lalo Carrión grabó una versión casi desconocida y muy diferente en su letra pero interesante de “San Francisco”.

 

Y en España el grupo originario de Cataluña, Los Mustang grabaron una versión también distinta en su espíritu lírico pero que tuvo buena repercusión a fines de la década sesentera.

 

Todo un himno que fue representativo de toda una generación y que sigue fascinando…

Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.

Musas Vol. 2, un homenaje al folclore latinoamericano

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¿Existe en la música algo en lo que Natalia Lafourcade haga mal? Es la pregunta que me hago tras escuchar por segunda vez Musas (Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en Manos de Los Macorinos), Vol. 2. Y es que a flor de piel me dispongo a reseñarles la segunda parte de esta obra de arte que Lafourcade ha creado y que ella misma define como “un capricho” suyo.

La cantante mexicana con apenas 34 años es hoy en día una de las voces más hermosas y privilegiadas del país, cabe destacar su exitosa presentación en los pasados Oscars 2018 en los que interpretó el tema que ganó como Mejor Canción Original “Recuérdame” de la película Coco. Orgullosa de sus raíces, el país que la vio nacer y la cultura en la que creció, me atrevo a decir que Natalia Lafourcade es una de las artesanas más importantes de México y digna representante del folclore latinoamericano.

Musas (Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en Manos de Los Macorinos) es un concepto creado por la cantaautora dividido en dos partes, en el que transmite toda la belleza del folclore latinoamericano. Una diversidad de ritmos, sabores y colores es el resultado de esta obra de arte, acompañada del dúo de guitarra acustica Los Macorinos, integrado por el mexicano Miguel Peña y el argentino Juan Carlos Allende.

Bolero, vals, danzón, bossa nova, sones cubanos, guaguanco e incluso arrullos son algunos géneros que integran este universo musical. Compuesto por 13 temas, algunos escritos por Natalia, algunos otros de la música latina popular e inclusive un homenaje a compositores mexicanos como Álvaro Carrillo. Es importante mencionar que de igual manera el arte del disco es una creación de Lafourcade, compuesta por una serie de pinturas realizadas al óleo por la artesana y que hacen del álbum un concepto más personal.

Musas Vol. 2 abre su corazón con Danza de Gardenias, un tema escrito por Natalia Lafourcade y David Aguilar, al ritmo de son cubano, es un canto dedicado al mal de amores (un tema recurrente en las canciones latinoamericanas) y a la vida. Alma Mía es un bolero escrito por María Grever y endulzado en voz de Natalia Lafourcade y Los Macorinos, es uno de los temas más exquisitos del álbum, trata sobre la suposición de encontrar a una persona idéntica a uno mismo, ¿se imaginan cómo sería esa experiencia? Creo que muchos de mis estimados lectores ya la han encontrado.

“Si yo encontrara un alma como la mía cuántas cosas secretas le contaría. Un alma que al mirarme, sin decir nada me lo dijese todo con la mirada…”

El álbum continúa con Hoy mi día uno, un maravilloso escrito hecho por Lafourcade que intenta explicar el increíble momento en el que la vida te da una segunda oportunidad (en cualquier cosa), las guitarras de fondo y la voz hacen una mezcla imprescindible, para dar paso a Tus Ojitos (Vals de la Guardia Vieja), un vals latinoamericano y un bello canto al amor.

“Tus ojitos que contemplo con delirio yo los quiero y los adoro con empeño, tienen la palidez de mi martirio y la dulce mirada del ensueño, ¡ay! y la dulce mirada del ensueño…”

Duerme Negrito es quizá uno de los temas que más llamó mi atención, un hermoso arrullo que queda tan dulce que puedes morir de ternura (siendo sinceros, jamás creí escuchar algo parecido en voz de Natalia) es un canto sin igual. Para dar paso a un clásico en los cancioneros de todo mexicano, Luz de Luna, de Álvaro Carrillo, ofrece un bolero bien definido por las guitarras de Los Macorinos.

Una canción que ya figuraba en las interpretaciones de Natalia Lafourcade y que hasta ahora tiene la oportunidad de ser publicada en un disco oficial de estudio, Derecho de Nacimiento, es una oda a la humanidad, al mundo, a la libertad, a la felicidad, a la vida. Considerada una de las canciones más hermosas escritas por la autora mexicana acompañada de folclore y mucho corazón.

“Voy a elevar mi canto para hacerlos despertar, a los que van dormidos por la vida sin querer mirar, para que el río no lleve sangre, lleve flores y el mal sanar, para el espíritu elevar y dejarlo vivir en paz…”

Eclipse es una tonada tranquila, con guitarras que te brindan paz y la suave voz de Nat, canción compuesta por Margarita Lecuana, compositora cubana. Y el homenaje más grande a México lo hace al interpretar un clásico de los tiempos de la Revolución Mexicana y que hoy por hoy es un canto tradicional; La Llorona, una historia de amor y dolor a la mexicana.

Desdeñosa cuenta con la colaboración de Eugenia León (cantante de música contemporánea mexicana) y Omara Portuondo (cantante cubana de son y bolero), la combinación de tres magnificas voces y un par de guitarras hacen de esta una canción imperdible. Te sigo es un son escrito por Augusto Polo Campos, músico y escritor peruano considerado una leyenda de la música criollo afroperuano, y con el sello Lafourcade que cierra la canción de una forma espectacular.

“Tu sombra no será sombra, será luz en mi destino, si no me quieres y al final somos amigos, di por qué calles andarás y yo te sigo.”

Para cerrar con broche de oro, el tema Humanidad al son del bolero es una belleza escrita por Alberto Domínguez, autor mexicano de varios boleros que alcanzaron fama internacional y Gavota en versión instrumental con las excelsas interpretaciones de los Macorinos, es un abrazo a la música que tanto nos ha dado.

Sin duda, Musas (Un Homenaje al Folclore Latinoamericano en Manos de Los Macorinos), Vol. 2, es el dulce homenaje que la música, el folclore y la cultura latinoamericana necesitaba en su existencia. Con la elegancia en su sonido, las ganas de mostrar sus raíces y la forma en que hace música, Natalia Lafourcade nos regala música para la vida, música para el alma.

¿Cuál fue tu tema favorito de Musas Vol. 2? Comparte tu respuesta utilizando el hastag #NoSóloBeatles y aparece publicado en mi cuenta personal de Twitter.

Licenciado en Ciencias de la Comunicación. Escritor, melómano, fotógrafo y creativo. Le apasiona descubrir música nueva, leer poesía y ver series. ¡La vida es rock and roll!

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The Mamas and The Papas: El círculo mágico del folk rock sesentero

Cada época tiene su encanto musical, todas las décadas tienen sus representantes ya sea en una o varias vertientes y esto es algo que permite ser parte inminente de ese tiempo, se haya vivido o no en realidad. Muchos son los grupos revolucionarios que surgieron bajo la bandera del rock y que dejaron muestra de lo que hoy conocemos como excelencia musical. Es cierto que en gustos se rompen géneros, sin embargo será cuestión de buen gusto u oído desarrollado que hay grupos que siempre tienen y tendrán un lugar especial en el recuerdo de todos.

Un caso muy característico es el de The Mamas and The Papas, quienes saltaron a la fama a mediados de los años 60s. Estos cuatro muchachos californianos fueron parte del movimiento hippie y un estandarte para el argot del verano del amor. Sus voces melodiosas dieron un giro positivo que se conserva hasta nuestros días.

John, Michelle, Denny y Mama Cass son una mezcla de genialidad, alegría y melancolía al mismo tiempo. Sus grandes éxitos incluyen bombas como “California Dreamin”, “Monday Monday” (La cual casi todo el grupo odiaba) pero uno de sus grandes hits, copando las listas de popularidad en ambos lados del Atlántico. Además cuentan con una muy buena versión de “Dedicated to the one I love”, éxito en su momento del grupo femenil The Shireles, muy famoso a principios de la década. En esta versión, Michelle le da el toque perfecto para llevarlo a lo más alto.

John Phillips (Papa John) compositor de prácticamente todos los temas del cuarteto recordó en alguna ocasión que fue a pedido explícito de Denny Doherty (Papa Denny) que él de alguna forma se sentó a escribir, esto tras escuchar el primer disco de The Beatles. Los orígenes de Los Papás y Las Mamás surgieron en Nueva York, más específicamente en el Greenwich Village a fines de los años 50, donde Phillips laboraba en busca de fama.

En este emblemático sitio John conocería y entablaría amistad con Mama Cass y Denny, quienes en ese momento formaban parte de The Mugwumps, donde dicho sea de paso también se encontraba Zal Yanovsky, futuro miembro del otrora grupo de folk-rock Lovin Spoonful.  Phillips para estas fechas era miembro de The Journeymen, dedicados también al folk que flotaba en el aire con nuevos bríos gracias a la presencia de Bob Dylan en la escena.  En esta aventura con “Los Viajeros”, Papa John compartía sueños y trabajo con un cantante que se haría famoso internacionalmente en 1967 con un himno escrito, precisamente por él: San Francisco (Flowers in your hair) su nombre, Scott Mckenzie, mismo que también grabaría “Twelve thirty” tema que sería un rotundo éxito con The Mamas and The Papas en 1968.

Sería en este lapso donde conocería a quien fuera su esposa y futura integrante de Mamas and The Papas: Michelle Gilliam, con ella comenzaría una nueva etapa como The New Journeymen que no sería más que el preludio de lo que vendría después con la adhesión de Denny y más tarde de Mama Cass.

John y Mich compondrían Creeque Alley, nombre en referencia a un café situado en Las Islas Vírgenes  y que conquistaría las listas de éxitos en 1967, canción que relata los inicios de la banda junto a otras luminarias como Barry McGuire, Roger McGuinn y John B Sebastian de Lovin Spoonful, en los versos se puede distinguir: “Y el sueño de California se está haciendo realidad”, y lo fue hasta 1971 cuando publicaron el larga duración “People like us”, que grabaron cuando se reunieron por primera vez después de unos años de haberse desintegrado, todo esto por petición de la disquera.

El destino del combo estaba destinado a brillar, pero no lo harían en Nueva York sino en Los Angeles donde fueron punta de lanza para reinvindicar la ola americana junto a bandas como The Byrds, The Turtles, The Beach Boys y The Monkees, entre otros. La época hippie los coronó como uno de sus principales representantes y los proclamó como una influencia imperecedera tras su paso por el Festival Monterey Pop, el cual encabezaron y organizaron junto a su representante Lou Adler. Este magno evento sería primordial para el lucimiento de dos jóvenes promesas sesenteras: Janis Joplin y Jimmy Hendrix. Mama Cass mostraría su asombro al presenciar la actuación de “La Bruja Cósmica”, escena que puede disfrutarse en la cinta que se dio a conocer del Festival. 

Phillips, Gilliam, Elliot y Doherty estaban en los cuernos de la luna disfrutando de una fama que los hacía parte del agrado de propios y extraños, su mismo éxito opacaba lo que muy en la intimidad sucedía, ya que sus miembros no pasaban por una buena racha personalmente hablando. Entre las curiosidades de esta situación destacan los deslices que Michelle tuvo con Marty Balin, cantante de Jefferson Airplane y Gene Clark, voz principal de The Birds, además se habló mucho de su romance con su compañero de banda: Denny Doherty, mismo que detonaría su expulsión del grupo en 1966, a su vez acompañado por la ruptura de su matrimonio con John con quien regresaría para separarse definitivamente en 1970.  En consecuencia Denny se refugiaría en el alcohol para olvidarla y en “venganza” John escribiría canciones como “I saw her again last night” y “Got a feeling” para que fueran interpretadas por el grupo.

Tras su salida, entraría en su lugar la cantante Gillian Gibson, pero la influencia de Michelle era tremenda y el éxito no fue el mismo sin su presencia, por lo que regresó a las filas del conjunto meses más tarde para seguir dejando huella en la música.

Mamas and The Papas continuó su camino entre rosas y espinas, pero el final se acercaba, Doherty indicaría que el grupo se había terminado desde mucho antes de brillar, pero afirmó que realizaron muy buenos discos, llenos de éxitos y buenas canciones. Entre todos estos tropiezos también se daría a conocer el arresto de Mama Cass por un supuesto hurto en un albergue de Londres.

Mientras tanto el combo publicaría su cuarto y penúltimo disco: “The Papas and The Mamas” en 1968, trabajo que es considerado como uno de los mejores de los 60, aunque fuera poco valorado en su momento.  Su separación fue inminente, pero sus integrantes siguieron perteneciendo al mundo del espectáculo. John y Denny recrearían al grupo en los 80, sin el éxito esperado. Por su parte Cass estuvo activo en el ambiente de cabaret y en grandes giras por Europa y EU con efímero éxito ya que murió en 1974 de un infarto (falleció en el mismo apartamento donde acaecería Keith Moon cuatro años después paradójicamente a la misma edad) Y Michelle se convirtió en actriz de éxito reconocido de cine y TV, además continuó grabando música donde también fue reconocida.

John y Denny fallecerían en 2001 y 2007 respectivamente por lo que la única sobreviviente es Michelle, quien a menudo rememora su paso por una de las piezas clave de la música de la segunda mitad del siglo pasado y algunas veces hace apariciones en alguna presentación en vivo, sobre todo para apoyar al trío Wilson Phillips conformado por su hija Chynna y los retoños de Brian Wilson, trío que en su momento disfrutó de las mieles del éxito mezclando su talento a través de sus voces, tal y como hicieran sus padres en otro tiempo.

Tuvieron como plus en su discografía temas de The Beatles como “I call your name” así como  “Nowere man” en vivo que se ha dado a conocer gracias a la tecnología y en algún momento acompañaron a Barry McGuire con “Yesterday” y “You´ve got to hide your love away” en presentaciones para TV. Cabe señalar que Los Beach Boys realizaron una especie de homenaje en los años 90 de “California Dreamin”, proyecto que se engalanó con la presencia de Roger McGuinn de The Byrds en el requinto y la aparición de John y Michelle, cuestión que quedó de manifiesto en el vídeo oficial del tema.

The Mamas and Papas (primeramente así conocidos) son una parte fundamental de la música que trajo consigo esperanzas y buenos ideales en medio de un tiempo de guerra. Este cuarteto marca sin duda un antes y un después de lo que llamamos la década prodigiosa, enmarcada por una pléyade de músicos geniales que fueron, son y serán los amos y señores de una época que aún palpita en el corazón de todos sus seguidores.

Finalmente sin las voces melodiosas y bien acopladas de The Mamas and The Papas la escena folk-rock no hubiera sido igual, sin su presencia y talento todo habría tomado otro rumbo, uno que tal vez no conoceríamos el día de hoy.

 

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Soy melómana de corazón, básicamente fan de The Beatles y rocanrolera declarada, me apasiona la música de la época de los años 60. Me agrada leer literatura clásica y de fantasía y estudio Ciencias de la Comunicación.